Critique d'En attendant Godot : "Laurel et Hardy" de Beckett soulève le sombre Godot

En attendant Godot (Théâtre Royal Haymarket, Londres)

En tant qu’amateur d’opéra chevronné ayant un penchant pour la grandeur et la complexité de ces représentations intemporelles, je dois admettre que je me suis trouvé plutôt déconcerté par la production d’Eugène Onéguine du Royal Opera. La scène, dépourvue de décors et pleine de particularités, semblait avoir été pillée par les antiquaires de Poutine.

Verdict : Torture exquise

Chaque nuit, l’horloge sonne minuit et le temps avance inévitablement. Malgré ma longue carrière de critique, j’ai habilement esquivé la production d’En attendant Godot. Bien que j’aie lu cette pièce à l’école, l’exploration profonde de l’angoisse existentielle par Samuel Beckett est restée intacte jusqu’à présent, me laissant intacte comme une vierge intacte.

En tant qu’admirateur dévoué, j’ai longtemps hésité à revoir cette œuvre futile, pensant en avoir déjà saisi l’essence. Les innombrables distinctions qu’il a reçues m’ont donné l’impression d’en avoir déjà été témoin. Cependant, étant étroitement contrôlé par la succession Beckett, avec des instructions scéniques méticuleuses qui doivent être suivies, je m’attendais à peu de changements par rapport aux productions passées.

L’arrangement de deux hommes anticipant, en vain, l’émergence d’un sauveur mythique nommé Godot est largement reconnu. Comme l’a déclaré Kenneth Tynan, célèbre critique de théâtre du XXe siècle, un simple coup d’œil à la liste des acteurs montre clairement la fin : Godot ne se présente jamais. Cependant, il n’y a pas vraiment besoin d’une alerte spoil puisque c’est l’essence de la pièce. Le sentiment est résumé dans la phrase lugubre « nous sommes nés à califourchon sur la tombe, la lumière du jour brille un instant, puis c’est à nouveau la nuit ». Comprendre la pièce ne consiste pas seulement à comprendre son contenu ; il s’agit d’éprouver sa mélancolie.

Il est plus agréable de voir une pièce jouée en direct plutôt que de la lire dans un scénario. Le lire peut ressembler à un morne plan d’abandon. Mais sur scène, cela se transforme en un duo comique presque joyeux qui rappelle Laurel et Hardy, parfois interrompu par un personnage flamboyant nommé Pozzo (joué par Jonathan Slinger), qui ressemble à un grand écuyer, et son compagnon, Lucky (joué par Tom Edden). , qui est représenté comme une bête de somme humaine.

Critique d'En attendant Godot : "Laurel et Hardy" de Beckett soulève le sombre Godot

Comme Godot ne se présente pas, la soirée devient un jeu d’attente, et ces deux-là – Msamati et Whishaw – excellent à passer le temps. Whishaw incarne un personnage plus maigre et plus anxieux, qui rappelle Stan Laurel. Il est plein de contractions et a un côté tendre et nostalgique. D’un autre côté, Msamati joue le rôle d’un personnage plus âgé, plus lourd, semblable à celui d’Oliver Hardy, souffrant de douleurs aux pieds. Il est plus triste, plus cynique et sujet à l’irritabilité.

Slinger, en revanche, éclipse presque tout le monde avec son portrait arrogant d’un écuyer snob, coiffé d’un chapeau Homburg. Désirant validation et admiration, il attise la jalousie et le dégoût parmi les vagabonds en buvant une bouteille de vin et en grignotant un pilon de poulet. Pendant ce temps, le personnage d’Edden, Lucky, détourne l’attention avec sa performance baveuse et morte-vivante qui se transforme en un sermon bizarre rempli de jargon religieux.

James Macdonald a soigneusement recherché dans le texte toute trace d’humour ou de réconfort, donc même si je n’ai aucune base de comparaison, je suppose que c’est aussi bon que possible. Endurer ces deux heures et quarante minutes incessantes était un défi, c’était peut-être l’intention. Mais pour moi, mon attente est enfin terminée. Après tout, j’ai assisté à la réunion prévue avec Godot.

Jusqu’au 14 décembre.

