En tant que critique de cinéma chevronné avec un penchant pour le cinéma européen et un faible pour les films en noir et blanc qui capturent les dessous crasseux de l’histoire, je dois dire que « La Fille à l’aiguille » m’a complètement captivé. Ce film témoigne du pouvoir de la narration lorsqu’il s’agit de découvrir les recoins sombres de notre passé et de les mettre en lumière à la vue de tous.
En lisant initialement le scénario de « La Fille à l’aiguille », le cinéaste polonais primé Michal Dymek a affirmé que des visuels mentaux vifs étaient immédiatement apparus : des images austères et enveloppées d’un bidonville danois délabré, où les ouvriers des ateliers clandestins pendant la Première Guerre mondiale se penchaient sur des machines bruyantes.
Il a observé des scènes remplies de cadrages classiques qui présentaient des zones délabrées et confinées où des individus en détresse étaient piégés.
Selon Dymek, c’était « tout simplement exceptionnel, puissant » – cela rappelait les meilleurs scénarios qu’il ait rencontrés. Immédiatement, il fut convaincu que le film devait être tourné en noir et blanc. Il explique : « Je voulais construire une machine à voyager dans le temps, voyez-vous. Puisque notre seule véritable connaissance de cette époque vient des images en noir et blanc, il était essentiel pour nous de la filmer de cette façon.
Au cours des deux années de préparation, alors que le projet évoluait vers une collaboration entre le Danemark, la Suède et la Pologne, Dymek a déclaré que les objectifs Leica Hugo avaient été choisis pour conserver les distorsions caractéristiques du vieux verre, conformément aux images d’archives authentiques représentant le début du XXe siècle. siècle dominé par les capitaines de l’ère industrielle.
Dans ce contexte sombre, il n’est pas surprenant qu’émerge le récit d’un meurtrier impitoyable, qui offre une solution – quoique à un prix – aux femmes qui luttent pour s’occuper d’enfants non désirés.
« La Fille à l’aiguille » – un film écrit par Magnus von Horn et Line Langebek Knudsen, s’inspire d’événements réels d’une époque sombre de l’histoire danoise. Le récit tourne autour de Karoline, ouvrière dans une usine textile, dont la vie devient de plus en plus périlleuse alors qu’elle s’efforce sans relâche d’améliorer sa situation.
Travailler avec von Horn sur « Sweat », un conte de 2020 sur l’obsession et la création de mythes sur les réseaux sociaux, a clairement montré à Dymek qu’ils pouvaient une fois de plus développer un vocabulaire visuel pour transmettre le sentiment de forces imminentes et étranges, comme il le dit.
Pour décrire de manière convaincante l’environnement lugubre et délabré de Karoline, joué avec une intensité subtile remarquable par Vic Carmen Sonne, Dymek a choisi des lieux proches de son alma mater, l’école de cinéma de Lodz. Ces lieux, contrairement à la Copenhague moderne et élégante, conservent un air de décadence, car ils montrent encore des signes d’être « tordus, brisés et en train de s’effondrer », un peu à l’image de l’apparence de Copenhague il y a un siècle.
Pour créer une atmosphère plus confinée et oppressante pour l’usine, l’immeuble de Karoline et les pièces au-dessus du magasin de bonbons où le mal se révèle, Dymek et van Horn ont choisi de construire des décors qu’ils pourraient complètement manipuler. Comme l’explique le directeur de la photographie : « Il fallait qu’il soit étroit, que les gens se sentent coincés, incapables de bouger et dépourvus de lumière et d’air frais.
Avec la caméra Arri Mini LF, équipée d’un capteur de couleur, ils peuvent appliquer des filtres aux images en noir et blanc, ce qui leur permet d’ajuster les tons chair et les nuances d’obscurité, comme l’explique Dymek.
Ils voulaient également que ce monde soit « désagréable », ajoute-t-il, « et qu’il sente la sueur, la fumée, la vapeur ».
Dymek explique que le rythme de la narration sera cohérent et formel, semblable au cinéma polonais de la Nouvelle Vague avec ses longs plans ininterrompus d’acteurs se déplaçant à travers les scènes. Cependant, il souligne qu’ils n’adhèrent strictement à aucune règle ni dogme. Au lieu de cela, ils choisissent de suivre le flux des émotions : ils coupent quand cela leur semble approprié et maintiennent le tir lorsque cela leur semble approprié.
Et tout aussi important, dit-il, « permettre aux acteurs de diriger la caméra ».
Les émotions en constante évolution de Sonne, oscillant entre optimisme, anxiété et chagrin, sont souvent représentées subtilement à travers des mouvements mineurs, même de loin, soulignés par des changements brusques de luminosité, avec des moments de surexposition lors de scènes d’agonie sévère, selon Dymek.
Pendant ce temps, la caméra partage les mêmes limites que la vie de Karoline, n’effectuant que des mouvements limités – souvent nécessaires pour garder l’image libre de toute allusion au 21e siècle.
Les décors de l’artiste de production Jagna Dobesz capturent avec brio l’essence de l’époque, plongeant les spectateurs dans la sombre réalité de la misère de Karoline, tout en offrant simultanément une bouffée alléchante de sa seule opportunité d’acquérir une immense fortune.
Selon Dymek, l’ajustement méticuleux des espaces et de leur éclairage a joué un rôle crucial dans son travail. Il a mentionné que tout mur initialement blanc serait immédiatement repeint, garantissant que le teint de Karoline soit toujours la teinte la plus brillante de la composition.
Dans le portrait que fait Trine Dyrholm du sinistre personnage de Dagmar, inspiré du célèbre tueur en série de Copenhague, nous trouvons une représentation plus complexe et aux multiples facettes, selon Dymek. Au lieu de l’improvisation fluide de Sonne sur le plateau, Dyrholm a adopté un style de jeu plus délibéré et méthodique. Cela a permis aux cinéastes de planifier méticuleusement les mouvements de Dagmar alors qu’elle orchestre habilement ses projets meurtriers dans son magasin de bonbons.
S’inspirant d’œuvres phares du drame noir telles que « La Liste de Schindler » et « De sang-froid », ainsi que de l’expressionnisme allemand, Dymek et von Horn ont voulu honorer ces pièces exceptionnelles qui plongent dans les royaumes de la folie en créant l’horreur psychologique de « La Fille à l’aiguille.
L’environnement sonore unique et résonnant créé par Kim Dalum, Morten Pilegaard et Oskar Skriver introduit également une couche exclusive qui identifie de manière unique leur travail, modernisant les approches traditionnelles.
En repensant au film, Dymek partage ses réflexions en disant : « Je crois que ce film a rendu hommage à la façon dont nos mentors nous ont guidés dans l’appréciation du cinéma.
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2024-11-25 12:47