En tant qu’amateur de théâtre ayant un penchant pour les délices culinaires, je dois dire que les représentations de cette semaine m’ont laissé à la fois satisfait et désireux d’en savoir plus.
Deux d’entre nous (Palace Theatre, Watford)
Verdict : Beetlejuice
Au Palace Theatre de Watford, des changements importants sont en cours en raison de la nomination de leur nouveau PDG et directeur de la programmation, Steve Marmion. Pour être plus clair, il ne semble avoir aucun lien de parenté avec quelqu’un que je connais, même si mon père suppose que nos lointains grands-pères auraient pu être des frères originaires de Liverpool.
Sous un surnom similaire, mon homologue s’est fait connaître en supervisant le Soho Theatre, animé et souvent provocateur, attirant des artistes tels que Fleabag au cours de ses années de formation.
Pour l’ancienne puissance du Hertfordshire, une programmation comparable mais plus traditionnelle est prévue, proposant de la musique, des spectacles de drag, des numéros de comédie et du cabaret, en plus du théâtre. Mais avant cela, cet autre Marmion reviendra à ses origines de Liverpool avec Two Of Us : l’histoire de la dernière rencontre de John Lennon et Paul McCartney à New York en 1976.
Basé sur le film écrit par Mark Stanfield, réalisé par Michael Lindsay-Hogg et mettant en vedette Barry Sloane dans le rôle de Lennon, ce portrait poignant, captivant et triste présente leur rencontre finale en tant que The Beatles.
Dans cette histoire, magnifiquement décrite par Amy Jane Cook, nous nous retrouvons dans l’appartement de John au sein de l’emblématique bâtiment Dakota, offrant une vue imprenable sur Central Park à New York. C’est ici que John s’est retiré, déprimé et déconnecté de la vie, réticent à interagir avec son ami autrefois le plus proche, Paul, qui apparaît de manière inattendue sur la scène.
Les deux hommes se disputent souvent, deviennent maussades, sirotent du thé, s’adonnent à la marijuana, protègent leurs proches (Yoko et Linda), écoutent de la musique reggae, se masquent pour sortir et se remémorent le passé, donnant l’impression d’être empêtrés dans une comédie. un sketch comme « The Goon Show ». Cependant, la majeure partie de leur rassemblement est dominée par des périodes prolongées de lourd silence plutôt que par des pauses pleines de suspense, pendant lesquelles ils semblent dépassés et accablés par leur histoire.
Des performances remarquables sont données par Sloane et Jay Johnson dans le rôle de John et Paul. Dans ce rôle, Sloane, qui vient tout juste de jouer Yosser dans l’adaptation scénique de Boys From The Blackstuff, incarne un John sensible qui aime taquiner Paul à propos de l’écriture de « comptines avec des airs entraînants » pour son groupe Wings. Cependant, il convient de noter que John hésite à recevoir lui-même des critiques.
Affichant constamment un comportement passif-agressif, même lors d’une séance de méditation bouddhiste, John répond aux tentatives d’amitié de Paul par des commentaires sarcastiques. Sous cette façade se cache une source de tristesse chez l’homme qui n’a jamais vraiment grandi, suite au décès de sa mère et à son ressentiment de toujours envers son père.
Paul, comme beaucoup d’autres, pleure maintenant le décès de ses deux parents ; L’art de Johnson capture un homme qui ressent non seulement le chagrin de sa disparition, mais aussi celui du compagnon aux cheveux longs qui se tient devant lui.
McCartney se sent complimenté par la représentation que Johnson fait de lui, avec sa perruque généreusement coiffée et sa barbe épaisse, ressemblant à un jeune Gabriel Byrne. Il reconnaît le rythme familier de Liverpool dans le discours de Paul et défend son sens des affaires au milieu de l’appel de John à « sympathiser avec votre souffrance ».
La rencontre entre eux semblait vouée à une conclusion tragique. Tout comme Marianne Faithfull l’a dit à propos de Mick Jagger, il y avait une multitude de problèmes passés qui ne pouvaient pas être facilement écartés. Quels que soient leurs espoirs de changement, l’issue pour ces deux-là ne pourrait que conduire à des adieux mélancoliques. Mais avant que ce moment n’arrive, il y a encore de la place pour les rêves et, si je puis me permettre, pour les rêveries aussi.
Two Of Us déménagera à Home, Manchester à partir du 26 septembre.
