Farm Hall (Théâtre Royal, Haymarket, Londres)
En tant qu’amateur de théâtre chevronné qui a été témoin de l’ascension et du déclin d’innombrables talents comiques, je dois dire que le Festival Fringe d’Édimbourg de cette année s’est véritablement surpassé. La diversité des artistes présentés est tout simplement étonnante, de l’hilarante Olga Koch Comes From Money au délicieusement idiot Luke Rollason, Luke Rollason, Let Down Your Hair.
Verdict : les nazis nucléaires
« Pourquoi l’Allemagne n’a-t-elle pas développé la bombe atomique avant tout le monde, et aurait-elle pu y consacrer plus d’efforts ? Ce sont des questions stimulantes que Katherine Moar explore dans sa pièce intrigante, qui se déroule pendant les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale. »
Présentée à l’origine dans un théâtre local de Jermyn Street l’année dernière, cette pièce s’inspire des dossiers de six éminents chercheurs nucléaires allemands qui ont été réunis et détenus par le major britannique T.H. Rittner à Farm Hall dans le Cambridgeshire.
Ils mettent également en vedette le physicien subatomique estimé Werner Heisenberg, ainsi que le célèbre pionnier de la fission nucléaire Otto Hahn – tous deux appelés Alan Cox et Forbes Masson.
Dans leur manoir délabré, qui sert désormais de centre de détention non officiel, ils passent leur temps libre à diverses activités telles que lire des pièces de théâtre à haute voix, discuter des histoires de films occidentaux, classer les plantes du jardin, compter les poignées de porte et créer un nouveau jeu de société appelé « » prédire ce qui sera censuré » de leur correspondance.
En tant que fervent admirateur de l’histoire, je ne peux m’empêcher de réfléchir aux émotions complexes suscitées par les six hommes qui faisaient autrefois partie intégrante de l’effort atomique d’Hitler, lorsqu’ils ont été témoins du bombardement américain dévastateur d’Hiroshima. Leurs réactions allaient de l’auto-reproche au déni et à un sentiment d’envie presque palpable.
Bien qu’ils fassent preuve de différents niveaux de patriotisme, leur humour d’autodérision rappelle l’esprit des œuvres écrites par le dramaturge anglais Tom Stoppard. Ce groupe semble aussi allemand que le Long Room de Lords semble anglais.
En tant qu’admirateur dévoué, je ne peux m’empêcher de m’émerveiller devant Heisenberg, dont la personnalité énigmatique et le doute de soi font écho au principe d’incertitude qui fait sa renommée. Des rumeurs circulaient selon lesquelles il aurait été qualifié de « juif blanc » par les sbires d’Hitler en raison de son travail avec Albert Einstein. Dans un geste de défi envers Oppenheimer et les Américains, il expose son propre projet de bombe atomique sous le couvert d’une nuit blanche.
Pendant ce temps, Masson attise les regrets de Hahn, attribuant leurs travaux sur la fission nucléaire à la cause de la perte tragique d’innombrables vies.
David Yelland apparaît souvent comme poli et posé, un peu comme Max Von Laue, un personnage connu pour sa position anti-nazie. D’un autre côté, Julius D’Silva incarne Kurt Diebner, un personnage rigide qui semble défendre partiellement le nazisme et qui fut un directeur important du projet nucléaire d’Hitler.
La production bien organisée de Stephen Unwin ne crée peut-être pas de grand feu d’artifice théâtral, mais elle offre un aperçu réfléchi et divertissant de l’histoire.
Périclès (Swan Theatre, Stratford-upon-Avon)
Verdict : une renaissance saine
Chez Périclès, il semble y avoir un sombre courant sous-jacent. L’histoire, écrite conjointement par le barde et George Wilkins en 1608, tourne autour du prince titulaire de Tyr qui parcourt les îles gréco-turques à la recherche d’une épouse. Ce voyage est marqué par l’inceste, le meurtre et le trafic sexuel, entre autres événements peu recommandables.
Sa première escale est Antioche, où le roi offre la main de sa fille à quiconque parviendra à résoudre une énigme décrivant sa pédophilie incestueuse. Si vous vous trompez, vous mourrez. Faites les choses correctement et vous mourrez.
