Hans Zimmer aborde l'inéligibilité du score de « Dune », pourquoi « Blitz » lui est personnel et est le plus heureux de la tournée

Je trouve vraiment inspirant de plonger dans le monde de Hans Zimmer, un homme qui a créé certaines des musiques de films les plus mémorables et les plus émouvantes de notre époque. L’histoire de sa vie est aussi dynamique et complexe que sa musique, avec une carrière qui s’étend sur des décennies et d’innombrables films emblématiques.

Après avoir terminé sa tournée mondiale intitulée « Hans Zimmer Live », le studio de Hans Zimmer à Santa Monica est rempli à ras bord d’équipements musicaux.

Son espace studio est grand et accueillant, débordant de créativité. Le compositeur et musicien travaille actuellement sur un projet non divulgué. Nous sommes prêts à parler pendant 20 minutes, mais Zimmer accueille favorablement la distraction. « Plus vous êtes ici et nous discutons, moins je dois aller travailler », taquine-t-il. Nous finissons par discuter pendant une heure.

Au-delà du voyage cinématographique, j’ai eu le privilège de retrouver mes collaborateurs fréquents. Denis Villeneuve pour « Dune: Part Two » et Steve McQueen de « Blitz » sont les bénéficiaires actuels de mes talents musicaux. L’anticipation autour de « Dune: Part Two » est palpable, et même si je ne suis pas optimiste quant à l’obtention d’un deuxième Oscar, je ne peux m’empêcher d’être un peu déçu si ce n’est pas le cas. Il existe également un lien personnel profond avec le projet de Steve McQueen ; sa mère, comme la mienne, était une réfugiée juive allemande qui cherchait refuge au Royaume-Uni.

Zimmer parle également de sa joie de vivre sur la route, l’expliquant comme le moment où il se sent le plus content. De plus, il partage le lien extraordinaire qu’il entretient avec le film « Widows » et décrit comment la composition de sa bande originale a marqué un tournant important dans sa carrière.

Ce score « Blitz » est quelque chose. C’est vraiment déstabilisant. Quelle a été votre approche ?

La réaction du public n’a pas été simple à obtenir, mais elle a été délibérément conçue. Après avoir regardé le film, j’ai pensé : « Je veux créer quelque chose de discordant. Je veux que les adultes éprouvent la même confusion et la même peur qu’un enfant.

Il y a des indices partout où vous créez cette terreur pour George, qui essaie de retrouver le chemin de Londres pour rentrer chez lui. Quel instrument avez-vous utilisé pour y parvenir ?

Mon groupe est principalement composé de Molly Rogers et de Tina Guo, deux personnes avec qui j’entretiens une relation étroite. Si vous deviez demander à un violoniste ou à un violoncelliste qui consacre sa vie à produire des mélodies enchanteresses, je lui demanderais plutôt de produire des sons « dérangeants ». Par conséquent, cela impliquait des personnes que je connais bien, et il y avait beaucoup de troubles car les textures changeaient fréquemment au cours de la scène. L’objectif était d’établir des contrastes, comme par exemple lorsque les enfants sont au sommet d’un train, la musique est joyeuse.

Et ce qui se passe ensuite est tellement trompeur.

Exactement.

Qu’est-ce qui vous a parlé dans « Blitz » ?

La suggestion de Steve de regarder le film avait pour nous une signification profondément personnelle, compte tenu de notre relation étroite et de notre passé commun. Nous avons plongé dans l’histoire de chacun, discutant de nos identités et de nos origines. Il savait que ma mère était une réfugiée juive allemande pendant la Seconde Guerre mondiale en Angleterre, ayant survécu au Blitz, et il a raconté ses expériences de cette époque. Steve avait prédit que j’obtiendrais de nouvelles informations sur ma mère après avoir vu le film, et en effet il avait raison. Les histoires qui n’étaient autrefois que des anecdotes sont devenues pour moi des sentiments palpables. Steve m’a aidée à ressentir le désespoir et la peur brute qu’elle a dû ressentir en tant que jeune femme, étant considérée comme une étrangère ennemie en Angleterre. Ce n’était pas différent des expériences de George ; nous nous demandions tous les deux où trouver du soutien et de la compassion dans des endroits inconnus.