Marilyn donne un coup de pouce à la politique américaine complexe

Ici en Amérique (Orange Tree Theatre, Londres)

Verdict : Étoiles et frappes

Arthur Miller, un dramaturge américain de renom, a pris la ferme décision de ne jamais collaborer avec Elia Kazan, un éminent metteur en scène, encore une fois après que Kazan ait désigné ses associés comme communistes devant le comité des activités anti-américaines de la Chambre des représentants en 1952. La pièce stimulante de David Edgar explore sur les raisons derrière les actions de Kazan et sur le fait intrigant que Miller, qui a également été convoqué par le comité en 1956, a finalement choisi de travailler à nouveau avec Kazan, sur leur production d’After The Fall.

Essentiellement, il se concentre sur l’idéalisme versus l’aspect pratique, un thème commun dans les célèbres pièces politiques d’Edgar. Cependant, ces débats intenses sont rendus plus accessibles et moins lourds grâce à l’apport émotionnel fourni par la première épouse de Kazan, Molly Day Thacher, et la seconde épouse de Miller, Marilyn Monroe. Sans leur influence, les discussions entre hommes pourraient ressembler aux fastidieuses délibérations d’un comité.

Dans la production bien équilibrée de James Dacre, Shaun Evans dépeint Kazan comme un irritant moral, défendant ses actes de trahison de ses amis parce qu’ils étaient dus pour cela, qu’il cherchait seulement du travail et qu’ils auraient agi de la même manière. Michael Aloni, quant à lui, incarne Miller avec un air de rigueur éthique, se retrouvant dans des circonstances moins désastreuses puisqu’il n’a jamais (contrairement à Kazan) été membre du Parti communiste).

Faye Castelow incarne Molly qui pousse les hommes à aller droit au but, tandis que le personnage de Jasmine Blackborow, Marilyn, tient fermement à ce que Miller maintienne sa position de ne pas révéler de noms (pour laquelle il a été condamné à un an de prison avec sursis). La raison de ce regain d’intérêt pourrait être que l’Amérique est à nouveau divisée en elle-même.

Jusqu’au 19 octobre.

Ce guerrier romain aurait bien besoin de se mettre en colère

Coriolanus (National Theatre, Londres)

En termes plus simples, Coriolanus, un personnage de la pièce de Shakespeare, peut être comparé au footballeur dur et capricieux Roy Keane des temps anciens. C’était un guerrier romain qui faisait preuve d’une immense puissance, conquérant rapidement des villes comme un corps céleste. De plus, tout comme l’ancien capitaine de Manchester United, Coriolanus est souvent dépeint comme un artiste dans le feu de l’action, enclin à une colère explosive. Cependant, contrairement à Keane, le personnage joué par David Oyelowo dans diverses adaptations est plus poli, reflétant son rôle de paisible Martin Luther King Jr. dans le film Selma de 2014.

Demandez-lui de s’abaisser pour plaider de manière convaincante en faveur de sa nomination comme consul par les Romains, puisqu’il est présent ici, et le général, habituellement capricieux, pourrait exploser dans une explosion écrasante. Il semble s’agiter plus vite qu’une montre. Cependant, la production remarquable de Lyndsey Turner transforme son récit en une ressemblance inquiétante avec des films de science-fiction dystopiques comme The Hunger Games. Avec une musique de fond qui rappelle le cinéma, les discussions profondes de la pièce sur le populisme politique sont rarement mises en avant.

Plutôt que d’éclipser l’ensemble d’Es Devlin, c’est le brutalisme néo-fasciste qui se démarque avec force. La pièce se déroule principalement dans un décor de musée, entouré de colonnes, de bustes et de la statue emblématique de Romulus et Remus allaitant une louve. Ce contexte historique sert de toile de fond vivante à des personnages tels que les manifestants qui le défigurent (dans une référence subtile à Just Stop Oil), faisant du passé non seulement une histoire mais aussi le présent qu’ils habitent.

À la manière d’une séance photo, les acteurs repositionnaient fréquemment les meubles, ce qui aurait pu agiter un personnage comme Coriolanus. Cependant, le portrait du chef de guerre que donne Oyelowo est calme et posé. Il joue plus comme un Raheem Sterling légèrement irritable que comme un milieu de terrain féroce au caractère explosif. Il n’y a aucune raison de s’alarmer.

Jusqu’au 9 novembre.

