Shifters (Duke of York’s Theatre, Londres)
En tant qu’amateur de théâtre chevronné ayant un faible pour les plaisanteries pleines d’esprit et les commentaires perspicaces, je dois dire que ces représentations au Kiln Theatre et au Edinburgh Fringe Festival sont vraiment captivantes.
Verdict : le travail de l’amour a gagné
Dans le film Annie Hall de Woody Allen, il y a une scène humoristique où un homme se confie à son psychiatre au sujet de son frère qui le prend pour un poulet. Le psychiatre propose d’amener le frère à l’aide, mais l’homme hésite… « Je ferais ça, dit-il, mais j’ai besoin des ovules.
Dans ma propre vie, j’ai découvert que peu importe à quel point les enchevêtrements romantiques peuvent paraître irrationnels ou exaspérants, il existe une certaine attirance qui nous pousse à revenir en arrière. Ce retour persistant peut être assimilé au besoin instinctif d’un oiseau vers son nid, ou d’un papillon de nuit vers la flamme : c’est un besoin inné. D’après mon expérience, ces relations, malgré leurs défauts et leurs frustrations, procurent souvent un sentiment de confort, de familiarité et de soutien émotionnel dont nous rêvons, un peu comme la façon dont on cherche des œufs pour se nourrir. Cela ne veut pas dire que chaque relation doit être entretenue aveuglément, mais cela met plutôt en évidence la tendance humaine à rechercher le réconfort et l’épanouissement dans des lieux familiers, même lorsque la logique peut nous dire le contraire.
La force motrice derrière Shifters, une comédie romantique poignante écrite par le dramaturge Benedict Lombe et initialement mise en scène au prestigieux Bush Theatre de l’ouest de Londres, est le même facteur de motivation. Cette production a depuis déménagé dans le West End.
Le récit tourne autour de Dre et Des, deux amis d’école qui ont eu une relation intermittente tout au long de la trentaine… « un couple de jeunes noirs condamnés à se retrouver en désaccord l’un avec l’autre ».
Huit ans après leur séparation, ils se retrouvent, suite aux funérailles de la grand-mère de Dre. Aujourd’hui, elle s’épanouit en tant qu’artiste résidant à New York, tandis qu’il gère un restaurant à Londres. « Shifters » – une lamentation sur une relation qui n’a jamais vu le jour – résonne profondément, capturant l’essence de la complexité et de la profondeur émotionnelle.
En tant que fan aux anges, je ne peux m’empêcher de chanter l’éloge de l’aspect remarquable de cette série : le duo fascinant de Tosin Cole et Heather Agyepong, qui donnent vie à leurs personnages Dre et Des. Tosin’s Dre est un délicieux mélange de charme espiègle et de profondeur cachée, tandis que Heather’s Des est une femme pointue et directe avec une énigme intrigante enveloppée en elle. En termes simples, ils sont le cœur et l’âme de cette série qui me fait revenir pour en savoir plus.
En tant qu’admirateur dévoué, je ne peux m’empêcher de remarquer l’air énigmatique qui les entoure tous les deux. Ils semblent porter des blessures cachées de leur passé, dissimulant soigneusement les cicatrices de leur enfance. Pourtant, leur dynamique électrisante est tout simplement enivrante, une étincelle qui menace de m’enflammer et de me consumer avec son allure irrésistible.
Mon seul véritable reproche ici est que la pièce de Lombe n’exige pas qu’ils prennent plus de risques l’un pour l’autre.
En tant qu’admirateur dévoué, je dois exprimer que les dialogues débordent d’esprit et de charme, déclenchant de copieux éclats de rire. Pourtant, il y a des moments où il semble que nous attendons quelque chose, un peu comme deux personnes dans une interprétation prolongée de « En attendant Godot ». Ils font tendrement des concessions, partagent des anecdotes nostalgiques et dansent autour des problèmes fondamentaux.
Malgré cela, la production simple et chaleureuse de Lynette Linton, sous une pluie de néons d’étoiles filantes, jette un charmant sort de rêve de 100 minutes.
Accédez au site du Charing Cross Theatre ICI et du Duke of York Theatre ICI.
Le Fabuliste (Charing Cross Theatre, Londres)
Verdict : le travail de l’amour chante
The Fabulist représente une aventure comique dans le style de Gilbert et Sullivan, s’inspirant de l’opéra du XVIIIe siècle de Giovanni Paisiello, L’Astrologue trompeur. Cette adaptation contemporaine est écrite par l’expert américain en cyber-guerre, James P. Farwell.
