En tant que passionné de théâtre ayant passé d’innombrables heures immergé dans le monde du théâtre, je dois dire que j’ai été profondément captivé par les productions du Yard Theatre de Hackney. The Flea, en particulier, m’a laissé envoûté par son mélange intrigant de potins historiques et de pertinence contemporaine.
Othello (Théâtre Royal Shakespeare, Stratford-upon-Avon)
Verdict : Moor est moins
Vous n’avez pas besoin d’être complètement réveillé pour trouver Othello de Shakespeare inconfortable à regarder. Après tout, il s’agit d’une pièce qui culmine dans ce qui ne peut être décrit que comme un crime d’honneur – lorsque le héros titulaire assassine sa jeune épouse adorée, Desdémone.
Même si Othello a pu être amené à se sentir jaloux, il reste difficile d’approuver son affirmation selon laquelle ses actions sont nobles.
Il est intéressant de noter que la dernière production de Tim Carroll pour la Royal Shakespeare Company de Stratford semble vouloir minimiser cet aspect troublant.
Dans cette réinterprétation, John Douglas Thompson endosse le rôle du général estimé, tandis que Juliet Rylance incarne Desdemona et Will Keen incarne le soldat rusé Iago qui manipule Othello. Carroll transforme la pièce en une grande procession solennelle.
La brutalité est tenue à l’écart en la présentant dans ce que le programme appelle un « paysage mental ».
De cette scène, il semble clair que nous sommes plongés dans une sorte de réalité onirique. L’ambiance est légèrement éthérée en raison des chants feutrés et mélodieux, des costumes méticuleusement conçus pour ressembler à la Venise du XVIe siècle et de l’absence de tout mobilier.
Et pourtant, même si la conception de Judith Bowden donne un aspect élégant et de bon goût à la pièce, et même si la production de Carroll met l’accent sur son intériorité nerveuse et sombre, le noyau amer et misogyne ne disparaîtra pas.
Dans cette interprétation, Thompson confère au Maure de Venise, personnage qu’il a repris à Broadway en 2009 et une fois de plus aux côtés de Rylance dans le rôle de Desdémone, un air impressionnant de dignité. Cet Othello est dépeint comme un soldat de 60 ans qui a une foulée semblable à celle de John Wayne, ce qui suggère que le souvenir de sa monture aguerrie résonne encore en lui.
Plutôt que d’être ouvertement effrayant avec des explosions bruyantes, sa colère est calme et contenue. Il semble que l’envie l’ait vidé de sa vitalité, plutôt que de le pousser à la folie. Dans cette grande salle pouvant accueillir un millier de personnes, il a besoin d’un projecteur plus brillant.
Dans le casting de Rylance, Desdemona, à 45 ans, s’aligne sur le choix non conventionnel de personnages matures de Carroll. Malgré son apparence radieuse, elle s’écarte considérablement de la représentation typique d’une jeune femme naïve aux yeux écarquillés et incrédule quant aux intentions de certains hommes à l’égard des femmes.
Cependant, la tournure la plus mystérieuse et la plus déroutante est celle du personnage de 54 ans, tout comme le lieutenant rusé et apparemment loyal d’Othello, Iago. Il manipule son supérieur dans une rage destructrice, apparemment sans autre raison que le mal.
On ne sait pas à quel point le portrait d’Iago par Keen se délecte véritablement de sa méchanceté. Parfois, il semble qu’il se livre à des soliloques, et ses projets infâmes s’arrêtent presque. Sa performance, tout comme l’ensemble de la production, se caractérise par une attitude sobre, introspective et réfléchie.
De plus, comme le reste de la pièce, son discours est clair, délibéré et logique. Cependant, cette clarté sert à dissimuler le tourbillon de passion, de colère et d’horribles violences domestiques qui façonnent et endommagent cette production.
A Raisin In The Sun (Lyric Theatre, Hammersmith et tournée)
Verdict : raisins secs aigre-doux
Qui ne serait pas touché par le plaidoyer passionné de Lorraine Hansberry pour l’égalité des droits dans le Chicago des années 1940, tel que décrit dans A Raisin In The Sun ? Cette pièce, qu’elle a écrite de manière semi-autobiographique, était révolutionnaire car elle faisait d’elle la première femme noire à jouer une pièce à Broadway. Il raconte l’histoire des défis auxquels sa famille a dû faire face au racisme lorsqu’elle a emménagé dans un quartier à prédominance blanche.
