Revue de « Récolte » : la fable musclée, brutale et belle d'Athina Rachel Tsangari sur une communauté agricole déchirée

En tant que cinéphile avec un penchant pour les drames historiques et un faible pour les histoires qui plongent dans la décadence sociétale, « Harvest » d’Athina Rachel Tsangari m’a laissé une marque indélébile. Ce film est une riche tapisserie de thèmes étroitement liés : le patriarcat, les conflits de classes et la marche incessante du temps. Le décor, enveloppé de mystère mais orienté résolument vers le nord, nous rappelle de manière poignante comment l’histoire se répète, même lorsque nous n’y prêtons pas attention.

Neuf années se sont écoulées depuis la sortie du dernier film d’Athina Rachel Tsangari, « Chevalier », une satire contemporaine mordante qui dénonçait l’ego masculin nuisible et le comportement compétitif souvent appelé « compter des points ». Dans son troisième long métrage, « Harvest », beaucoup de choses ont évolué : il s’agit de son premier projet en anglais, de sa première adaptation littéraire et sans doute de sa production la plus élaborée et la plus coûteuse à ce jour, se déroulant dans un passé lointain. Cependant, le thème sous-jacent du patriarcat mesquin et autodestructeur reste puissant. Tsangari adapte le roman de l’auteur britannique Jim Crace, sélectionné pour le Booker Prize, sur une communauté rurale déchirée par la méfiance locale et l’empiétement du capitalisme. Même si son drame d’époque peut parfois perdre la trace de son long fil narratif, il est captivant en tant que voyage immersif dans une autre époque et un autre lieu.

Cependant, quelle heure et quel lieu faut-il débattre. Comme dans le roman de Crace, ni l’un ni l’autre n’est spécifié, bien que les accents et le paysage escarpé et luxuriant (le film a été tourné dans l’Argyllshire, en Écosse) pointent clairement vers le nord, alors que l’année pourrait être n’importe laquelle au 17e ou même au début du 18e siècle : avant le Révolution industrielle, mais après l’avènement des actes de clôture qui ont vu la privatisation des terres communes, mettant fin au système de plein champ du Moyen Âge. Le flou du milieu suggère dans une certaine mesure les coutumes bien ancrées d’une communauté qui a été largement résistante au passage du temps, même s’il n’y a rien de vague dans la conception de production incroyablement noueuse et oxydée de Nathan Parker (« The Kitchen », « I Je ne suis pas une sorcière »), avec ses structures en bois taillées par les intempéries et maintenues ensemble par la boue, la moisissure et l’habitude.

C’est lorsqu’un soir l’un de ces bâtiments – l’écurie de la ferme – est mystérieusement incendié que les choses commencent à mal tourner dans ce village jusqu’alors efficace et sans nom, déclenchant une longue et tumultueuse semaine de récriminations et de vengeance. Le seigneur du manoir, Maître Kent (un superbe Harry Melling, à la fois alpha et bêta, chiot et loup), a tendance à ne pas exercer de lourdeur son statut sur les villageois, préconisant plutôt le modèle plus socialiste de partage des terres préféré par son défunte épouse, l’héritière originelle du domaine. Mais la population réclame des conséquences pour l’incendie, désignant trois inconnus à la dérive – deux hommes et une femme – comme coupables, sans procès ni preuve. En guise de punition, les hommes sont attachés au pilori local pendant une semaine ; la femme, Maîtresse Beldam (Thalissa Teixeira), est soumise à un rasage forcé de la tête et à des accusations de sorcellerie.

Le loup solitaire inadapté du village, Thirsk (Caleb Landry Jones, arborant une bavure semi-écossaise honorable) est mal à l’aise face à cette tournure vindicative des événements. aux côtés de Kent, sa mère ayant été employée comme nourrice du jeune seigneur. Cette expérience de classe chevauchante fait de Thirsk une sorte d’intermédiaire dans la communauté, même si cela le laisse rapidement sans alliés une fois que les hostilités font surface entre les factions.

Alors que deux nouveaux arrivants, Earl (Arinzé Kene) et Jordan (Frank Dillane de « Fear the Walking Dead »), entrent dans cet espace vert autrefois tranquille, tout commence à remuer. Earl est un cartographe chevronné amené par Kent pour créer la première carte de la région, attribuant des noms à des points de repère et à des plantes qui n’étaient auparavant pas identifiés. Jordan, cousin par alliance de Kent et futur héritier du domaine, arrive avec des projets vifs et indéniablement individualistes pour transformer la terre en une ferme d’élevage rentable. Avec son attitude distante et sa coiffure maladroite de Prince Valiant, Jordan apparaît comme l’antagoniste évident parmi des personnages qui oscillent entre une victimisation pitoyable et une mentalité de foule brutale. Thirsk est peut-être ce qui se rapproche le plus d’un personnage principal ici, mais il est étonnamment passif, dévoué à la terre avant tout, sans objectifs ni aspirations personnels apparents au-delà de cette loyauté.

Bien qu’il ne s’agisse pas d’un collectif exclusivement masculin – la star de « Blue Jean », Rosy McEwen, fait l’impression d’être l’une des villageoises les plus réactionnaires, avec Teixeira laconiquement provocante comme première cible de sa colère – « Harvest » localise la dynamique impérieusement masculine de la propriété et la concurrence sur lesquelles a pivoté cette ère de transition de l’histoire (et bien d’autres avant et depuis), la richesse personnelle étant prioritaire sur le bien commun du peuple, sans parler de l’environnement. Le décor non spécifique souligne qu’il s’agit d’un récit que nous vivons encore, notamment à l’ère du changement climatique : Tsangari termine le film de manière révélatrice avec une dédicace à ses propres grands-parents en Grèce, « dont les terres agricoles sont désormais un autoroute. »

Malgré sa structure riche et son ambiance sombre, « Harvest » n’est pas une sévère leçon de moralité. Au lieu de cela, il véhicule un sens de l’humour noir en explorant la lutte des classes et les coutumes traditionnelles qui pourraient mériter une mise à jour – une blague récurrente tourne autour de la coutume de frapper la tête des enfants sur les bornes de la communauté. Le récit est vivant et frénétique, à certains égards, agité. Au contraire, le film semble un peu inquiet plutôt que rigide. Les villageois sont collectivement captivants, mais aucun personnage n’est pleinement développé individuellement, malgré les performances fortes et distinctives de l’ensemble du casting. Le scénario de Yorgos Tsangari et Joslyn Barnes fait allusion à des préjugés raciaux envers les personnages Earle et Mistress Beldam, mais ne le fait pas de manière proactive, mais ne parvient cependant pas à examiner de plus près ce sujet en détail.

« En termes de construction et finalement de démantèlement d’un monde, « Harvest » brille vraiment, établissant un écosystème cohérent et en voie de disparition grâce aux conceptions détaillées de Parker, aux costumes réalistes de Kirsty Halliday qui respirent à la fois une élégance veloutée et une crasse usée, et à Sean Price Williams. une cinématographie captivante, belle mais loin d’être idéalisée. Ses plans représentent souvent de grands groupes de personnes, rappelant les œuvres de Bruegel, vibrant non seulement du parfum attrayant de l’été britannique, mais aussi du parfum moins romantique, boueux et désordonné. aspects du sol que traversent les personnages – humides, sales, mais toujours pleins de potentiel, épargnés par l’empiétement de l’industrie. C’est loin d’être un paradis retrouvé, mais il porte un sentiment de paradis perdu.

2024-09-03 17:51