Revue « The Crow » : Bill Skarsgard enfile le mascara dans une réimagination lente mais élégante

En tant que cinéphile chevronné avec plus de trois décennies d’exploration cinématographique à mon actif, je dois admettre que la réimagination de « The Crow » a piqué mon intérêt et m’a intrigué. Après avoir regardé plusieurs fois le film original de 1994, j’étais au départ sceptique quant à cette nouvelle incarnation. Cependant, l’interprétation de Rupert Sanders parvient à se suffire à elle-même tout en rendant hommage au matériel source.

Lionsgate vise à éviter que la nouvelle version de « The Crow » ne soit qualifiée de remake ou de redémarrage, reconnaissant que la relance d’une franchise cinématographique depuis longtemps en sommeil en fait une deuxième itération. Cependant, il ne s’agit pas d’un remake au sens traditionnel du terme, car le scénario de cette adaptation prend de plus grandes libertés créatives avec la série de bandes dessinées originales de James O’Barr que le film de 1994. Le film de 1994 est bien connu en raison de la mort prématurée de Brandon Lee pendant le tournage, ce qui a ajouté un air de symbolisme tragique à son rôle déterminant dans sa carrière.

Les comparaisons biaisées ne rendent souvent pas justice, il n’est donc pas surprenant que le studio ait cherché à minimiser autant que possible ces comparaisons. Le projet développé de longue date, qui a traversé plusieurs réalisateurs, scénaristes et acteurs au cours de la dernière décennie avant d’atteindre sa forme actuelle, était déjà confronté à une bataille difficile. Certains fans ardents et les premiers critiques affinaient leurs critiques avec impatience. Cependant, si l’on peut mettre de côté les précédents films « Crows », « Blanche Neige et le Chasseur » de Rupert Sanders parvient à créer un impact substantiel sur ses propres mérites – en tant que thriller fantastique captivant, à la fois violent et intriguant.

Contrairement à de nombreux divertissements modernes au rythme rapide, cette production a un ton moins proche des genres de super-héros, de pop gothique ou d’arts martiaux. Au lieu de cela, il propose un mélange sophistiqué mais décousu de vengeance et d’histoire d’amour. Cette pièce réinventée n’est pas un succès instantané, mais ce n’est pas non plus un échec total difficile à regarder.

En 1989, j’ai créé une série de bandes dessinées pour canaliser mon chagrin et ma fureur suite à la mort tragique de ma fiancée dans un accident de conduite en état d’ébriété. Dans cette histoire granuleuse, j’ai dépeint les antagonistes comme des criminels urbains sordides, oscillant entre le monde de Dick Tracy et une suite de Death Wish. Cependant, le scénario de Zach Baylin et William Schneider a transformé ces méchants en de riches cerveaux tordus qui semblent échapper à la responsabilité de leurs actes odieux – un peu comme les personnages de Blink Twice, un film qui sort en salles à peu près au même moment.

Dans une métropole inconnue, la chanteuse émergente Shelly (anciennement connue sous le nom de FKA Twigs) se retrouve inexplicablement attirée par le cercle social décadent financé par l’insaisissable magnat Vincent Roeg (interprété par Danny Huston). Cet homme mystérieux est toujours désireux de découvrir de nouveaux talents. Ses soirées semblent avoir une allure étrange, où des gens normalement bons se retrouvent souvent à commettre des actes nuisibles. Lorsque les amis de Shelly, Zadie (Isabella Wei) et Dom (Sebastian Orozsco) documentent secrètement ces activités illicites, ils sont rapidement arrêtés, mettant tout le monde en péril. Il ne faut pas prendre à la légère Roeg ; La rumeur dit qu’il a conclu un pacte avec le diable pour la vie éternelle et des richesses extravagantes, mais au prix de l’envoi des âmes d’individus corrompus vers une destination surnaturelle. Lorsque Zadie le confronte à ce sujet, Roeg répond froidement : « Tu vas en enfer pour que je n’aie pas à le faire. »

Échappant à ses poursuivants, parmi lesquels Laura Birn, David Bowles et Karel Dobry, Shelly se fait arrêter avec succès et fait en sorte que la police la transfère dans un luxueux centre de réadaptation public. Dans cet établissement, elle rencontre Eric (Bill Skarsgard), un individu grand et maussade qu’elle trouve attirant. Compte tenu de son mulet, de ses nombreux tatouages, de son attitude sarcastique, de son absence fréquente de chemise et de sa forme physique générale, Eric ressemble de façon frappante à Pete Davidson après d’intenses séances d’entraînement. Ces deux personnages apparemment troublés semblent être de charmants mondains, leurs nombreux vêtements à la mode et leurs logements de rechange suggérant une source de revenus ou un passé peu clair. Leur relation se développe rapidement lorsqu’il devient clair que le centre de réadaptation n’est pas non plus à l’abri des menaces de Roeg & co.