Dans cette version reformulée, appelons-la « Le conte d’un vagabond à travers la Méditerranée » : Périclès, un homme fuyant un assassin, voyage à travers la vaste mer Méditerranée. Au milieu des tempêtes et des mers tranquilles, il vit diverses expériences : retrouver, perdre, puis retrouver une femme et un enfant. Ce conte populaire captivant, parfois surréaliste, a intrigué de nombreux producteurs, interprètes et spectateurs. Pourtant, entre les mains de Tamara Harvey, la codirectrice artistique innovante du RSC, cette production respire la sérénité, la grâce et la lucidité.
Au cours des voyages de Périclès, les interprètes organisent des tableaux complexes semblables à des feuillages sous-marins, tandis que la musique enchanteresse de Claire van Kampen (Mme Mark Rylance), composée de marimba, de saxophone et de percussions, va et vient tout au long du récit, reflétant à la fois les mers tumultueuses pendant les tempêtes et l’azur serein. le calme entre les deux.
La scène est disposée dans un grand tissage, rappelant un métier à tisser massif, avec le gréement d’un voilier remplaçant les cordes d’un instrument de musique ; les costumes, quant à eux, peignent une teinte chaude et terreuse d’argile cuite – rouge et orange. Dans cette symphonie théâtrale, Alfred Enoch occupe le devant de la scène dans le rôle d’un Périclès immaculé. Il est imposant, charmant, joyeux, mais accablé par le destin. Leah Haile incarne sa future épouse dans cette production.
Christian Patterson et Felix Hayes introduisent des éléments de Harry Secombe et des représentations exagérées, jouant les rôles de deux monarques excentriques ; d’un autre côté, Rachelle Diedericks, incarnant la fille vertueuse de Périclès, incarne véritablement sa description de sanctuaire de l’honnêteté royale.
Le résultat est une renaissance saine qui disperse les toxines parfois maladives de la pièce.
Comme vous l’aimez (Théâtre Holloway Garden, Stratford)
Verdict : Barde sans fioritures
En sortant du Swan Theatre de Stratford, soyez prudent car vous pourriez accidentellement entrer en collision avec le Holloway Garden Theatre temporaire, qui accueille actuellement une représentation minimaliste de As You Like It de Shakespeare. La configuration rustique des échafaudages a son propre attrait, mais je dois admettre que les sièges en plastique, plutôt inflexibles, qui semblent avoir le don de vous renverser, manquent assez de confort.
Vous pourriez également apprécier, tout comme moi, d’attendre avec impatience la fin rapide de cette aventure humoristique de 90 minutes mettant en vedette le personnage de la belle Rosalind, interprétée par Letty Thomas, qui est poursuivie par Orlando – un charmant poète-lutteur au cœur brisé joué par Luke. Brady après s’être blessé. Dans cette production, Peter Dukes, l’autre lutteur, effectue seul les premiers combats, créant ainsi une scène assez comique.
1. Du point de vue de Rosalind, enjouée et autoritaire, Brady est robuste mais adorable, avec un talent attachant pour être facilement contrôlé. Trevor Fox livre une charmante performance qui n’est pas sans rappeler Withnail dans « Tout le monde est une scène », incarnant Jaques mélancolique. Duncan Wisbey fait rire la production dans le rôle de Touchstone.
De plus, ils l’ont équipé d’effets sonores typiques d’un music-hall pour ses punchlines (sifflets et cymbales inclus) lors de la performance à la fois vivante et éreintante de Brendan O’Hea.
La fête de Pinter est toujours aussi menaçante et mystérieuse
La fête d’anniversaire (Ustinov Studio, Bath)
Verdict : la perfection Pinterest
Lors de ses débuts en 1958, un critique a qualifié la première pièce d’Harold Pinter de «divagations semi-absurdes d’un fou». Malheureusement, cela n’a pas abouti.
Peu de temps après, une autre pièce a été saluée comme la création d’un « artiste extraordinairement unique, troublant et captivant ».
Une caractéristique frappante de cette pièce de Pinter est que, malgré de nombreuses représentations au fil du temps, elle continue de posséder une puissance troublante.
Le renouveau de Richard Jones conserve son essence effrayante, énigmatique et puissante. Presque tout dans la maison d’hôtes côtière (construite par Ultz) – murs, sol, vêtements, meubles – semble brut, sans fioritures et avec une teinte brune. Le couvre-théière tricoté (marron) sur la théière (marron) est l’objet solitaire qui respire la douceur.
Dans une frénésie de fascination, je me retrouve captivé par le talent artistique qui tisse les mots, créant des vers apparemment spontanés mais méticuleusement conçus, un peu comme une tapisserie élaborée dans le domaine de la musique rap.