Un aspect que j’apprécie grandement lors de ma collaboration avec Steve est sa capacité à la fois de génie artistique et d’avant-gardiste. Compte tenu de l’expérience historique estimée de sa femme, il possède une richesse de connaissances et un sens aigu de l’exactitude historique. Cette combinaison permet d’exprimer des idées honnêtes mais stimulantes sans être éclipsées. Il y a toujours la tentation de recourir au travail sentimental, mais je crois avoir réussi à l’éviter tout au long de notre collaboration.

Steve est un visionnaire. Je l’ai vu récemment lors d’un festival de cinéma et nous avons parlé de cette partition, et je lui ai aussi dit « Justice pour les veuves ». Cette partition tient toujours, vous savez ?

En tant que cinéphile passionné, j’ai du mal à croire que le film captivant « Widows » soit issu d’une série télévisée britannique sur laquelle j’ai travaillé dans les coulisses – en préparant le thé et en faisant les courses. C’est presque surréaliste ! Mais maintenant, lorsque je regarde le produit fini, j’ai l’impression de boucler la boucle.

Parlons de « Dune : Part Two » et de la notation de ce monde. De retour à Arrakis, comment l’avez-vous abordé ?

Écoutez, je suis potentiellement confronté à un problème étrange, que je trouve assez intéressant en raison de la quantité de musique qui passe du premier film au second. Nous ne sommes pas une suite normale. Nous ne sommes pas comme « Pirates des Caraïbes », vous avez un thème pour Jack Sparrow qui revient. C’est différent. « Dune : Part 1 » et « Dune : Part Two » sont une seule histoire, cela n’aurait donc aucun sens pour moi de changer le thème des personnages. Je savais quelle était la dernière note du deuxième avant d’écrire la première note du premier, et j’avais en tête tout l’arc sur la façon de développer ce que nous allions faire.

Il semble que vous ayez initialement déclaré : « Il y avait une histoire que je ne pouvais pas utiliser ». En termes plus simples, vous pourriez dire : « Vous suggérez que je ne devrais pas utiliser ce style narratif particulier ». Par exemple, « Le Seigneur des Anneaux » a également utilisé cette technique narrative. Ils avaient un récit long et significatif qui nécessitait une division en raison de sa taille, ils l’ont donc divisé en trois volumes. Dans notre cas, nous le divisons en trois parties, mais nous avons été obligés de séparer le premier livre.

L’essence de mon argument est la suivante : si j’ai déjà gagné un Oscar pour le premier, il est peu probable que j’en gagne un autre pour le second. Cependant, ce n’est pas là le cœur de mes préoccupations. Mon point principal est de faire preuve de prudence avec ces règles, car les Oscars sont très importants dans notre industrie et peuvent potentiellement limiter notre expression artistique. Vous semblez laisser entendre que certaines œuvres ne seront pas prises en considération pour une nomination en raison de succès passés. Nous avons besoin de liberté pour explorer diverses voies créatives sans de telles restrictions. Denis réalisant deux films à partir d’un seul livre lourd est un exemple de cette exploration créative, et je pense qu’il a pris la bonne décision en le faisant.

Avant de me lancer dans ma tournée, les gens me disaient : « Oh, le public moderne a une capacité d’attention limitée, alors soyez bref dans vos performances. » Cependant, je trouve cette affirmation inexacte. Par exemple, « Pirates » dure 14 minutes, et je crois que « The Dark Knight » dure environ 22 minutes. Le public reste engagé tout au long. De même, lorsque Denis envisage de créer « Dune » en deux segments étendus, le public restera avec nous. Cela est dû en partie à l’importance de développer vos thèmes. Vous devez réfléchir à vos thèmes et à la façon dont ils évoluent sur une durée plus longue. Par conséquent, ne me rejetez pas sur la base de cette hypothèse. Il ne s’agit pas de moi ; il s’agit du film lui-même.