Je te souhaite bonne chance (Criterion Theatre, Londres)
Verdict : Gwyn-dolent
Gwyneth Paltrow se moque d’elle-même de manière amusante à travers sa marque de bien-être excentrique Goop. C’est bien de donner un coup de main en retour. Pour illustrer, créons une parodie du procès de l’année dernière où Terry Sanderson, un ancien optométriste, l’a poursuivie en justice pour 300 000 $ après un incident sur les pistes de ski de l’Utah. En réponse, elle a intenté une action en justice pour 1 $ et a eu gain de cause. Voici à quoi cela pourrait ressembler :
Initialement présenté cette année au Edinburgh Fringe Festival, le spectacle a maintenant déménagé dans le West End de Londres pour une durée de trois semaines. Ceux qui anticipent les blagues sur les « œufs de jade » de Gwyneth et leurs supposées propriétés curatives ne seront pas déçus : sa marque a subi un changement et elle est désormais connue sous le nom de Caca.
C’est un pastiche de tout, de Frozen à Cabaret. Néanmoins, la salle d’audience du dessin animé de l’Utah est faite pour rebondir grâce au juge Jude vacillant d’Idriss Kargbo, à la procureure de Tori Allen-Martin, Kristin (une super-fan de Gwyneth), et à Terry qui fait la roue de Marc Antolin.
En tant qu’incarnation de Goop elle-même, Diana Vickers nous offre des sourires affectueux et siffle de manière ludique à Terry, tout en faisant la promotion de ses bougies d’aromathérapie au parfum rappelant les cliniques gynécologiques.
I Wish You Well se déroule jusqu’au 12 octobre.
Meurtre sur l’Orient Express (en tournée)
Verdict : Coucheur de première classe
Michael Maloney incarne un charmant Poirot : méticuleux, doucement autoritaire, et son accent agréable est séduisant. Ses salutations chaleureuses et continentales avec son ami de longue date, Monsieur Bouc de Wagon-Lits, sont particulièrement réconfortantes.
En tant que connaisseur du style de vie, je me retrouve au milieu d’un groupe éclectique de globe-trotters, impeccablement vêtus et ornés de fourrures luxueuses, chacun abritant ses traits uniques et ses histoires cachées. Aux premières lueurs du jour, nous sommes unis autour d’un spectacle effrayant – un cadavre taché de sang – mais on ne peut s’empêcher de se demander si la réaction collective est vraiment une réaction de peur ou quelque chose de plus complexe.
Dans cette histoire captivante d’Agatha Christie, l’Orient Express occupe le devant de la scène dans son élégance des années 1930, remplaçant le besoin de villages ou de vicaires. Les superbes décors et costumes de Mike Britton embrassent pleinement cette grandeur : des compartiments luxueux se transforment en cabines et en voitures-restaurants, tandis qu’une congère plane au-dessus de votre tête.
C’est l’une des intrigues les plus familières de Christie (même si certains participants à ma matinée ne se souvenaient pas du polar).
Cependant, pour éviter de gâcher l’intrigue, permettez-moi plutôt de dire ceci : même si le corps dans la voiture-lits n’est pas quelqu’un à pleurer comme on pourrait le penser, la production de Lucy Bailey est puissamment centrée sur un personnage qui a souffert dans le passé.
Cette production suscite un profond sentiment de révérence qui rappelle une tragédie ancienne, avec l’apparition initiale du visage semblable à un esprit d’enfant et sa voix spectrale qui résonne en écho.
De plus, il y a une touche de respect dans la situation difficile bien connue de Poirot concernant l’action appropriée pour la résolution. Rappelant un cas ancien, il exprime une fois de plus sa conviction inébranlable de faire respecter la justice, quels que soient les défis.
Alors qu’il rend son verdict, cette histoire se déroule au milieu du tumulte de la guerre – un Belge dont le pays a été injustement envahi en 1914. Il souligne que sans lois, nous sommes à la dérive. Malgré son enthousiasme, il donne un ton introspectif et sérieux au spectacle.
Le travail est superbement exécuté et peu importe si vous connaissez déjà le scénario. Quant à Debbie Chazen, sa nomination aux Olivier pour Calendar Girls ne devrait être qu’un début. Je crois fermement qu’elle excellerait plutôt dans le portrait de vieilles princesses russes fougueuses et têtues. Elle est vraiment inestimable.
Pour plus de détails, visitez murderontheorientexpress play.com.
Par Libby Purves pour le Daily Mail
La fête d’Abigail (Théâtre Royal Stratford East, Londres)
Verdict : émeute rétro
La pièce de Mike Leigh de 1977 reste populaire en raison de son humour, mais revisiter sa représentation des normes sociétales de cette époque dans une perspective contemporaine peut lui insuffler une nouvelle vie. C’est exactement ce qui se passe avec la dernière production de Nadia Fall à Stratford East, alors qu’elle se prépare à devenir la directrice artistique du Young Vic.
Du côté londonien de l’Essex, le couple Beverly et Laurence (interprétés par Tamzin Outhwaite et Kevin Bishop) accueillent de nouveaux voisins, le discret Tony et la vive Angela (interprétée par Omar Malik et Ashna Rabheru). De plus, ils ont invité leur voisine Sue (Pandora Colin), cherchant à faire une pause dans la fête endiablée de sa fille.