Vous réalisez alors que tout le monde semble absorbé par ses propres émissions, écoutant à peine et répondant rarement de manière appropriée. À un autre niveau, cette œuvre énigmatique pourrait être considérée comme une exploration sombre mais captivante de la solitude humaine.
Dans une interprétation différente : Jane Horrocks incarne Meg, la propriétaire joyeuse mais vacante, qui demande à son mari Petey (Nicolas Tennant), alors qu’il est assis à table, le regard direct, s’il est revenu du travail. Les interactions de Meg avec Stanley (Sam Swainsbury), le seul locataire, vont de maternelles à maladroitement coquettes. Horrocks possède une étrange capacité à imprégner le mot « succulent » de connotations à la fois sensuelles et troublantes.
Au départ, l’humour réside dans la situation ordinaire, mais les choses changent lorsque Goldberg (John Marquez) et son compagnon McCann (Coalan Byrne) font leur entrée. Habillés avec précision, ils dégagent un calme glacial caché derrière leurs sourires. Ils sont comme les visiteurs indésirables que nous redoutons tous et qui se tiennent à notre porte.
En tant que passionné de théâtre depuis de nombreuses années, je peux affirmer avec certitude que cette production est une perle rare. Malgré son caractère troublant, c’est la précision et l’intensité des performances qui le rendent vraiment captivant. La puissance de cette pièce est si profonde qu’elle vous coupe le souffle après avoir quitté le théâtre. C’est un triomphe dans son style unique et pinteresque, et je le recommande vivement à tous ceux qui apprécient le théâtre stimulant et exécuté de manière magistrale.
Jusqu’au 31 août.
Dernières nouveautés du Edinburgh Fringe Festival
Mythe : Ragnarok (Assemblée, George Square)
Verdict : Ragna-rocks
Si quelqu’un a l’intention de détrôner Mythos : Ragnarok en tant que spectacle le plus scandaleux et le plus intense du Fringe, il devrait se préparer à une expérience brutale remplie de mythologie nordique, de matchs de lutte à haute énergie et d’une bande-son heavy metal percutante – il pourrait bien se faire assommer. abattu, frappé ou claqué !
En termes plus simples, il s’agit d’une idée folle conçue par le talentueux Ed Gamester, qui mélange la mythologie viking avec des éléments du crime organisé. L’histoire tourne autour d’un conflit mortel entre le dieu du chaos, Loki (joué par Gamester), et le dieu de la sagesse et souverain, Odin. D’autres gangsters célestes comme la déesse de la fertilité Freyja et le dieu du tonnerre à tête de viande Thor sont également impliqués dans cette lutte de pouvoir.
L’éclat du spectacle ne réside pas seulement dans le fait que les interprètes sont construits comme des toilettes extérieures. Ils sont également extrêmement agiles. La chorégraphie des combats, se cognant les uns les autres sur la toile, se cognant les poitrines et tournant du sol en un seul mouvement, suscite des oohs et des aahs du public captivé.
Il y a deux ans, la première représentation de la troupe à Édimbourg n’avait été vue que par un seul spectateur. Aujourd’hui, ils font sensation.
Accrochez-vous à vos fesses (Pleasance Courtyard)
Verdict : les alouettes du Jurassique
Concernant l’inspiration divine, Hold On To Your Butts est un concept ingénieux qui semble presque trop beau pour être conçu humainement. Cette production est essentiellement une réimagination de Jurassic Park de Steven Spielberg, magistralement exécutée par seulement deux acteurs et un artiste Foley (un technicien du son expérimenté). Bien qu’être un fan de Jurassic Park puisse améliorer votre plaisir, j’ai trouvé que la nostalgie revenait malgré tout.
Dans un laboratoire, il y avait un œuf en incubation, avec de petites mains regardant à travers un tissu froissé, et un T-Rex déchaîné arborant un casque de sécurité et un cône de stationnement apposé à l’arrière. Avant que les enfants ne rencontrent un rapace portant des lunettes de natation, ils se sont enfuis audacieusement à bord d’un hélicoptère, munis d’un parapluie virevoltant.