Un visage dans la foule (Young Vic, Londres)

Verdict : Touché et raté

En tant qu’ardent admirateur, je dois dire que la dernière création musicale d’Elvis Costello, intitulée « A Face In The Crowd », est tout simplement extraordinaire ! Le rythme et les paroles de cette production sont tout simplement exceptionnels. Cependant, je ne peux m’empêcher de remarquer une représentation moins pénétrante de la politique américaine, ce qui est légèrement décevant compte tenu du sujet.

Lorsque l’émission télévisée de Marcia connaît une augmentation significative des audiences, Larry a l’opportunité d’animer sa propre émission. Dans ce nouveau rôle, Larry devient trop agressif et est sélectionné pour soutenir un candidat républicain timide lors de sa campagne présidentielle. Ce scénario évoque le souvenir de personnalités controversées comme Steve Bannon soutenant Donald Trump.

La composition musicale diversifiée de Costello est remplie de morceaux rock puissants, et la chanson titre sert d’hymne passionné et imprégné de gospel. Il y a aussi de doux airs country et western qui rappellent la tarte aux pommes faite maison. Costello montre son talent d’écrivain de jingle dans une publicité humoristique pour Vitajax, une pilule de dynamisme. Plus tard, il présente une fête animée célébrant la consommation de viande rouge, de sang et de sauce piquante.

Dans une formulation différente : Ramin Karimloo, qui donne vie et esprit au spectacle dans le rôle de M. Rhodes, joue avec énergie et chante avec puissance, faisant même sonner la politique amère comme de la barbe à papa. Cependant, cela ne génère pas beaucoup d’alchimie avec la Marcia plutôt formelle d’Anoushka Lucas, dont la voix est faible et rappelle tristement Norah Jones.

Kwame Kwei-Armah a réuni un groupe efficace pour son dernier spectacle au Young Vic, cependant, les interprètes semblent perdus dans de vastes zones en écho sur la scénographie vintage des années 1950 d’Anna Fleischle. L’aspect musical est agréable pendant deux heures et demie, mais sur le plan comique, il n’a pas l’impact escompté – pas tout à fait la marque comme prévu.

Asi Wind, incroyablement humain (Underbelly Soho)

Verdict : Véritables aveux d’un escroc

Revu par Georgina Brown pour le Daily Mail

Avez-vous entendu dire que les solutions possibles pour un Rubik’s cube totalisent 43 quintillions, ce qui est suffisant pour s’étendre de la Terre à Pluton plus de 730 fois ? Dans sa récente performance étonnante, l’illusionniste Asi Wind parvient à résoudre non pas un, mais deux Rubik’s cubes simultanément, les yeux fermés ! Le spectacle semble magique, mais il s’agit d’un véritable savoir-faire ; une démonstration fascinante de la perspicacité mentale de Wind, de sa mémoire extraordinaire et de sa dextérité dans les deux mains. Le secret réside dans un algorithme.

Quel est son principal argument ? Wind remet en question le concept de magie en le renversant. D’une manière directe, il déclare : « Je vous tromperai fréquemment », révélant son jeu de cartes comme preuve. Une étincelle brille dans ses yeux, suggérant qu’il est connu pour être un menteur exceptionnel. En effet, personne ne ment comme Wind.

Dans une tenue noire décontractée, il ressemble plus à un professeur de mathématiques qu’à un artiste de scène. Il privilégie l’action aux mots et sa conversation est simple. Pourtant, pendant 80 minutes stupéfiantes, remplies d’étonnement et de choc, il semble lire dans les pensées, manipuler magistralement un jeu de cartes, jouer des chansons cachées d’une liste de lecture secrète, déchirer une page d’Animal Farm, la brûler, puis la rattacher miraculeusement – tout cela. sans montrer aucun signe d’effort.

Une méthode créative qu’il utilise consiste à modeler subtilement un petit morceau d’argile. Tout d’un coup, la silhouette distincte d’un individu dont le nom figurait sur la carte postale d’un spectateur se matérialise, grâce à un savant jeu d’ombres, sur un écran de projection.

Au lieu de cela, il peint des figures abstraites avec de la peinture fluorescente sur quatre toiles individuelles. Lorsqu’ils sont placés ensemble, ils forment le portrait d’une célébrité différente, choisie par un membre du public. La ressemblance frappante de « X » devient visible sous la lumière ultraviolette.

