Olivier ! critique : Un spectacle de Dickens

Olivier ! (Théâtre du Festival de Chichester)

En tant que critique de théâtre chevronné ayant un penchant pour le non conventionnel, j’ai vu pas mal de productions qui remettent en question le statu quo. Mais aucun n’a autant captivé mon imagination que les offres actuelles dans les salles les plus audacieuses du West End de Londres.

L’impact de ce point d’exclamation est énorme ! Lionel Bart a transformé le roman classique de Dickens, Oliver Twist, qui aborde les thèmes de la pauvreté écrasante, de l’exploitation des enfants et du meurtre, en un conte fantaisiste. Rempli de joyeuses pitreries de Cockney et de chansons entraînantes et mémorables.

Alors que Cameron Mackintosh n’avait que 13 ans, il était profondément enchanté par la production scénique d’Oliver ! Cette expérience lui a laissé une marque indélébile et depuis lors, ce classique de la comédie musicale joue un rôle important dans son parcours théâtral.

À l’âge de 19 ans, il a été à la fois assistant metteur en scène et acteur dans le rôle d’un homme à tarte lors de la première tournée de la production.

En tant que producteur, il a donné vie à une production impressionnante et extravagante de la pièce en 1994, dirigée par Sam Mendes et chorégraphiée par Matthew Bourne. Cette production a duré plus de trois ans. Plus tard, il a été relancé par Rupert Goold avec Rowan Atkinson et d’autres rejoignant le casting dans le rôle du rusé Fagin.

S’inspirant de l’approche de Fagin, Mackintosh revient sur la production trente ans plus tard. Avec Bourne dirigeant et créant la chorégraphie, ils présentent une version simplifiée du spectacle sans aucune célébrité notable impliquée.

Olivier ! critique : Un spectacle de Dickens

Bien que consacré sans vergogne à Bart et au décor vivant et paillard de Londres victorien, ce récit prend une couche plus profonde. Il explore des thèmes plus sombres et, au fur et à mesure qu’il se déroule, devient une histoire passionnante qui fait frissonner le public. Aaron Sidwell livre un portrait effrayant de Bill Sikes, dont la présence menaçante est marquée par une horrible cicatrice crânienne.

Les danseurs vifs de Bourne, vêtus de jupons et chargés de ressorts pour des high kicks, couvrent toute la scène. Avec la rotation constante, Lez Brotherston crée une toile de fond vivante remplie de la beauté chaotique de Londres. Le design donne vie à l’énergie vibrante des rues, avec des représentations floues et troubles de la Tamise et de la cathédrale Saint-Paul au loin, ainsi qu’un aperçu troublant de la cruauté cachée derrière des portes closes.

Les orphelins sous-alimentés de l’hospice semblent terriblement maigres, il semble que leurs maigres rations soient prises par le duo glouton composé de Mr Bumble d’Oscar Conlon-Morrey et de Widow Corney de Katy Secombe. Ces deux-là sont insatiables dans leur appétit pour la nourriture.

Même si les choses peuvent paraître sombres, Oliver, joué par Cian Eagle-Service, ne semble pas perturbé par le couple excentrique de Sowerberry qui le fait dormir dans un cercueil. Ce duo unique ajoute une dynamique inhabituelle à la production. (Le spectacle est plein de couples inattendus.)

Sous la direction d’Artful Dodger, sournois et suave, de Billy Jenkins, il découvre une abondance de gin et d’amusement dans l’antre de Fagin. Le chef rusé et aux doigts agiles de cette bande de voleurs, décrit par Simon Lipkin comme un homme captivant d’Europe centrale avec des yeux khôl expressifs et un charme à la Johnny Depp, produit comme par magie des pièces derrière son oreille. Fagin, joué par Lipkin, semble véritablement attaché à son groupe de garçons perdus au lieu de dégager une ambiance troublante.

Lipkin fait parfois preuve d’un léger excès d’improvisation, brisant le quatrième mur pour se moquer de lui-même et de la production. Cependant, il transmet efficacement l’idée que l’exploitation impitoyable des jeunes garçons et l’extrême frugalité de Fagin sont des mesures justifiables pour sa sécurité future. Néanmoins, c’est le portrait de Nancy par Shanay Holmes qui captive vraiment, révélant un personnage qui a enduré toute une vie de dégradation, de défi, de dévastation et de destruction en raison de son propre sacrifice dans « Aussi longtemps qu’il a besoin de moi ».

Une course dans le West End a déjà été annoncée. Qui pourrait demander plus?

Jusqu’au 7 septembre.

Fangirls (Lyric Hammersmith, Londres)

En tant qu’expert du style de vie toujours à la recherche de nouveaux divertissements passionnants, laissez-moi vous dire ceci : si vous avez déjà eu le béguin pour une adolescente, préparez-vous pour une délicieuse balade avec cette comédie musicale pétillante venue de Down Under ! Ce fut un énorme succès en Australie et croyez-moi, vous ne voulez pas le manquer. L’histoire suit Edna, 14 ans, interprétée par la talentueuse Jasmine Elcock, qui porte son fangirling à un tout autre niveau. C’est un voyage réconfortant et hilarant qui vous ramènera à votre propre adolescence !