Si vous écoutez les musiques ou regardez les films, vous entendez l’évolution, disons, de l’arc de Paul, n’est-ce pas ?

Ce personnage subit une transformation significative qui s’avère difficile à décrire de manière convaincante tant pour Denis que pour Timothée, étant donné la nature peu sympathique du héros qui en résulte. Il est crucial de garantir que le public continue de vivre une expérience enrichissante, en évitant toute déception. Je crois que le rôle de la musique dans ce contexte est instrumental ; il ne dicte pas les émotions mais les facilite, offrant une voie à l’engagement du public et à l’exploration émotionnelle.

Je me souviens avoir parlé de la musique de « Dune : Part Two » il y a quelque temps, et vous avez dit que vous aviez taquiné le thème de Paul et Chani lors de vos concerts avant même que les gens sachent de quoi il s’agissait. Comment c’était de jouer ça après la sortie du film ?

Il est possible qu’une partie de ce à quoi je réfléchisse concerne le thème récurrent de mon spectacle. Dans un premier temps, j’introduis le thème avec la performance solo captivante de Loire Cotler en tant que voix de « Dune ». Elle chante seule sur scène, avec un grand écran derrière elle ajoutant à l’ambiance. Après l’entracte, Pedro Eustache interprète le même thème, cette fois orchestré. Même si le même morceau est joué deux fois, il passe souvent inaperçu et, même s’il est reconnu, le public réagit émotionnellement différemment. Essentiellement, ces quelques notes cachent un voyage émotionnel important.

Êtes-vous plus heureux sur la route ou en studio ?

Cela m’apporte une immense joie d’être en compagnie d’autres musiciens, mais réussir en tant que musicien présente aujourd’hui de nombreux défis. Gagner décemment sa vie, rester à flot et se faire remarquer sont autant de défis auxquels je suis confronté. Cependant, il n’y a rien de plus satisfaisant que de monter sur scène et de voir les autres mettre tout leur cœur dans leurs performances et ressentir la réaction du public. Pendant ces trois heures, tout le monde s’amuse énormément.

Il y a une histoire dans votre orchestre et pourquoi leurs performances chaque soir étaient spéciales, pouvez-vous la partager ?

L’histoire de mon orchestre est tout simplement la suivante. Nous avons déjà joué avec cet orchestre d’Odessa, en Ukraine, et nous les avons vraiment aimés, alors nous les avons réservés à nouveau. Mais le COVID a frappé, donc nous n’avons rien pu faire. Lorsque nous étions prêts, nous les avons appelés et leur avons dit : « Emballez vos violons. » Mais la guerre a commencé et nous n’avons pas réussi à faire sortir tout le monde. L’une des voitures du violoniste était tombée en panne alors qu’elle tentait de traverser la frontière et, par pur hasard, l’un des autres membres de l’orchestre l’a aperçu et l’a emmené en voiture. Alors maintenant, nous avons cet orchestre qui, pendant trois heures chaque soir, ne peut pas répondre au téléphone. Ils ne savent pas si leurs maisons sont bombardées. Une nuit, quelqu’un n’a pas pu retrouver sa mère, mais le lendemain, quelqu’un l’a trouvée. Ce sont des choses constantes et réelles qui se produisent.

Une fois la tournée terminée, ils se sont retrouvés dans l’impossibilité de revenir, mais heureusement, le gouvernement allemand a généreusement fourni un logement à chacun. Je pourrais partager d’innombrables histoires sur les individus qui m’entourent, chacun avec des parcours de vie remarquables qu’ils transmettent magnifiquement à travers leur musique. Chaque note qu’ils jouent est imprégnée d’émotion : du sang, de la sueur, des larmes et un dévouement inébranlable. C’est cette intensité de collaboration avec les gens qui m’apporte de la joie. Les voir repartir avec de larges sourires sur leurs visages me remplit le cœur.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.

2024-11-28 20:47