Dans une formulation légèrement différente : les personnages ont peut-être besoin de quelques éclaircissements, mais la prestation impassible de Jeff Goldblum est indéniablement reconnaissable. Les effets sonores (de Kelly Robinson) sont parfaitement synchronisés. De plus, Natalie Rich et Matt Zambrano échangent parfaitement leurs rôles. Y compris l’humour des crottes de dinosaures et « c’est derrière toi ! scènes de pantomime à l’approche des dinosaures, il devient l’attraction phare du festival Fringe.
Sh!t Theatre : ou ce qui reste de nous (Summerhall)
Verdict : Des chansons tristes rendues joyeuses
Il est grand temps pour Sh!t Theatre d’envisager de changer son nom juvénile. Après tout, ils sont bien plus que leur surnom actuel, comme le remarque souvent Chris Sutton, analyste du football à Radio Five, « ils sont meilleurs que cela ».
J’ai assisté à une pièce de théâtre à deux à forte résonance émotionnelle, craignant une escapade de jeunesse. Étonnamment, il tourne autour des deux artistes qui se remettent respectivement de la perte de leur père et de leur frère.
Complètement captivé, j’ai choisi de me plonger dans le monde enchanteur des chansons folkloriques anglaises liées à la mort et à la renaissance, le tout déclenché par un intrigant club folk niché dans le West Yorkshire. Remarquablement, ce joyau caché a été tragiquement pris pour cible une semaine après ma visite, me laissant dans un état d’incrédulité.
Dans cette performance, ils mélangent les sons de la guitare, du luth, du violon et de l’accordéon, créant un spectacle qu’ils ont nommé « Sing Around ». Ils nous invitent tous chaleureusement à participer.
Ils assaisonnent également l’émission avec une sorte de Wikipédia de faits amusants, découverts au cours de leurs recherches.
Au début, ils portent des chapeaux de blaireau pour une raison ; ils affirment que les blaireaux n’hibernent pas entièrement mais entrent plutôt dans une période d’activité réduite semblable à la léthargie souvent ressentie après une perte.
De plus, il y a un motif qui reflète l’art japonais de réparer les bols fissurés avec de l’or, symbolisant leur récit de guérison et de réassemblage au milieu du chagrin.
Joué sur un banc de pub, posé sur une île de tapis tourbillonnant, ce n’est pas un festival de misère.
Le résultat est thérapeutique et, pour conclure, il y a toujours une joyeuse séance de chants de Noël au pub plus tard, respectant une coutume séculaire qui non seulement célèbre mais rajeunit également les esprits.
Katie Norris : Farm Fatale (Cour de Pleasance)
Verdict : Reine des chats mesdames
Katie Norris est originaire de la campagne occidentale et a passé son enfance dans une ferme. Elle adore discuter de divers sujets tels que les animaux de compagnie, les relations amoureuses et son colocataire de la génération Z qui l’aide souvent à la maison.
1. Elle est fière d’incarner l’esprit d’une femme divorcée, même si elle n’a jamais été mariée, et chérit profondément son chat, Atticus.
Lors de sa première performance de stand-up à Édimbourg, Norris dégage une abondance de compétences originales et chante avec le flair d’une star. De plus, elle livre des blagues intelligentes, telles que « seuls les astronautes ont besoin d’espace ».
Mais elle pourrait faire un peu plus de schtick – comme jouer du piano pour accompagner ses chansons, peut-être.
Et dans le climat actuel, elle devrait probablement laisser tomber les gags de Taylor Swift.
Victor’s Victoria (salles de réunion)
Verdict : hommage à Victor Mature
Victor’s Victoria est un hommage sincère à l’acteur hollywoodien classique Victor Mature, magnifiquement interprété par sa progéniture à la mode et talentueuse en opéra, Victoria.
C’est aussi fascinant de considérer les aspects mathématiques de leur lien. L’homme italo-américain au charme complexe, Victor Maturi, est originaire de Louisville, Kentucky, et est né en 1913.
Victoria approche de l’âge mûr, ayant retardé la responsabilité parentale, tout comme John Humphrys et Mick Jagger qui ont également eu leur famille plus tard dans la vie.
Un chanteur de formation classique interprète un répertoire diversifié. Il comprend un air de vendeur ambulant italien, un numéro d’une production de Broadway de Kurt Weill (« Lady in the Dark »), des sélections liées au film « Samson et Dalila », comme l’opéra français du même nom de Saint Saens et le « Fille folle » de Gershwins. Malheureusement, il n’y a pas de place pour « Pourquoi pourquoi… » de Tom Jones dans son set.