En tant que fan obsédée du leader enchanteur de Heartbreak Nation, Harry (Thomas Grant), moi, Edna la boursière, ne peux m’empêcher d’être captivée par ses mèches fluides et sa voix émouvante. Chaque note qu’il chante résonne au plus profond de moi, allumant une flamme de passion qui alimente mon admiration inébranlable pour ce prodige musical.

Brianna (Miracle Chance), l’aimable médiatrice parmi eux, et Jules (Mary Malone), qui a soif d’attention, tentent d’obtenir des billets pour le spectacle du groupe à Sydney. Cependant, Caroline (Debbie Kurup), mère célibataire et tutrice d’Edna, ne peut pas supporter cette dépense. Au lieu de cela, Jules adresse une invitation uniquement à Brianna.

Edna élabore un plan avec son compagnon en ligne et collaborateur de fan-fiction de Harry, Salty (Terique Jarrett). Ils décident de saisir l’opportunité après la performance d’Harry. Convaincus que sa renommée le retient captif, ils croient qu’ils devraient s’enfuir, tout comme les personnages d’une des histoires d’Edna. Cependant, avant qu’ils puissent s’échapper, elle doit cacher Harry dans sa propre chambre.

Au fil du temps, au rythme d’une chanson bien composée, nous tirons profit de nos expériences, faisons amende honorable et devenons des versions améliorées de nous-mêmes.

Sur un ton plus léger et ludique, les moments comiques de la production contrastent parfois avec ses thèmes plus profonds. Ces thèmes impliquent l’isolement des adolescents, l’automutilation et le divorce entre parents, auxquels Blake fait allusion mais n’explore pas complètement.

La réalisatrice Paige Rattray gère efficacement son jeune casting, insufflant à la production un enthousiasme vibrant. L’atmosphère animée est considérablement renforcée par la chorégraphie audacieuse d’Ebony Williams et la conception d’éclairage exceptionnelle de Jessica Hung Han Yun, qui crée une ambiance de stade électrisante pour le public.

En tant qu’expert du style de vie, j’ai eu le plaisir d’observer de près la performance captivante de M. Grant et de Miss Elcock. Leurs voix s’harmonisent parfaitement, rappelant le son d’un boysband. Cependant, même si leur chant est impressionnant, certaines de leurs chansons ont tendance à suivre un modèle similaire au sein du genre boyband.

Jusqu’au 24 août.

Speedo rouge (Théâtre Orange Tree, Richmond)

Certaines personnes pourraient être attirées par Red Speedo pour des motivations inappropriées, comme l’opportunité de passer une heure et demie en compagnie du séduisant Finn Cole de Peaky Blinders portant uniquement le slip de bain rouge emblématique.

En tant qu’expert du style de vie, j’ai découvert de nombreuses histoires qui explorent les complexités de la nature humaine. Une pièce qui m’a vraiment marqué est le travail de Lucas Hnath sur Ray, un nageur américain confronté à une décision difficile. Il est sur le point de se qualifier pour les Jeux olympiques et de conclure un lucratif contrat de sponsoring. Mais pour atteindre cet objectif, il est tenté d’utiliser des médicaments dopants. Ce drame est non seulement soigneusement conçu, mais présente également des dilemmes convaincants qui tirent sur la corde sensible. D’après ma propre expérience, j’ai vu des individus aux prises avec des dilemmes éthiques similaires, ce qui fait de cette pièce un incontournable pour quiconque cherche à comprendre la condition humaine.

En tant que fan obsédé, je ne peux m’empêcher de faire des parallèles entre l’écriture exceptionnelle de Hnath et les œuvres brillantes de David Mamet, l’auteur renommé derrière Glengarry Glen Ross. En fait, je crois fermement que les spécialistes de la littérature de Mamet trouveraient approprié de renommer la pièce de Hnath de 2013 « Speedo-the-Plow : un chef-d’œuvre moderne de Mamet ».

Semblable à Mamet, cet auteur dépeint des Américains ordinaires confrontés à des dilemmes moraux complexes. Un soupçon de tragédie grecque est également présent, préparant subtilement le nageur sans méfiance et comiquement naïf à une éventuelle chute, qui se déroule progressivement.

Peter, l’ambitieux frère avocat de Ray joué par Ciaran Owens, est désireux de capitaliser sur la valeur commerciale de Ray et persuade son entraîneur sceptique, Fraser James, de ne pas signaler l’incident de dopage présumé aux autorités compétentes.

Malgré cela, Ray se retrouve sous l’influence de son ex-petite amie Lydia (Parker Lapaine), ex-droguée et dure à parler. Il croit qu’elle lui fournira les stéroïdes anabolisants nécessaires pour maintenir son désir sexuel accru.

Dans la remarquable production de Matthew Dunster à l’Orange Tree Theatre, tout atteint une finale humoristique et violente.

Anna Fleischle conçoit les bains d’entraînement de Ray avec une petite piscine à marches en aluminium ressemblant à un cercueil, avec en toile de fond tout le théâtre baigné de douces vagues bleues.

Les sons produits par Holly Khan ont un écho qui rappelle celui d’une salle de sport, tandis que chaque nouvelle scène est signalée par un klaxon aigu, ce qui donne lieu à une performance succincte, épurée et douce pour les yeux.

2024-07-26 04:05