Glamour et courage s'affrontent dans le premier film d'Akaki Popkhadze à San Sebastian, « In The Name of Blood », qui obtient une bande-annonce (EXCLUSIF)

En tant que cinéaste profondément enraciné dans le monde des arts martiaux, notamment du judo, je trouve que ma pratique a profondément influencé non seulement mon être physique mais aussi ma narration. Le judo, qui met l’accent sur l’équilibre et la redirection des forces, m’a appris à trouver l’harmonie entre les aspects visuels et narratifs du cinéma. Florent Hill, mon compagnon de judo d’enfance, me sert de point d’ancrage pour trouver cet équilibre délicat.

Dans le premier film d’Akaki Popkhadze, « Au nom du sang » (également connu sous le nom de « Brûle le sang »), l’allure et le charme raffinés de Nice sont dépouillés pour révéler une réalité plus crue. Cette exploration révélatrice est présentée en première dans la section Nouveau Directeur à Saint-Sébastien.

Le réalisateur explique à EbMaster que Nice est une ville où les riches et les moins fortunés résident à proximité. Il note que les zones pauvres ne sont qu’à quelques minutes en tramway du centre-ville, ce qui évite un long trajet en voiture pour être témoin de la pauvreté. Il remarque en outre que ce qui distingue Nice, c’est la coexistence d’habitants pauvres au milieu de palmiers, de paysages époustouflants, de voitures de luxe, de casinos, de zones touristiques animées et d’opulence – un spectacle qui peut dérouter les gens et les égarer en termes d’aspirations de vie. Mais à son avis, toute cette grandeur n’est que superficielle.

La caméra effectue d’abord un panoramique depuis une vue pittoresque de la baie de Nice, révélant une zone négligée avec une clôture grillagée, des immeubles d’habitation imposants et une autoroute très fréquentée. Cette partie négligée de Nice sert de toile de fond à un récit qui aborde les thèmes du conflit, de la religion et de la famille.

Le film a été créé par Sébastien Aubert et Leslie Jacob pour Adastra Films basé à Cannes et a déjà obtenu des préachats auprès de Canal+ et Ciné+. Il s’agit également d’une coproduction entre Beside Productions de Belgique, Gemini de Géorgie et Elly Films d’Autriche. Les ventes sont gérées par Urban Sales.

Lors de ma première rencontre avec Akaki, je me suis retrouvé à admirer grandement sa détermination inébranlable. Pour lui, ce film n’était pas seulement un projet, c’était comme une question de survie. C’est le sentiment qu’Aubert, PDG d’Adastra, a partagé avec EbMaster. « Il y a toujours une part de risque dans le lancement du premier film d’un réalisateur », a déclaré Aubert, « mais Akaki dégageait dès le départ un air de leader visionnaire. Il était à la fois exigeant et attentif dans sa collaboration. Je ne pourrais pas être plus satisfait de son premier long métrage et attend avec impatience de commercialiser son prochain projet (qui ne saurait tarder).

Dans le film, un habitant du quartier géorgien local est tué à tort, présumé être son puissant patron russe. Son fils, Tristan, interprété par le co-scénariste Florent Hill, qui aspire à devenir prêtre orthodoxe, se retrouve désormais avec sa mère en deuil. Au milieu de ce chaos, entre en scène Gabriel, interprété par Nicolas Duvauchelle (« Un homme honnête »). Il est le frère aîné de Tristan au passé trouble, motivé par l’honneur et la vengeance. Ensemble, ils sont entraînés dans la partie sombre de Nice, attirant l’attention d’un chef du crime local, brillamment interprété par Denis Lavant (« Holy Motors »).

Le film se démarque des films policiers typiques en raison de son exploration de thèmes comme la foi et la famille. En particulier, le personnage de Catherine, interprété par Ia Shugliashvili (« Ma famille heureuse »), aspire à ce que ses fils se réconcilient et mènent une vie épanouie. Ce film n’est pas qu’une chose ; c’est un mélange de genres, transformant les subtilités de vies difficiles en un thriller de vengeance à plusieurs niveaux. La cinématographie, selon Justin Vaudaux, directeur de la photographie, attire les spectateurs en utilisant seulement deux objectifs : un 8 mm et un 12 mm sur un capteur Super35. Cette technique permet au public de se sentir plus connecté aux personnages tout en les immergeant pleinement dans l’environnement.

L’histoire s’inspire de l’éducation du cinéaste où la violence faisait partie de la vie. « Je passais de plus en plus de temps dans la rue, me mobilisais dans des bagarres, allais en boîte de nuit le samedi soir et à l’église le dimanche matin. Très contradictoire, mais c’était ma réalité. Pour l’intégration dans le film, j’ai divisé mon expérience en trois vecteurs. La foi pour Tristan, la violence pour Gabriel et la famille pour Catherine.

Aux portes de Toronto et de Saint-Sébastien, j’ai eu le privilège de rencontrer le cinéaste. Au cours de notre conversation, j’étais curieux de savoir : comment vos propres expériences de dislocation culturelle et les épreuves vécues en tant qu’immigrant ont-elles façonné le récit de « Au nom du sang » ?