Dans un décor fictif, Lena (interprétée par Doreene Blackstock) joue le rôle de la forte matriarche de sa famille, ayant fui les conséquences brutales de la vie post-esclavagiste dans les régions du sud.
Après le décès de son mari, ouvrier, ils recevront désormais 10 000 $ – un montant qui offre des possibilités qui changeront la vie de toutes les personnes impliquées.
Walter (Solomon Israel), fils de chauffeur frustré, veut ouvrir un magasin d’alcool. Sa femme Ruth (Cash Holland) voit l’argent comme sa chance de s’échapper de leur maison infestée de cafards. Et Beneatha (Joséphine-Fransilja Brookman), la sœur militante de Walter, souhaite étudier la médecine à l’université.
En tant qu’admirateur dévoué, je peux exprimer que le travail magistral de Tinuke Craig canalise habilement nos désirs les plus profonds et touche de manière poignante le cœur de la pièce en décrivant un scénario dans lequel un nouveau venu du quartier, un homme blanc, tente de nous empêcher de nous installer.
À mon avis professionnel, Craig aurait pu bénéficier d’une approche plus structurée lors du partage de conseils ménagers, et je suis convaincue qu’elle aurait dû accorder plus de poids à l’esprit dynamique de Beneatha plutôt que de la décrire comme une amatrice insouciante.
En tant qu’admirateur dévoué, j’ai découvert que les ingénieuses scénographies de Cécile Trémolières construisaient notre maison à partir d’une gaze délicate et translucide. Non seulement cela évoquait une ambiance envoûtante rappelant les temps passés, mais cela faisait aussi subtilement allusion au potentiel de métamorphose.
Tout dans la situation suscite un profond sentiment d’émotion, faisant gonfler leur cœur de compassion, alors qu’ils s’efforcent de défendre leurs droits humains politiques, économiques et fondamentaux en tant que famille.
Othello sera joué jusqu’au 23 novembre, tandis que A Raisin in the Sun sera joué au Lyric Theatre jusqu’au 2 novembre. Après cela, il sera transféré au Nottingham Playhouse du 5 au 16 novembre.
De quoi on parle quand on parle d’Anne Frank (Marylebone Theatre, Londres)
Verdict : le drame de la course frappe à la maison
Ce n’est pas l’histoire d’Anne Frank, cachée à Amsterdam en 1942, assassinée pendant l’Holocauste, immortalisée dans son journal d’adolescente.
Cette pièce vivante, bavarde et intellectuellement stimulante est habitée par elle, mais elle met en scène deux groupes de couples juifs qui, bien que partageant le même bagage culturel, se retrouvent aux antipodes à tous égards.
Phil et Debbie résident en Floride, qui sont riches et non religieux, tandis que Yerucham et Shoshana (anciennement connus sous leur nom), désormais ultra-orthodoxes, habitent à Jérusalem. Ils rendent actuellement visite au père de Yerucham, un survivant de l’Holocauste. Les deux femmes étaient camarades d’université, mais Phil éprouve des appréhensions envers le traditionaliste Yerucham.
Une succession de moments – certains inconfortables, d’autres réconfortants, drôles, surprenants ou enrageants – dévoilent des perspectives contrastées sur des thèmes tels que la famille, le mariage, l’éthique, la foi, la politique et un millénaire d’histoire au Moyen-Orient.
Le personnage de Joshua Malina, Phil, se sent frustré par la règle lui interdisant d’interagir physiquement avec Shoshana (Dorothea Myer-Bennett) et se retrouve secrètement attiré par sa grande perruque, qu’elle porte à des fins religieuses. Debbie (Caroline Catz) n’aime pas les opinions laïques agressives de Phil et est troublée par les plaisanteries de Yerucham (Simon Yadoo) sur l’Holocauste, car il croit qu’une intervention divine finira par tout résoudre.
Une colère profonde et abasourdie surgit lorsqu’il devient évident que le couple américain pense que le couple israélien n’est pas vraiment juif.