Alors que j’entre sur le plateau de tournage pittoresque niché au cœur de la Toscane, en 1929, je me retrouve plongé dans une histoire intrigante. Je suis réalisatrice, sœur et fille d’un brillant astronome-scientifique. Dans cette histoire, ma famille et moi avons pour mission de protéger un mystérieux magicien, connu sous le nom de Fabuliste, qui a conquis le cœur de mon jeune frère. Cependant, nous devons le garder caché d’un puissant cardinal déterminé à traquer toute personne soupçonnée de pratiquer la magie, de peur que son influence n’entache les enseignements de l’Église.
Le nœud gordien d’une intrigue ne vaut pas la peine d’être dénoué.
En tant qu’admirateur dévoué, je dois dire que si les paroles de Farwell pour la magnifique partition de Paisiello ont fait rire, elles sont également entrelacées de scènes poignantes – dont l’une met en scène le conteur insaisissable prononçant des proverbes dans des cris d’oiseaux. Dans ces cas-là, je ne peux m’empêcher de penser que la vie est tout simplement trop brève.
Dans une autre veine, la musique de Paisiello se démarque. Un orchestre de chambre animé de cinq membres lui donne vie. Les sopranos Lily De La Haye et Reka Jonas ravissent le public.
Stuart Pendred incarne le personnage plein d’entrain, le cardinal Bandini, qui a lancé à lui seul une enquête sur la sorcellerie.
Le travail de John Walton dégage une charmante atmosphère démodée, avec de minuscules piliers, des silhouettes d’arbres et des formes de nuages duveteux, tout en présentant également des techniques d’illusion avancées.
Shifters se déroule jusqu’au 12 octobre.
Antoine et Cléopâtre (Shakespeare’s Globe, Londres)
Verdict : le travail de l’amour s’atténue
C’est formidable que Shakespeare’s Globe ait fait le choix réfléchi d’incorporer la langue des signes britannique (BSL) dans sa prochaine production d’Antoine et Cléopâtre. Cependant, il est important de se rappeler que cette pièce était à l’origine destinée à être entendue par un public, donc le fait que nous trouvions ou non cette nouvelle version agréable peut encore varier.
En tant qu’admirateur fervent, je ne peux m’empêcher de m’exclamer que le langage de cette production est torride, sensuel et enflammé ! Dans une tournure unique, le portrait de Cléopâtre par Nadia Nadarajah est magnifiquement exprimé à travers la langue des signes britannique (BSL). Certains des vers les plus exquis de Shakespeare sont ainsi transformés en mimes expressifs.
À côté d’elle, John Hollingworth incarne un solide officier de niveau intermédiaire dans le moule de Marc Antoine – une figure romaine légendaire connue à la fois pour l’amour et la guerre. Cependant, la production de Blanche McIntyre ne parvient pas à transmettre l’intensité intense et passionnée qui définit cette histoire classique d’amour et de destruction, apparaissant plutôt quelque peu léthargique et utilisant des matériaux aux tons denim dans sa conception.
En tant qu’adepte dévoué, je me souviens malheureusement d’un sketch comique qui ne serait guère digne de Carry On Cleo, si Nadeem Islam devait un jour lui annoncer de malheureuses nouvelles de Rome.
Heureusement, Daniel Millar, dans le rôle d’Enobarbus, l’ami d’Antoine, confère à certains vers de la pièce un éclat attrayant. Je soupçonne que ce serait plus efficace dans un espace de représentation plus intime.
Représentation tendre mais puissante de la vie d’un musulman britannique
Beurre de cacahuète et myrtilles (Kiln Theatre, Londres)
Verdict : Le coup de foudre
1. Bilal s’est paré d’un foulard bleu martin-pêcheur et d’un vieux vélo Raleigh ; Hafsah l’a trouvé rebutant parce qu’il autorise les Blancs à l’appeler Billy, mais elle était toujours (à contrecœur) impressionnée par son apparence après avoir passé un an au Cachemire.
En tant qu’étudiant à SOAS, originaires respectivement de Birmingham et de Bradford, nous sommes le duo qui a besoin de sous-titres pour saisir pleinement le charme d’un vieux film de Bollywood.
Hafsah, le rat de bibliothèque, ne recherche pas de relation amoureuse. De même, Bilal, profondément inquiet pour sa mère et son incapacité à payer l’hypothèque, ne recherche pas non plus l’amour.
Partager les mêmes croyances que les musulmans, avoir un sens de l’humour similaire et savourer la même combinaison unique de sandwichs au beurre de cacahuète et aux myrtilles forge un lien incroyablement fort entre eux.
Dans une entente silencieuse façonnée par leurs différences religieuses, il existe un fossé infranchissable entre eux lorsqu’ils se promènent ensemble ou partagent un banc. Pourtant, lorsque Bilal nettoie délicatement les lunettes de Haf avec sa chemise, en essuyant les gouttes de pluie, l’atmosphère crépite d’une énergie indéniable. Ils ne franchissent jamais cette frontière intouchable.