Avec une fleur rouge nichée dans ses tresses sombres et élégantes et une robe fluide gris foncé qui se déplace autour d’elle aussi gracieusement qu’un chat, elle respire l’élégance sur la frange, un peu comme une robe Dior haut de gamme trouvée dans une friperie.
Peut-être que cela l’aurait mise plus à l’aise si elle s’était aventurée dans un lieu légèrement moins cher et avait combiné sa voix puissante avec un style de performance plus conversationnel.
Mais ce n’est pas ainsi que pensent les enfants de la royauté hollywoodienne.
Fille drôle sur l’argent
En tant qu’expert en style de vie, je le reformulerais ainsi : « L’émission intitulée « Olga Koch : Confessions from Privilege », classée quatre étoiles par Monkey Barrel, offre un aperçu du monde d’Olga – une femme née en Russie, instruite en aux États-Unis, et réside maintenant au Royaume-Uni. Au lieu de proposer des excuses ou des excuses, elle plonge profondément dans ses expériences avec humour et charme. Sa performance pourrait susciter des discussions animées sans sa sympathie indéniable et ses prouesses comiques.
1. Elle est naturellement comme ça. La bande dessinée explore la perspective fascinante sur la manière dont la richesse, qu’elle soit héritée, gagnée ou acquise, nous façonne. Selon Koch, grandir avec un père presque oligarque a été son plus grand défi, et elle se demande souvent si les autres peuvent s’identifier à cette expérience.
Mais ce n’est pas une humble vantardise ; c’est un examen astucieux des différences culturelles et des inégalités de richesse, avec de grands rires.
Jack Skipper (à Pleasance Courtyard, CLASSEMENT : QUATRE ÉTOILES) n’est pas né dans la richesse, comme le suggère son émission « Skint ». Il était auparavant un installateur de tapis qualifié, étant même classé 14e meilleur à Croydon par Check A Trade. Avec son esprit naturel et son humour suranné, il délivre les rires auxquels vous vous attendez, ainsi que des blagues désinvoltes et des observations perspicaces qui évitent la prétention.
En tant qu’admirateur ardent, je trouve tout à fait captivant lorsqu’il approfondit les contrastes entre ses méthodes d’éducation et parentales, et la raison de son abstinence (parce que j’ai été rattrapé par les épisodes précédents). Son exubérance pour ce qu’il fait, et ce qu’il fait exceptionnellement bien, est véritablement contagieuse.
Dans la revue intitulée « Let Down Your Hair » au Pleasance Dome, Luke Rollason, l’interprète nommé Luke Rollason, offre une performance minimaliste riche en comédie burlesque, en mime et en engagement actif du public. (CLASSEMENT : QUATRE ÉTOILES)
rassurez-vous : c’est plus agréable qu’il n’y paraît à première vue, car il mélange des éléments de « Nous allons à la chasse à l’ours » de Michael Rosen, des contes de fées comme Hansel et Gretel et Raiponce (dont les cheveux sont représentés comme un rouleau de papier toilette) , offrant un sous-texte riche sur des thèmes tels que la parentalité et la camaraderie. Cependant, si vous préférez une version plus légère, c’est simplement un mélange délicieusement idiot.
La comédie musicale d’une heure « Come For Me », écrite par l’artiste américaine Catherine Cohen au milieu de la trentaine (classée quatre étoiles à Pleasance Courtyard), plonge dans les tendances narcissiques et la fragilité émotionnelle courantes au sein de sa génération, qui dépend fortement de réseaux sociaux.
Les chansons (elle est accompagnée du pianiste Frazer Hadfield) sont intelligentes et entraînantes, mais c’est son crépitement entre les numéros qui fait rire. Tour à tour sèche et fantaisiste, elle parle de la congélation de ses ovules, de son horreur que son petit ami soit devenu oncle et de sa vie sexuelle. Ce dernier apparaît de manière proéminente, mais jamais grossièrement ; dans « Fill the Void », il y a bien sûr un double sens, mais en réalité il s’agit de recherche de contentement.
Le personnage de Cohen sur scène peut être décrit comme une reine exigeante, égocentrique, mais malavisée – « Sortir avec moi, c’est comme entrer dans un royaume engageant et humoristique » – qui a besoin d’une attention constante. Cependant, c’est facile à réaliser, étant donné sa capacité à nous créer un univers captivant et amusant.
Edinburgh Fringe se poursuit jusqu’au 26 août.
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2024-08-16 03:23