Trevor, le fils de Debbie et Phil, qui s’appelle Gabriel Howell, affronte tout le monde d’une manière qui suggère une attitude adolescente sceptique. Il introduit chaque scène en roulant les yeux et critique durement leur matérialisme confortable à la fin de la première moitié. En outre, il fustige les dix mille ans de traditions et de rituels religieux parmi les Israéliens comme étant gaspillés.
Patrick Marber a collaboré avec l’auteur Nathan Englander pour réviser l’œuvre originale, en la modernisant pour inclure des débats acharnés concernant le conflit contemporain.
Au départ, je craignais que l’histoire ne perde de son élan à mesure que les personnages recourent à la consommation de cannabis pour se calmer, mais étonnamment, elle reprend de l’intensité et présente une tournure unique appelée le « Jeu d’Anne Frank » : une exploration stimulante de qui parmi nous ou n’aiderait pas les autres en péril.
En tant que fan inconditionnel, je ne peux m’empêcher de m’émerveiller devant ce jeu brutal qui semble presque étranger à nous, créateurs non natifs. Pourtant, il parvient à puiser dans des émotions si primitives et universelles que, quelle que soit l’époque, la race ou le système de croyance, il résonne profondément chez tous ceux qui le rencontrent.
La puce (The Yard Theatre, Hackney Wick)
Verdict : potins historiques brûlants
Le Yard à Hackney est un micro-théâtre qui dépasse son poids depuis 2011.
The Flea marque le retour d’un fascinant potin historique sur un bordel homosexuel, ou « Molly house », dans le Londres victorien qui a déclenché le véritable scandale de Cleveland Street en 1889.
Il a été rapporté que parmi les participants, certaines personnalités notables étaient le prince Albert Victor, qui deviendra plus tard le roi Édouard VII, car il détenait à l’époque le titre de fils aîné du prince de Galles.
En tant qu’admirateur dévoué, je me suis retrouvé attiré par le récit captivant que l’auteur James Fritz s’est saisi avec ferveur, tissant un récit qui rappelle le style de Dickens. Dans ce fil semi-Dickensien, je me retrouve à plonger dans la vie d’un jeune homme nommé Charlie, qui, en raison des difficultés financières de sa famille, s’aventure dans Cleveland Street à la recherche de travail. Sa principale motivation est de soutenir sa mère en deuil et d’alléger le fardeau commun de la pauvreté.
Il fait bientôt l’objet d’une enquête de la part de l’inspecteur Frederick Abberline – le véritable homme de terrain qui veut prouver qu’il n’a pas réussi à arrêter Jack l’Éventreur. Son enquête le mène au sommet de la société victorienne – pour ensuite se heurter à une dissimulation institutionnelle.
Grâce au décor de maison de poupée de Naomi Kuyck-Cohen, la production du réalisateur Jay Miller ressemble au style exagéré des peintures de l’artiste expressionniste allemand George Grosz.
Les meubles réinventés et rénovés présentent des éléments comme un classeur en forme d’escalier, des tabourets précaires perchés sur des pieds minces et des murs vibrants ornés de tapis violets moelleux.
Les tenues de style vintage sont délibérément réinventées pour s’aligner sur les « sensibilités de la mode queer », comme l’ajout de manches à volants sur les uniformes de police, d’une manière qui suggère qu’elles sont appropriées et rendues pertinentes pour le public contemporain, récupérant efficacement et rendant l’histoire applicable à notre époque actuelle.
Malgré quelques aspérités dans le jeu des acteurs, il y a une certaine innocence qui ajoute à l’attrait, comme le portrait de Tomas Azocar-Nevin d’un jeune Charlie qui rappelle Rowan Atkinson.
Cependant, le moment le plus captivant se produit dans la dernière partie, lorsque la reine Victoria (Breffni Holahan) a une conversation extraordinaire avec Dieu (Will Bliss). Il la rassure que si elle prend les bonnes décisions, elle sera honorée par certains des meilleurs acteurs du pays qui l’incarnent dans The Crown à la télévision.
Le résultat est une joyeuse parodie historique et un bon plaisir théâtral.
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2024-10-25 02:35