En tant que cinéphile aguerri ayant parcouru le labyrinthe du cinéma mondial depuis des décennies, je peux affirmer avec assurance que Nicolas Philibert est une perle rare dans le monde du cinéma. Son approche unique de la narration documentaire, caractérisée par l’introspection et un profond respect pour ses sujets, le distingue de nombreux réalisateurs contemporains.
En tant que cinéphile, je partage entièrement le point de vue de Nicolas Philibert sur le cinéma documentaire : parfois, ne pas trop en savoir peut conduire à plus de créativité et d’authenticité. Cette idée est venue de mes conversations avec lui lors de l’IDFA à Amsterdam, où il a partagé ses expériences en tant que réalisateur de films acclamés comme « To Be and to Have » (nominé aux BAFTA) et « On the Adamant » (gagnant du meilleur film de Berlin ). Son approche unique de la narration m’a toujours captivé.
Cette année, le cinéaste français dont les œuvres « La machine à écrire et autres maux de tête » et « Averroès et Rosa Parks » sont projetés à l’IDFA, a déclaré que lorsque l’intention d’une personne devient trop évidente ou fortement soulignée, elle peut devenir un adversaire. Ce sentiment fait écho à une citation de son collègue acteur-réalisateur André S. Labarthe.
Il a expliqué : « C’est peut-être la raison pour laquelle je prépare le moins possible. Moins je dois m’appuyer sur des connaissances préalables sur un sujet, plus je me sens à l’aise. Je ne suis pas du genre à préparer de manière approfondie. Au lieu de cela, c’est la recherche qui façonne le film lui-même. Mes films naissent de mon manque de connaissances, de ma curiosité, de mon envie, de ma peur, tous ces éléments réunis, si j’en sais trop à l’avance, je perds tout intérêt à faire du film parce que je crée des films pour apprendre.
Philibert a partagé avec l’intervieweur Neil Young que parfois, il ne décide pas de la scène d’ouverture d’un film tant qu’il n’a pas travaillé sur le montage. C’est le cas de « To Be and to Have », un film centré sur un professeur et ses élèves, qui a remporté le prix du meilleur documentaire aux European Film Awards. Philibert explique que parfois il travaille depuis la fin : il sait déjà comment le film va se terminer, puis il remonte jusqu’au début.
Il souhaitait que la scène initiale de « Être et avoir » mette en valeur deux domaines distincts : la nature et la civilisation. Cela impliquerait une image du bétail dans un cadre hivernal et une salle de classe paisible avec un globe terrestre au sol, un espace où se déroulent les interactions de la société, a-t-il expliqué, faisant allusion au rôle des écoles dans le développement des compétences sociales des enfants.
Quel que soit le triomphe du film, il n’a heureusement eu aucun impact sur ma vie. « J’ai continué à travailler de la manière qui me convenait le mieux, en accord avec ma passion, ma morale et mes nécessités. Le film suivant, « Retour en Normandie », n’a pas eu de bons résultats financiers. Cependant, c’était une chance car cela m’a permis de garder les pieds sur terre. et a empêché tout sentiment exagéré de suffisance.
Philibert ne voit pas de différence entre la narration au cinéma et la réalisation de documentaires. « Tout est fabriqué. Pour moi, un documentaire est simplement une autre méthode de création de fiction. Pourquoi je dis cela ? Parce que dès que vous pointez une caméra quelque part, vous interprétez la réalité. Un documentaire n’est pas une réplique exacte de la réalité, mais une interprétation. Vous découvrez la vérité.
Philibert a résisté à l’affirmation de Young selon laquelle ses personnages semblent souvent « charmants » et « gentils ». Il a précisé : « Je ne crée pas de films pour dépeindre les gens comme charmants. Ce n’est pas mon intention. Au lieu de cela, je m’efforce de les représenter dans leur dignité, ce qui est un aspect unique. » Citant le cinéaste Jean-Louis Comolli, il explique : « L’essence politique du cinéma est d’évoquer la dignité qui résonne depuis l’écran jusqu’à la salle de projection.
