Critique de « Saturn Return » : la candidature espagnole aux Oscars est un biopic musical chaotiquement honnête et formellement audacieux

En tant que cinéphile chevronné avec un penchant pour les biopics non conventionnels et un talent pour discerner les couches cachées des films, je dois dire que « Saturn Return » m’a laissé complètement fasciné. Ce joyau espagnol capture sans effort l’énergie brute et chaotique d’un groupe de rock en difficulté, Los Planetas, d’une manière à la fois authentique et visuellement saisissante. Le refus des réalisateurs d’adhérer aux conventions des sous-genres est une bouffée d’air frais dans le paysage cinématographique trop prévisible d’aujourd’hui.

Un tas de cendres de cigarettes s’accumule sur des CD abandonnés dans une pièce faiblement éclairée, où les membres du groupe Los Planetas travaillent à créer les morceaux de leur prochain album. Cette brève image communique bien plus que le simple désordre de l’environnement. Ces disques vraisemblablement endommagés peuvent signifier un manque de respect rebelle envers la musique dans son état emballé, vendable et rentable. Pour eux, la musique n’a de sens que lorsqu’elle exprime leurs cicatrices émotionnelles cachées et qu’elle est façonnée par la drogue et la tension intense qui règne entre eux. Les chansons naissent du chaos – à la fois apparent et invisible dans leur esprit.

« Saturn Return » d’Isaki Lacuesta et Pol Rodríguez dépeint magistralement à l’écran un mélange de luttes créatives et personnelles, en utilisant une intensité visuelle dynamique et une expérimentation audacieuse pour éviter d’adhérer aux tropes typiques du sous-genre. Ce film, né d’une vision artistique séduisante, est l’un des biopics musicaux les plus véridiques et revitalisants de mémoire récente. Il évite le polissage des images de ses personnages profondément problématiques, entraînant plutôt les spectateurs dans leur combat autodestructeur, poétique et finalement rédempteur contre leurs propres tendances les plus sombres.

En tant que cinéphile, je me suis retrouvé immergé dans « Saturne », un film qui mélange habilement l’ordinaire et l’extraordinaire, gardant les personnages ancrés au milieu de leurs peurs auto-créées. C’est un voyage qui nous emmène d’une période de fiction captivante à une session d’enregistrement de la fin des années 90 à New York. Contrairement à une histoire d’origine, « Saturne » ne nécessite aucune connaissance préalable pour en profiter. En fait, entrer dans le film sans savoir qui sont Los Planetas ne diminuera pas l’atmosphère enchanteresse qu’il crée autour de vous.

Saturne », un film, est construit à partir d’une série de scènes intenses et vaguement connectées – des rêves et des répétitions, comme le dit l’une de leurs chansons – dressant le portrait d’un groupe musical ou, plus précisément, d’une amitié à trois, luttant contre les chances de reproduire leur succès antérieur. Le scénario, présenté non pas comme un récit factuel mais comme une représentation surréaliste et légendaire basée sur de vraies personnes, suit le groupe après le triomphe de leur premier album et la déception du second. la libération est crucial ; en cas d’échec, ils risquent de perdre le soutien de leur label. Le titre espagnol, « Segundo premio », se traduit par le morceau principal de leur troisième album, « Une semaine dans un moteur de bus », qui se déroule remarquablement tout au long du film.

Dans le film, les personnages principaux ne reçoivent pas de nom ; au lieu de cela, ils sont identifiés comme étant The Singer (Daniel Ibáñez, qui a joué aux côtés de Javier Bardem dans « The Good Boss ») et The Guitarist (joué par un vrai musicien connu sous le nom de Cristalino). Le chanteur aux lunettes de soleil feint l’indifférence et la réserve émotionnelle, tandis que le comportement erratique du guitariste drogué fait allusion à un psychisme fragile et mis à rude épreuve. Ibáñez et Cristalino font tous deux leurs débuts d’acteur dans ce film. Leur relation à l’écran est pour la plupart épargnée par le contact physique ou le dialogue approfondi. Il y a un mur épais entre eux qui rend difficile la compréhension de leurs intentions et de leurs désirs au sein de ce partenariat. Leurs performances établissent un équilibre entre l’authenticité brute et le caractère décontracté et rockstar de leurs personnages.

Dans les premières scènes, Lacuesta et le co-scénariste Fernando Navarro utilisent la narration en voix off pour exprimer ce que les personnages principaux pourraient avoir du mal à se dire directement. Cette voix off ne provient pas d’un seul personnage, mais plutôt de plusieurs personnages clés commentant la relation complexe entre les deux protagonistes, qui peut être décrite comme un lien d’amour-haine. Parmi ces personnages, May (interprétée par Stéphanie Magnin), explicitement nommée et troisième membre principal du groupe, offre la perspective la plus perspicace. Elle explique comment le chanteur et le guitariste incarnent l’esprit de leur ville natale, Grenade. Même si les nuances culturelles ne sont pas universellement applicables au-delà de l’Espagne, il est clair qu’un groupe peut refléter les particularités uniques de la ville qui les ont façonnés en tant qu’individus et artistes.

Les expériences de la femme, ayant été mêlées de manière romantique aux deux simultanément, soulignent leur lutte pour exprimer ouvertement leurs émotions au-delà du domaine des airs mélancoliques. À mesure que les chansons émergent du fond brumeux de leur récit, les paroles deviennent visibles à l’écran, présentées non seulement sous forme de légendes mais dans l’original espagnol, suggérant que le film était destiné à une expérience de chant. Peu importe qui parle, le récit reconnaît que ces incidents décrits, survenus au XXe siècle, proviennent d’une époque désuète, contrairement à notre monde contemporain. Les multiples points de vue suggèrent des distorsions potentielles dans les événements – une reconnaissance pleine d’esprit qui imprègne toutes les facettes du film, y compris la cinématographie dynamique de Takuro Takeuchi et l’agencement fluide mais non linéaire des moments du montage.

Dans « Saturn Return », nous plongeons dans le lien tendu entre le chanteur et le guitariste, personnages dont le passé reste un mystère. A travers les paroles de leur musique, nous trouvons notre point d’entrée. Debout ensemble, débordant de secrets à révéler, ils semblent incapables de parler. Au lieu de cela, c’est comme si un sort avait été lancé, les faisant taire. Leur lien est alimenté par la profondeur de leurs personnalités et la douleur qu’ils recèlent – des causes qui nous sont cachées – que l’amour semble se manifester uniquement à travers des confrontations destructrices.

Vers la finale, il y a un plan saisissant qui résume « Saturn Return », montrant les figures éthérées des deux hommes qui se chevauchent, symbolisant l’idée que l’amitié n’est qu’un seul esprit divisé en deux formes physiques. Cette image, dépourvue de câlins réconfortants ou de mots sincères, transmet avec force que si une musique a été composée au cours du processus, c’était une expression partagée entre eux, chaque morceau étant un hommage mélodique à leur amour complexe, parfois toxique, l’un pour l’autre.

2024-11-28 21:46