En tant qu’amateur de théâtre chevronné qui a vu pas mal de productions, je dois dire que les critiques que vous avez partagées dressent un tableau assez mitigé.
Tout est bien qui finit bien (Shakespeare’s Globe, Londres)
Verdict : Délicieux labyrinthe moral
Tout va bien est le genre de Shakespeare susceptible de provoquer la panique morale parmi les puritains d’aujourd’hui.
Considérez le choc sur leurs visages lorsqu’ils rencontrent une jeune femme déterminée nommée Helen. Elle exprime son affection pour l’aristocrate distant Bertram, pour ensuite être rejetée par lui. Cependant, les choses prennent une tournure inattendue lorsque la sympathie se transforme en désapprobation lorsqu’il est révélé qu’elle le trompe en lui faisant passer la nuit avec elle, sans son accord explicite.
Dans le scénario impliquant une lutte pour le pouvoir dans l’armée, il est révélé qu’un autre soldat, initialement décrit comme le partenaire de Bertram, est soumis à une exécution par étapes en guise de représailles pour son arrogance et sa peur.
Le site Web du Globe affiche un ton sombre. Il met en lumière des problèmes tels que les agressions sexuelles, la violence physique, le classisme, la misogynie et l’homophobie. Cependant, ils oublient de mentionner que la pièce est divertissante, possède une excellente écriture et comporte un humour plein d’esprit : « Si une biche devait être courtisée par un lion, elle périrait par amour.
La réalisatrice Chelsea Walker est sans aucun doute un talent prometteur. Elle évite habilement de prendre position dans cette histoire complexe et dramatique. Le récit n’est pas conforme aux normes contemporaines de ce qui est acceptable.
Au départ, son travail pourrait rappeler une production de Fellini, mettant en scène tout le monde en costumes et lunettes de soleil noirs, ainsi qu’une femme en robe dorée sur un balcon délivrant des lignes nettes et rythmées. Cependant, Walker conserve un élément de plaisir tout au long, alors que le récit se déroule dans un réseau intelligent de supercheries et de doubles croisements qui imprègne toute la hiérarchie de la société jacobéenne.
L’acteur Richard Katz, connu pour ses rôles comiques aux yeux écarquillés, incarne le roi de France malade au début de l’histoire. Il souffre d’une maladie dégoûtante appelée fistule. Cependant, tout change lorsqu’Helen Bentall, une jeune fille intelligente et fille d’un médecin renommé, le guérit. Reconnaissant de son rétablissement, le roi décide de lui accorder une récompense en insistant pour que Bertram l’épouse.
Cependant, au lieu de passer leurs journées en parfaite harmonie, Bertram (Kit Young) a choisi de partir sur le champ de bataille comme moyen de s’échapper. En réponse, elle a conçu sa propre stratégie – une stratégie qui comprenait un habit de nonne et une subtile touche de rouge à lèvres – un geste destiné à le confronter.
Au départ, il était sous-entendu que moi, étant Bertram, j’avais refusé Helen en raison de mon homosexualité. Cependant, il s’est révélé plus tard qu’il s’agissait simplement d’une préférence commode, puisque j’ai ensuite charmé une jeune nymphe.
Même si William Robinson, autrefois serviteur et amant de Paroles, aurait pu gagner à atténuer son intensité, il devient finalement la victime d’un châtiment poétique.
À travers la performance douce mais profonde de Siobhan Redmond dans le rôle de la mère de Bertram, la comédie de Shakespeare se dévoile comme un jeu intelligent de manœuvres stratégiques qui explore de manière ludique les dilemmes éthiques plutôt que de provoquer un inconfort, finalement conçu pour le divertissement.
D’ailleurs, dans cette version vivante, ironique et aux chandelles, tout va bien… et se termine très bien.
Il est préférable que ceux qui manquent d’affection ou de compréhension du folklore et des contes de fées s’abstiennent d’aborder de telles histoires.
Les chaussures rouges (Swan Theatre, Stratford-upon-Avon)
Verdict : strictement bâclé
Malheureusement, la Royal Shakespeare Company a choisi de confier à l’auteure irlandaise Nancy Harris le contrôle créatif d’une adaptation révisée des Chaussures rouges de Hans Christian Andersen. Ce récit effrayant tourne autour d’une orpheline indulgente nommée Karen qui reçoit une maudite paire de ballerines désirées, se lançant dans un voyage de rédemption.
Un problème avec le scénario de Harris réside dans sa tendance à incorporer un langage trop poétique ou rythmé qui peut parfois être gênant. Par exemple, certains versets contiennent des rimes forcées, comme celle qui compare les pieds de Karen à la fois à un porteur et à un pareur.