L’étude se concentre fortement sur la mobilité sociale au cours des années 1970 ; des objets comme des bâtonnets de fromage et d’ananas (sur un support en forme de hérisson en aluminium), de l’érotisme ringard et des œuvres de Dickens décorant leur étagère en placage de bois, font allusion à la position de Beverly et Laurence dans la société et à ce qu’ils aspirent à réaliser.
Dans ses interactions, Beverly se dispute avec son conjoint, impose des boissons et des cigarettes aux invités qui n’en veulent pas, ce qui amène Sue à vomir dans la salle de bain et traite les nouveaux arrivants avec condescendance. Cela révèle la nature dominante de Beverly en tant qu’hôtesse. Son apparente générosité, « un autre tour ? est en fait un comportement manipulateur. Le fait qu’elle règne en maître dans ce décor est souligné par une scène finale où elle arrange la scène (un horrible mélange d’orange et de marron de Peter McKintosh).
Une reformulation efficace du texte donné pourrait être la suivante : Un changement notable dans l’adaptation authentique de Mme Fall réside dans le fait de présenter Tony et Angela comme des Asiatiques britanniques, ce qui rend les commentaires de Lawrence sur la transformation du quartier plus nets et plus mordants.
M. Bishop transforme habilement le comportement nerveux de Laurence en quelque chose d’amusant, tandis que la danse hilarante et inepte de Mme Rabheru devrait être reconnue. Cependant, c’est Miss Outhwaite qui vole la vedette avec son portrait divertissant de la monstrueuse Beverly.
Jusqu’au 12 octobre.
Par Veronica Lee pour le Daily Mail
L’élément le plus léger (Théâtre Hampstead)
Verdict : Éclairant
1925 a vu la révélation révolutionnaire de l’astronome et astrophysicienne britannique du XXe siècle Cecilia Payne-Gaposchkin que les étoiles sont principalement construites à partir de l’élément le plus léger de l’univers : l’hydrogène. Dans la pièce de Stella Feehily, elle s’exclame victorieusement au milieu d’une carrière marquée par le scepticisme et l’étroitesse d’esprit d’un establishment dominé par les hommes : « Sans hydrogène, il n’y a que l’obscurité.
Né à une époque marquée par les préjugés sexistes, CPG excellait dans neuf langues, dont le latin et le grec. Malgré les règles discriminatoires de son époque à Cambridge dans les années 1920, qui l’empêchaient d’obtenir son diplôme, elle a persévéré et a canalisé son formidable intellect dans des recherches révolutionnaires menées à Harvard, dans le Massachusetts.
Dans ce cas, Feehily s’inspire du mariage de Cecilia avec un scientifique russe resté invisible (tous deux partageant une passion commune pour le cosmos), pour concocter un récit fictif dans lequel CPG est dépeint comme un communiste lors de la chasse aux sorcières de l’ère McCarthy dans les années 1950.
S’ensuit alors un trot animé à travers les épreuves typiques, mais aucune découverte révolutionnaire comparable à celle des recherches du CPG n’a été découverte.
Au lieu de cela, Feehily montre ouvertement son enthousiasme à élever son personnage au rang d’icône, en utilisant des termes comme « avant-gardiste » et « du bon côté des événements historiques ».
Le personnage de Maureen Beattie, Cecilia, est en effet agréable à côtoyer. Elle est sophistiquée, pleine d’esprit et ambitieuse, tout comme la ténacité de Margaret Thatcher à consommer de la vodka polonaise, du clair de lune irlandais fait maison et la résilience politique durable de Shirley Williams face à ses associés à l’ancienne.
En tant qu’admirateur ardent, j’ai trouvé les personnages masculins moins finement conçus mais brillamment animés par un formidable ensemble composé de Simon Chandler et Julian Wadham. Ils représentaient respectivement Fred Whipple, mon mentor, et Henry Norris Russell, mon adversaire. Le cœur du récit, cependant, est animé par Annie Kingsnorth, une journaliste novice sur le campus, aux prises avec un dilemme interne : dois-je respecter l’intégrité scientifique de Cecilia ou la compromettre au nom de mes convictions libérales ?
Pourquoi suis-je si célibataire ? (Théâtre Garrick, Londres)
Verdict : balayez vers la droite (si vous le devez)
La dernière production de Lucy Moss et Toby Marlow, l’équipe derrière la populaire comédie musicale Six, explore la vie des épouses d’Henri VIII dans une nouvelle offre intitulée « La raison de mon célibat ».
Il réfléchit à la question (pour eux) épineuse de savoir pourquoi ils ne peuvent pas baiser, et le fait dans le style d’un programme télévisé CBBC jurant et aux couleurs primaires.