En tant qu’admirateur dévoué, je trouve un mélange authentique de douceur, de légèreté et de profonde perspicacité dans le premier drame humoristique et poignant de Suhaiymah Manzoor-Khan qui met en lumière l’expérience musulmane contemporaine en Grande-Bretagne.
Humera Syed offre à Hafsah une confiance tranquille qui semble enracinée à la fois dans ses croyances religieuses et son engagement envers le féminisme, ainsi que dans son esprit vif.
Au lieu d’être calme et posé, le personnage d’Usaamah Ibraheem Hussain, Bilal, se retrouve souvent dans une position défensive en raison de son caractère colérique et instable.
Chaque fois que quelqu’un, en particulier un individu blanc, m’ordonne de me taire dans une bibliothèque, je me sens immédiatement visé en raison de ma foi, l’interprétant comme de l’islamophobie. Dans les transports en commun, si je m’éloigne momentanément et laisse mes affaires derrière moi, je deviens involontairement au centre d’un incident du genre « Voir, parler, trier ».
La réalisatrice Sameena Hussain tire des performances gagnantes du duo, qui a une belle alchimie.
Cependant, il y a certains pas de danse maladroits où les deux semblent se rapprocher avant de s’éloigner. Cela crée une tension palpable qui persiste jusqu’à la toute fin.
Spectacle jusqu’au 31 août. Rendez-vous sur le site du Kiln Theatre ICI.
Que se passe-t-il à Edinburgh Fringe ?
Tommy Cooper, Bob Monkhouse et Eric Morecambe entrent dans une loge
En effet, il ne s’agit pas de l’introduction d’une plaisanterie, mais plutôt du concept derrière la pièce réconfortante de Paul Hendy « The Last Laugh », mise en scène à Assembly sur George Square (★★★★✩). Cette pièce envisage une rencontre intrigante entre trois personnalités influentes de l’humour du XXe siècle.
Les comédiens réfléchissent souvent aux légendes du passé et au scénario le plus redouté d’un comédien : un attentat à la bombe sur scène, où une blague échoue.
Cependant, il est important de noter que Cooper (Damian Williams) est décédé tragiquement sur scène, tandis que Morecambe (Bob Golding) s’est effondré dans les coulisses et a ensuite perdu la vie.
Les plaisanteries amicales entre ces comédiens impliquent souvent des confrontations mutuelles. Pourtant, malgré leur nature compétitive, le comique réfléchi Simon Cartwright (Monkhouse) n’hésite pas à reconnaître et à accorder du crédit aux auteurs de blagues.
Une étude affectueuse de la nature de la comédie et des périls de la célébrité.
Dans une formulation différente : Ivo Graham, bien connu pour son stand-up, est en fait répertorié dans la section théâtre du programme Fringe (Carousel at Assembly, George Square, ★★★★✩). Peut-être pensait-il que discuter de thèmes comme la mort, le regret et les mauvaises décisions ne serait pas drôle, mais cette performance s’avère être une heure savamment construite où il partage son voyage vers l’acceptation de soi.
Auparavant, un participant à l’émission « Taskmaster », Graham, partageait des biens précieux comme une combinaison à motif de tigre et des œuvres d’art créées par sa petite fille, tout en réfléchissant de manière réfléchie aux personnes importantes de son existence.
Il est assez autocritique lorsqu’il aborde des sujets tels que la paternité, la séparation difficile d’avec son partenaire et la perte de sa grand-mère et d’un ami, qui relèvent tous de la catégorie compétitive du « narcissique avancé » à l’Edinburgh Fringe.
Bien que Carousel semble mélancolique et poignant, il parvient également à susciter des rires chaleureux. Cela mérite d’exister au-delà du Fringe.
VÉRONIQUE LEE
Sidi est très intelligent avec les plaisanteries du public et surréaliste
La performance d’Emma Sidi dans le rôle de Sue Gray à Pleasance Courtyard (★★★★✩) est une satire hilarante et excessive du chef de cabinet de Keir Starmer, également connu comme l’auteur du rapport Partygate.
Se transformant radicalement par rapport à son image originale, Sidi donne à la conseillère politique une métamorphose vibrante, la transformant en une femme charmante à l’accent épais, originaire d’Essex. Simon Case est largement admiré comme une figure exceptionnelle, Philip Hammond est trouvé attrayant et Starmer est décrit comme dégageant un charme presque débordant de charisme. Sidi est connu pour son esprit vif, l’engagement du public et une touche surréaliste dans ses interactions.
PATRICK MARMION
Accédez au site Web d’Edinburgh Fringe ICI.
Les trois spectacles se terminent dimanche.
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2024-08-23 03:24