En tant que cinéphile ayant une profonde appréciation pour les films qui défient les normes et plongent dans les subtilités de l’existence humaine, je me suis retrouvé totalement captivé par le premier long métrage de Marta Mateus, « Fogo do Vento ». Ce film témoigne du pouvoir de l’art et de la patience nécessaire pour donner vie à une vision.
Le premier film de Marta Mateus, « Fogo do Vento », est richement imprégné d’une mystique imaginative et méticuleusement ancré dans la culture humaine, posant des défis importants au cinéma.
Le film, qui a duré plus de quatre ans de production, ne manque pas d’ambition ni de précision – bien au contraire, il est incroyablement bref, d’environ 70 minutes. Ces qualités confèrent au film une intensité et une netteté uniques.
Au Festival du film de Locarno, où son captivant premier travail a été dévoilé en compétition principale, EbMaster a déclaré que son approche du cinéma s’apparentait à la gestion d’un « studio d’art » (atelier). En effet, le film lui-même ressemble plus à une œuvre d’art minutieusement créée qu’à un film conventionnel, soulignant encore davantage le point de vue de Mateus.
La nature immobile de la caméra dans le film contribue à donner à chaque scène le sentiment d’être soigneusement construite ou mise en scène. « Un jour, un cinéaste a commenté mon travail en disant : « Vous avez fait ce film où rien ne bougeait jamais ». Au début, je n’ai pas compris, mais ensuite j’ai réalisé que c’était parce que la caméra elle-même bougeait rarement. »
En tant que cinéphile passionnée, je n’ai jamais étudié formellement le cinéma, mais j’ai plutôt touché à la philosophie, au théâtre et à la musique. C’était ma façon de parier que ces divers domaines enrichiraient à terme mon regard sur le cinéma. À l’ombre d’un arbre dans le jardin de Locarno, j’ai partagé cette pensée : « J’ai abordé de nombreux sujets, mais le cinéma n’en faisait pas partie. J’ai choisi de l’éviter, car je savais que je voulais créer moi-même des films. Je ne voulais pas que quelqu’un d’autre dicte mon approche. »
Dans le film forestier de Mateus, tourné principalement de jour, la lumière du soleil occupe une place centrale. Il illumine intensément les ouvriers qui s’occupent des vignes et se glissent entre les feuillages des arbres alors qu’ils trouvent refuge dans les branches au-dessus d’un taureau errant. Au cours de notre conversation, Mateus a décrit de manière vivante les défis liés au travail avec une lumière naturelle en constante évolution et au fait de ne se conformer à aucun calendrier pour la capter parfaitement. À plusieurs reprises, Mateus et son équipe ont revisité les mêmes lieux, recherchant l’authenticité de chaque plan.
« Je me concentre souvent sur les images mentales qui surgissent. Au fil du temps, lorsque je photographie, ces images se stockent dans les recoins de mon esprit. Parfois, de nouvelles images peuvent émerger pendant le tournage, nécessitant des changements dans le scénario, mais en tant que cinéastes, nous comprenons et s’adapter à ce processus dynamique.
Dans l’œuvre « Fogo do Vento », la lumière changeante constitue le symbole le plus frappant de l’éphémère. Cependant, les créations de Mateus transcendent les simples représentations d’incarnation et d’actualité. À chaque image, il semble y avoir une subtile convocation à l’histoire, faisant allusion à une interprétation matérialiste des événements passés.
« L’œuvre intitulée « Fogo do Vento » englobe les thèmes de la communauté, de la nation et des conflits tout en fonctionnant de manière indépendante en tant qu’œuvre d’art. Elle résonne à des échelles personnelles et profondément historiques. «
« Mateus souligne que nous hébergeons chacun en nous un monde vaste et interconnecté et que nous sommes responsables de ce lien historique. » Les photographies d’époque illustrant la guerre coloniale africaine, présentées par Maria Catarina, ou la présence fantomatique de João de Encarnação, l’arrière-grand-père du réalisateur, représenté comme un jeune soldat de la guerre mondiale, semblent toutes souligner l’influence durable de l’écho spectral de l’histoire. .
Le film transcende les histoires nationales et contribue à un choc visuel plus large. De plus, Mateus avait pour objectif de réfléchir à la façon dont les images de guerre sont devenues monnaie courante ces derniers temps. Alors que les conflits politiques s’intensifient, le cinéma sert de plateforme pour présenter une image alternative à la violence souvent décrite dans les médias grand public.
« L’histoire est également façonnée par les visuels. Il est crucial de décider des images que nous souhaitons préserver, car les représentations de la guerre favorisent des images plus guerrières. Le cinéma devrait servir de perturbateur dans ce cycle, en offrant une perspective sur les aspects souvent négligés de la guerre. humanité. »
Le film est profondément lié à une région ancienne, presque spirituelle – l’Alentejo au Portugal – qui sert de toile de fond à des visuels symboliques. Un taureau menaçant erre dans les champs, obligeant les agriculteurs et les ouvriers à se réfugier dans les arbres, ajoutant ainsi une nouvelle perspective au concept de résilience collective.
Le réalisateur raconte qu’ils ont passé leur enfance dans une région reculée du Portugal, une région où les traditions orales ont une grande valeur. Raconter des contes – légendes et mythes – faisait selon eux partie intégrante de notre existence quotidienne.
Mon histoire personnelle est étroitement liée à la représentation symbolique de l’histoire dans le film et au potentiel de briser le cycle de la douleur – le rêve d’une révolution et de liberté. « Le soleil existe depuis bien plus longtemps que les fondations sur lesquelles repose notre histoire. »
Autrefois, les films militants utilisaient souvent des visuels surprenants pour déclencher des conflits et inciter les spectateurs à prendre parti. À l’opposé, Mateus choisit une forme distincte de résistance : une interprétation méticuleuse de la force cinématographique et un dialogue rythmé peu orthodoxe rappelant des chants, reflétant la façon dont les cultures orales perçoivent le monde. Ceci est remarquablement différent de la manière contemporaine, linéaire et capitaliste d’interpréter la réalité.
Elle estime que les films revêtent aujourd’hui une immense importance, mais que nous ne parvenons souvent pas à reconnaître cet impact. Ils portent un pouvoir symbolique et stimulent notre créativité d’une manière que nous ne comprenons peut-être pas pleinement. Les films peuvent être perturbateurs et éclairants, provoquant en nous une réponse émotionnelle ou sentimentale – une nouvelle prise de conscience de quelque chose. Dans ce processus, ils génèrent quelque chose de nouveau. Elle souligne que la manière et la raison pour laquelle un film résonne en vous est tout aussi importante, encourageant les spectateurs à laisser son film transmettre son message de manière indépendante.
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2024-08-14 15:47