En arrivant en France, je me suis retrouvé incapable de parler la langue locale, ce qui a rendu mes premières années d’assimilation difficiles. Je crois que c’est mon incapacité à communiquer efficacement qui m’a poussé vers la violence, car elle semblait être l’un de mes rares moyens d’expression. Le cinéma était mon seul refuge contre ma réalité et j’ai appris le français presque entièrement en regardant la télévision toute la journée et en fréquentant le cinéma. Le seul avantage de ne pas pouvoir communiquer est que cela perfectionne votre capacité à observer votre environnement et les personnes qui vous entourent. Ce thème des émotions inexprimables et du manque de communication imprègne à la fois les frères et la mère du film.

Florent Hill et vous-même vous êtes-vous croisés pour la première fois durant votre enfance, tous deux pratiquant le judo ? L’accent mis par l’art martial sur la déviation des énergies pourrait-il influencer la façon dont vous racontez des histoires ?

En général, je suis tourmenté par des images vives qui persistent jusqu’à ce que je les capture devant l’appareil photo. Florent me guide pour découvrir le scénario qui me permet de me concentrer uniquement sur le cadre et ce qu’il contient. Puisque le Judo consiste à maintenir l’équilibre, et que je trouve un équilibre avec Florent (entre aspirations visuelles et narratives), je peux affirmer avec confiance que ma pratique du Judo aide de manière significative dans ce processus.

Pourquoi avoir fait le choix audacieux d’utiliser dans vos objectifs des focales extrêmement courtes, qui semblent déformer les sujets et la réalité ? Quels facteurs ont influencé cette décision ?

Je suis très à l’aise avec des lentilles très courtes. Le directeur photo Justin Vaudaux a fait un superbe travail car chaque plan est toujours une chorégraphie entre les acteurs, le décor et la caméra. J’aime travailler avec ces objectifs car cela m’oblige à bouger physiquement et à trouver le meilleur point de vue dans l’espace. Je peux m’approcher très près des acteurs et m’immiscer dans leur intimité, être entièrement avec eux souvent au même niveau des yeux. Je pense que cela aide à montrer un peu de leur âme à l’écran. Du moins, je l’espère.

Il est évident que vous avez une forte affinité pour les films appartenant au genre policier. Pouvez-vous mentionner des inspirations significatives ou des thèmes récurrents qui ont joué un rôle dans l’élaboration de votre projet particulier ?

J’ai une forte affinité pour les aspects peu attrayants de la réalité et je me sens attiré par l’exploration des complexités de la nature humaine, en particulier de ses côtés les plus sombres. C’est pour cela que le cinéma policier m’attire autant. Pour ce film particulier, certaines des premières œuvres de James Gray ont été une source d’inspiration importante, notamment trois de ses premiers films traitant de thèmes tels que les luttes communautaires, les problèmes familiaux, l’immigration et la criminalité. Je me retrouve profondément connecté à ces sujets, même si cela n’est peut-être pas immédiatement évident pour le public en regardant le film. Cependant, pendant le processus de création, ces idées étaient constamment présentes dans mon esprit.

Dans le récit des frères et sœurs, la mère a un impact significatif à la fois sur le récit et sur leur lien. Pourriez-vous expliquer comment vous avez créé son personnage pour qu’il ait un impact aussi profond sur l’histoire, bien qu’il s’agisse d’un personnage secondaire ?

En grandissant, j’avais un frère et une sœur, mais pendant mon séjour en France, il n’y avait que mon frère et moi. Ma sœur est restée en Géorgie. Par conséquent, mon éducation a été principalement influencée par des modèles masculins. En tant qu’enfant de chœur, j’ai principalement interagi avec des prêtres, des diacres et d’autres enfants de chœur. Dans le quartier où nous résidions, garçons et filles se mélangeaient rarement. J’ai pratiqué le judo, et encore une fois, ce sont surtout des hommes – des judokas, des entraîneurs – que j’ai rencontrés. Ma vie professionnelle s’articulait également autour de collègues masculins, en tant qu’agent de sécurité. La seule influence féminine dans ma vie était ma mère. Dans le film, le rôle de la mère est important, et pour le souligner davantage, elle est le seul personnage féminin. Catherine est un personnage secondaire qui joue un rôle déterminant dans l’élaboration des événements. Dans le film, ces hommes « durs » apparaissent comme de jeunes garçons vulnérables lorsqu’ils sont avec leur mère. Catherine revêt une immense importance dans le drame familial. Par ses paroles et ses actes, elle a un impact significatif sur le comportement de ses fils.

Dans ce film, vous remarquerez que le travail de la caméra est assez dynamique, passant en douceur entre de longs plans fluides suivant l’action et des gros plans suivant le mouvement au sein de la scène, comme le voyage d’un camion ou des tortues qui se précipitent. Ce style semble être inspiré du judo ou peut-être d’une toute autre source ?

J’aime le mouvement. Je voulais que le film ait un mouvement continu, à la main ou avec Steadycam mais sans bloquer la ligne horizontale et certains angles hollandais. Je voulais montrer au public et lui faire ressentir le tumulte intérieur des personnages et je voulais qu’il ait le vertige. Pour avoir le sentiment qu’ils peuvent tomber à tout moment. Je pense que cela montre l’instabilité des personnages. Tout le monde essaie de trouver un équilibre et de rester debout. Comme au judo, qui est une question d’équilibre, d’essayer de rester debout et de ne pas tomber.

De plus, le judo permet aux frères de se reconnecter au niveau physique grâce à un inconfort et un effort partagés, ouvrant la voie à une reconnexion émotionnelle plus profonde dans une scène ultérieure du film.

2024-09-11 15:47