Cependant, l’erreur la plus flagrante se produit lorsque le prince arrogant et insensé fait référence à la danse comme ayant des « orbes fabuleux » (c’est-à-dire du genre dansant) lorsqu’il parle à Karen.
Il n’y a pas de sujet de satire significatif au-delà des parents adoptifs, dépeints par James Doherty comme un Mancunien suspect et Dianne Pilkington comme une Scouser non raffinée. Leur enfant psychopathe, joué par Joseph Edwards, ampute finalement les pieds de Karen.
Principalement, Karen est souvent bouleversée par un personnage de cordonnier (Sébastien Torkia) qui ressemble à l’attrapeur d’enfants, et il intensifie l’écriture de Harris avec son propre flair dramatique. Nikki Cheung joue énergiquement le rôle de Karen, mais ses mouvements de danse sont quelque peu décousus. Cependant, la musique de Marc Teitler apporte une part de raffinement.
Les tenues mélangent des éléments de style gothique et de mode non sexiste. Il est intéressant de noter que le réalisateur Kimberley Rampersad mine la nature distinctive des chaussures de Karen en permettant à d’autres personnages de porter également des chaussures rouges similaires.
Ce qui est particulièrement frustrant, c’est la façon dont Harris essaie de faire passer son travail révisé comme étant exempt de conclusions moralisatrices, même s’il inclut toujours une conclusion qu’elle juge appropriée – nous encourageant tous à « trouver notre propre rythme et notre propre danse ». Cependant, je choisirai de ne pas participer à celui-ci.
[titre du spectacle] (Southwark Playhouse, Londres)
Verdict : Agréablement inoffensif
Certains pourraient le qualifier de « métathéâtre », tandis que d’autres le qualifieraient d’« introspectif » ou d’« introspection ». D’autres, avec une touche d’humour, diront que c’est « égocentrique ».
En d’autres termes, peu importe comment d’autres pourraient l’appeler, voici un autre exemple charmant : c’est l’histoire de deux jeunes gens qui créent une production mélodieuse pour un événement à New York – et en 2008, ils ont reçu une prestigieuse nomination aux Tony Awards sur le grande scène de Broadway.
Pour être honnête, cela m’a donné envie de quelque chose d’un peu moins… euh, d’égoïsme.
Mais, en sa faveur, c’est une comédie musicale indéniablement brillante et géniale par numéros (ne le sont-ils pas tous, je vous entends pleurer !).
Dans ce contexte, deux individus légèrement flamboyants se retrouvent avec un délai serré de trois semaines pour composer une production… centrée sur leur propre lutte pour créer un spectacle dans le même laps de temps.
À New York, il existe une vision pleine d’esprit de la vie qui fait écho à l’humour de la série télévisée Seinfeld. À cela s’ajoutent les airs entraînants de Jeff Bowen, qui portent un charme d’improvisation.
Les garçons chantent sur les angoisses liées à l’invention d’une intrigue et au remplissage d’un formulaire de candidature (ils obtiennent là le titre de la pièce), tandis que deux femmes de leur casting parlent de leurs rivalités.
Aussi farfelu et optimiste que tout cela soit, les personnages sont un peu indistincts et incontestés.
D’une manière plus naturelle et plus facile à lire : l’auteur-compositeur Jeff (Thomas Oxley) est un aspirant talent légèrement flamboyant aux cheveux noirs. Le dramaturge Hunter Bell (Cahir O’Neill, remplaçant Jacob Fowler) est un espoir blond légèrement flamboyant.
Abbie Budden entre en scène, incarnant une choriste charmante mais cuivrée. De l’autre côté, nous avons Mary Moore, qui incarne un acteur fatigué du théâtre qui tente de quitter la scène.
Tout en contemplant à la fois leurs aspirations créatives et leurs doutes, Tom Chippendale joue des mélodies sur un clavier, proposant par intermittence des suggestions.
Même si les costumes de cette production à petit budget sont bienveillants, ils semblent ternes et peu attrayants lorsqu’on les regarde.
Néanmoins, il s’agit d’un spectacle remarquable, joué dans un lieu révolutionnaire qui a autrefois nourri le développement de L’étrange histoire de Benjamin Button avant son déménagement dans le West End, et qui devrait accueillir Kenrex, une impressionnante production semi-musicale de vrai crime qui récemment créé à Sheffield.
[titre du spectacle] se déroule au Southwark Playhouse jusqu’au 30 novembre.
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2024-11-22 04:04