Une différence entre la fiction et le documentaire est que le réalisateur a un devoir envers les personnages du film car ils sont « emprisonnés dans une image », a déclaré Young, citant Philibert. Le réalisateur a répondu : « Je vous filme et vous êtes enfermés dans l’espace et le temps. En tant que cinéaste, je sens que j’ai une responsabilité parce que quand on a une caméra entre les mains, on a un certain pouvoir, et une des questions est de savoir comment ne pas abuser du pouvoir que la caméra vous donne quand vous filmez quelqu’un dans un hôpital psychiatrique. le décor de ‘Averroès & Rosa Parks’] ou n’importe quel endroit. Chaque personne doit être respectée. Faire un documentaire, c’est pousser les gens de l’ombre vers la lumière, et lorsque le film est terminé, ces gens retournent à leur quotidien, à l’ombre en quelque sorte. Alors, que leur laisses-tu ? C’est une question éthique.
Philibert souligne qu’il est parfois plus sage de s’abstenir d’enregistrer. « Il y a une envie d’ouvrir les portes, de capturer le spectacle, mais j’apprécie la confidentialité des vies personnelles. Je comprends que le monde semble sans limites – il suffit de regarder les médias sociaux – mais je crois qu’il arrive un moment où il faut s’abstenir de filmer – permettre pour les espaces, laissez le vide, laissez au spectateur un espace de réflexion sur ce qui est affiché et ce qui ne l’est pas – en d’autres termes, laissez également quelque chose à l’imagination.
Il a exprimé sa conviction qu’étant donné l’abondance de contenu visuel aujourd’hui, le cinéma – en tant que forme d’art principalement définie par des images plutôt que par des plateformes comme la télévision ou Facebook – doit contrecarrer cette surcharge d’images.
Il réfléchit à son engagement envers le monde du cinéma et à son habitude de maintenir une production minimale. « Je me concentre simplement sur l’essentiel », a-t-il déclaré. « Je suis capable de faire une pause dans le cinéma pendant deux ans.
Pour moi, l’attrait du cinéma réside dans la connexion avec les autres et dans l’exploration de différentes parties du monde. Le monde dans lequel nous vivons aujourd’hui peut être difficile, dur et troublant, mais le vivre à travers les films m’aide à comprendre le monde extérieur et à mieux me comprendre en observant les autres.
A propos de son film « Nénette », qui se concentre sur un orang-outan de 40 ans vivant dans l’enceinte d’un zoo, il a expliqué : « Ce film parle de perception. La perception est toujours influencée par nos perspectives. Cela s’apparente au cinéma, comme lorsque nous Regardez un film ensemble dans une salle de cinéma, chacun de nous l’interprète différemment en raison de nos expériences uniques. Nénette sert d’écran aux voix humaines qui parlent d’elle et de leurs observations, mais elles se projettent essentiellement sur elle. de Gustave Flaubert : « Madame Bovary, c’est moi. » En substance, Nénette représente chacun de nous.
Young a postulé que « Nénette » était centrée sur la communication, qui était également un thème dans les autres œuvres de Philibert ; cependant, le cinéaste a précisé que son objectif n’était pas la communication en soi, mais le langage lui-même. Pour lui, les mots ont une grande valeur et il se sent profondément connecté à eux. Ce sont des éléments cruciaux. Ce n’est pas à la mode ces jours-ci, même dans les documentaires, de mettre l’accent sur les mots. Ils passent souvent au second plan. Il n’y a pratiquement pas de véritable dialogue. Il y a peu de place pour les mots qui errent, qui tentent de se découvrir ou d’être découverts. Tout semble structuré et interrompu en permanence. Lors des débats télévisés, les plans durent rarement plus de quelques secondes. Il n’y a donc pas de place pour les mots en quête de sens.
Truffaut a souvent déclaré que les films prennent vie grâce à leurs imperfections. Je suis d’accord, car je trouve que ce sont les films délicats et imparfaits – et non ceux qui sont sans défauts – qui peuvent avoir un impact profond et émotionnel sur moi.
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2024-11-20 12:47