Mon enfant faisait partie des personnes invitées à monter sur scène avec un ballon. L’un d’eux, lui appartenant, semblait avoir une vie propre.

Il prétend que tout est véridique, mais les actions sont plus éloquentes que les mots. Wind semble être un escroc expert, un maître de la tromperie.

Eugène Onéguine (Opéra Royal)

Verdict : Pas de sets, pas d’idées sauf des bêtes, bien chantées

Opéra de Tully Potter pour le Daily Mail

La scène semble presque vide et la tenue vestimentaire semble étrangement inadaptée, ce qui suggère que peut-être quelqu’un affilié à Poutine a pris ou altéré les accessoires et les costumes d’époque. C’est comme si cet individu intrusif s’était infiltré partout. Cependant, vous pouvez trouver de beaux vêtements légèrement usés dans les friperies associées aux hospices.

Il semble probable que le réalisateur ait été enlevé par des trafiquants d’êtres humains et transporté au Rwanda. Cependant, n’est-il pas merveilleux que les acteurs et les chanteurs aient réussi à improviser face à cette situation inattendue ? Cela rappelle l’esprit de débrouillardise affiché pendant la Seconde Guerre mondiale…

Je regrette de dire qu’il me semble avoir négligé certains détails en lisant le livret, basé sur le roman en vers de Pouchkine. Par conséquent, des incidents assez particuliers se produisent. De plus, il semble y avoir un manque notable de serfs pour effectuer des tâches telles que aller chercher et transporter, un phénomène courant dans la Russie du début du XIXe siècle.

Madame Larina et l’infirmière Dasha (Filipyevna) apportent avec elles leurs propres sièges au début, ce qui m’inquiète de plus en plus à propos de ces chaises (puisqu’il semblait y en avoir trois, autant chanter « Trois sièges pour Tchaïkovski ! »). Plus tard, Olga utilise ces chaises pour extraire la lettre de Tatiana à Onéguine – étant donné qu’elle en oublie des parties importantes, il doit posséder une capacité extraordinaire pour interpréter les parties manquantes.

Une chaise disparaît bientôt. L’autre surgit dans les endroits les plus improbables, même dans la scène du duel, et sert à Olga pour faire des choses très coquines avec Onéguine (c’est le personnage de Monsieur Darcy) qui ne sont ni dans Pouchkine ni dans le livret.

En tant qu’admirateur dévoué, je me suis retrouvé dans le rôle de Lensky, qui rappelle tragiquement M. Bingley. Dans une tournure inattendue des événements, au lieu d’être abattu par Onéguine, j’ai choisi de me suicider. L’ensemble, je suppose, a réalisé que si l’arme avait été chargée, aucune répercussion juridique ne pourrait nous arriver, un peu comme l’incident malheureux impliquant Alec Baldwin sur ce tournage de Western.

Il est assez remarquable de voir comment, en seulement six ans, ceux qui travaillaient dans les champs dans la scène 1 se sont retrouvés à un grand bal à Saint-Pétersbourg, portant toujours leurs vêtements de charité d’avant. La danse peut évoquer des images de Theresa May plutôt que du Théâtre Mariinsky, mais il est important de se rappeler que les circonstances peuvent changer radicalement avec le temps.

Il semble que le chant soit assez impressionnant. Le ténor arménien Liparit Avetisyan livre une performance touchante dans le rôle de Lensky, tandis que Kristina Mkhitaryan, qui est russe mais d’origine arménienne, incarne magnifiquement Tatiana. Avery Amereau d’Amérique assume de manière convaincante le rôle d’Olga, et Gordon Bintner du Canada donne un excellent ton à Onéguine. Brindley Sherratt, qui a temporairement interrompu ses vacances pour remplacer un artiste russe touché par la malédiction de Poutine, livre un véritable portrait de Gremin. Dans l’ensemble, tous les rôles sont bien joués.

C’est principalement grâce au chef d’orchestre Henrik Nanasi que le public trouve tout cela si agréable, compte tenu de sa capacité à susciter des performances orchestrales et chorales exceptionnelles. Si Ted Huffman et Hyemi Shin, respectivement crédités comme réalisateur et scénographe, souhaitent contribuer leurs gains à une cause caritative, je propose de faire un don à la Distressed Poseurs’ Foundation.

2024-09-27 02:37