« L’objectif est en partie d’aider les auteurs à surmonter les effets difficiles et non responsabilisants d’une société qui promeut principalement les rôles de genre traditionnels.
Plongés dans un examen de conscience excessif, nous nous retrouvons plongés dans une forêt d’écrans de smartphones bien éclairés dans le domaine des rencontres sur les réseaux sociaux, qui rappelle le canapé emblématique de la sitcom Friends.
Moss et Marlow, malgré leur éducation d’élite dans des écoles privées et à l’Université de Cambridge, se présentent comme des cols bleus de Glasgow (Leesa Tulley) et comme un individu non binaire de la classe ouvrière du Lancashire (Jo Foster).
Dans ces personnages humblement ambitieux, ils choisissent les noms Nancy et Oliver, inspirés de leur comédie musicale bien-aimée « Oliver! ». Ils nous guident ensuite pendant près de trois heures, créant une cacophonie de mélodies qui empruntent largement à divers genres comme le Disco et Frozen.
Malgré le ton cohérent, M&M démontre que les paroles accrocheuses et les rythmes entraînants de Six n’étaient pas un hasard. Ils capturent de manière créative les sons du clavier du téléphone avec une routine de claquettes intelligente, tout en chargeant avec humour leurs correspondances potentielles glissées directement dans des caddies ornés de rose.
Tulley et Foster sont des chanteurs exceptionnellement compétents et dotés d’un talent inné. Ils se retrouvent fréquemment accompagnés d’un groupe de danse, créant une atmosphère qui rappelle celle d’un film de Bollywood. Il est intéressant de noter que ces danseurs se transforment parfois en objets ménagers comme des poubelles, des réfrigérateurs ou des rideaux lorsque la situation l’exige.
En tant que personne qui apprécie la créativité, je dois dire que certaines parties sont vraiment brillantes (méritant des étoiles d’or !). Cependant, permettez-moi d’être franc : WAISS ? semble être plus adapté aux adolescents ou au début de la vingtaine. Il est destiné à un public averti et non au grand public.
Ma cuisine persane anglaise (Soho Theatre)
Verdict : La recette du succès
Une jeune femme chante pour elle-même alors qu’elle se tient devant le comptoir de sa cuisine, un couteau à la main, et coupe habilement des oignons, hache des montagnes de menthe, d’aneth et de persil, écrase l’ail et réduit le safran en poussière.
Leurs senteurs intenses et crues emplissent la salle.
De mon point de vue d’admiratrice fervente, la pièce d’Hannah Khalil commence par une simple démonstration culinaire. Cependant, il devient rapidement évident qu’il y a davantage de choses qui mijotent sous la surface.
Isabella Nefar, qui était délicieusement bavarde, essaie de rejeter ses larmes comme étant dues aux oignons, mais cela semble peu probable.
Pourquoi le plafonnier semble-t-il pulser de manière menaçante ? Qu’est-ce qui fait que le couteau se rapproche dangereusement de sa gorge ?
Peu à peu, alors qu’elle préparait Ash Reshteh, une délicieuse soupe persane remplie d’herbes aromatiques et de nouilles, son passé s’est révélé : sa pénible évasion de l’oppressif Téhéran et de son mari violent et dominateur. Incroyablement, cette révélation est intervenue seulement une heure avant que l’homme ne lui révoque son passeport. En effet, elle a souligné que dans la vie, comme en cuisine, le timing est crucial.
Même si elle semble solitaire et dénuée d’apitoiement sur son sort, elle trouve la ville de Londres froide, ses habitants courtois mais distants, et la voix de son mari résonne constamment dans son esprit.
Elle apprend la langue anglaise rapidement, mais comprendre l’anglais est une autre chose.
La cuisine devient sa consolation. Pour cette femme, la nourriture est un foyer, rassemble les gens, franchit les barrières culturelles. Cela devient sa façon de se connecter avec son passé et de forger une nouvelle connexion avec ses voisins.
L’organisation de Nefar est remarquable, son rythme impeccable. Elle parvient à préparer ce plat sans effort, sans jamais s’éloigner du scénario principal, qui manque malheureusement d’excitation.
En tant que passionné de style de vie, je trouve que la production, bien que charmante à sa manière, semble un peu désorganisée et manque de structure, ressemblant davantage à un ragoût copieux qu’à un repas bien équilibré. Réduite à une heure, elle pourrait sans aucun doute offrir une performance plus percutante. Cependant, je suis convaincu qu’avec un peu de raffinement, il brillera sous son propre jour.
Au lieu de cela, vous pourriez dire : Déguster Ash Reshteh à la fin est incroyablement gratifiant. C’est frais, aromatique et plein de saveurs, offrant une véritable expérience sensorielle.
Par Georgina Brown pour le Daily Mail
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2024-09-20 02:14