Dans ma critique en tant que cinéphile, je dirais que ce film offre une histoire d’amour tranquille qui se déroule entre les deux protagonistes, semblable à une séquence prolongée de chute amoureuse. Contrairement aux épisodes précédents qui se sont rapidement tournés vers l’intrigue de la vengeance et n’ont fait allusion qu’à des moments tendres, cet épisode de la série « Crow » prend son temps avant de plonger dans la vengeance. Cependant, leur voyage idyllique est brusquement interrompu alors que la méchanceté finit par les rattraper, conduisant à leur disparition tragique. Le récit prend alors une tournure inattendue lorsqu’Eric se réveille dans un purgatoire désolé au thème industriel. Ici, un personnage nommé Kronos (joué par Sami Bouajila) annonce la nouvelle de son décès, mais avec un rebondissement : Eric n’est pas encore vraiment parti.

Dans certains royaumes, on dit qu’un corbeau sert de guide aux âmes pour atteindre l’au-delà. Cependant, certains sont freinés par des problèmes non résolus, ce qui amène un oiseau à les ramener dans le royaume des vivants. Malgré les dures représailles endurées par les hommes de main de Rogue, Eric est capable de se rétablir (bien que douloureusement), grâce à la pureté de son amour douloureux qui le protège. Pour la seconde moitié du film, Eric se lance dans une mission mortelle pour gravir les échelons de la chaîne de commandement, menant à une confrontation grandiose et sanglante entre un homme et une armée privée. Cette scène est entrecoupée d’une représentation d’opéra, ce qui suggère que l’opéra dispose d’une insonorisation exceptionnelle, car les clients ignorent les coups de feu continus qui se produisent à l’extérieur de l’auditorium. Cette séquence partage des similitudes avec les fusillades culminantes de « The Cotton Club » et « The Godfather Part III » de Coppola, imitant une partie de leur flair ouvertement dramatique.

C’est un bon décor, et il y a un adieu décent un peu plus tard pour Roeg, dont le surnom est sûrement une blague de cinéphile. Ailleurs, le « Corbeau » de Sanders peut manquer d’urgence, mais il ne semble pas le viser. Il n’y a pas non plus de réelle profondeur d’émotion, malgré la nouvelle vanité d’Eric pensant qu’il peut d’une manière ou d’une autre récupérer Shelly des enfers, comme Orphée et Eurydice. Au lieu de cela, le film a une sorte de qualité perplexe et flottante qui ne semble qu’occasionnellement molle.

La dépouille macabre des bandes dessinées et la claustrophobie ornée du premier film cèdent la place à un look élégant et plus aérien évoqué par les compositions grand écran du directeur de la photographie Steve Annis, des lieux bien choisis à Prague et en Allemagne, la conception de la production par Robin Brown (qui a cité le film de Tarkovski « Stalker » comme source d’inspiration), et les costumes ludiques de Kurt et Bart. Les effets visuels spéciaux sont restreints, hormis ce corbeau omniprésent.

En tant qu’amateur de cinéma, j’ai trouvé le portrait influencé par le grunge d’Alex Proyas assez distinct de ses homologues MTV de l’époque. Le style et l’atmosphère semblaient ici raffinés, presque aristocratiques. Malgré la violence graphique qui lui a valu la note « R », il manquait le frisson sensationnel auquel on pourrait s’attendre. C’était assez engageant, mais m’a laissé un sentiment légèrement détaché – un peu comme les sélections inhabituelles de bandes sonores, qui privilégiaient les airs quelque peu discordants de Joy Division, Gary Numan et d’autres des années 80, plutôt que le heavy metal énergique. hymnes sur lesquels Brandon Lee a réalisé ses cascades. Les acteurs ont livré des performances solides qui étaient étonnamment nuancées compte tenu du développement superficiel des personnages, évitant ainsi toute suraction stéréotypée.

Il est peu probable qu’il soit nécessaire d’en faire davantage, ou même qu’Alexander Skarsgard reprenne son rôle. Cependant, sa représentation et celle de Sanders avec le guyliner – une caractéristique unique de l’apparence du héros qui n’apparaît que plus tard – est sans aucun doute le meilleur film « Crow » depuis le dernier. Bien sûr, les suites intermédiaires ont été médiocres. Mais si vous n’êtes pas trop préoccupé par ce qui a précédé, la « réimagination » de 2024 a suffisamment de charme et de style pour plaire.

2024-08-23 11:17