En tant que cinéaste chevronné, je peux comprendre les défis auxquels Jérémy Clapin et Marc du Pontavice ont été confrontés lors de la transition de l’animation au cinéma d’action réelle. L’environnement contrôlé des films d’animation est certes réconfortant, mais l’imprévisibilité de la narration en direct ajoute une couche d’excitation palpitante à laquelle j’ai du mal à résister.
Le drame de science-fiction « Meanwhile on Earth », qui marque les débuts en direct du cinéaste Jérémy Clapin, nominé aux Oscars, pour « I Lost My Body », sortira dans les cinémas américains le 8 novembre, gracieuseté de Metrograph Pictures.
En tant que cinéphile, je le dirais ainsi : il y a trois ans, mon frère bien-aimé, Frank, a disparu dans le cosmos. Depuis, moi, Elsa (Megan Northam), suis coincée dans une boucle de chagrin, occupant un travail sans issue et cherchant du réconfort dans l’ancienne chambre de Frank ou dans la bande dessinée. Une nuit sereine sous les étoiles près d’une tour radio, un message extraordinaire résonne dans mes oreilles en provenance d’une présence extraterrestre. Ils prétendent pouvoir ramener Frank à la maison, mais le prix est élevé.
Semblable à « J’ai perdu mon corps », le film d’animation intitulé « Pendant ce temps sur Terre » a été créé par Marc du Pontavice, un producteur d’animation renommé qui a également fondé Xilam Animation. Cette production a été réalisée en collaboration avec Carcadice, France 3 Cinéma, Auvergne-Rhône-Alpes Cinéma et Umedia Ufund. Les droits de distribution de ce film à l’international sont gérés par Charades.
Ce film intitulé « Pendant ce temps sur Terre » a été présenté pour la première fois à la Berlinale plus tôt cette année, notamment dans la section Panorama. Depuis lors, il a parcouru divers festivals de cinéma, sa dernière étape étant le célèbre festival de genre de Sitges en Espagne. Il a reçu des retours positifs de la part des critiques et des festivaliers. Désormais, il devrait conquérir le public américain ce week-end.
Avant la sortie de leur film, Clapin et Du Pontavice ont eu une conversation avec EbMaster sur les avantages et les inconvénients des cinéastes d’animation lorsqu’ils travaillent sur des projets d’action réelle. Ils ont également expliqué pourquoi, malgré sa victoire à la Semaine de la Critique à Cannes et sa nomination aux Oscars, il reste difficile d’obtenir un financement pour un long métrage, qu’il s’agisse d’un film d’animation ou d’un film d’action réelle.
Utilisateur : Vous faites votre première apparition dans le cinéma d’action réelle avec ce projet. Pourriez-vous partager quelques idées sur le choix d’explorer un média différent, et cette décision était-elle planifiée à l’avance ou une conséquence des choix faits lors du développement du projet ?
Lors de notre première collaboration, nous avons uni nos forces sur le film d’animation « I Lost My Body ». Étant moi-même passionné d’animation, mon partenaire Marc a une expérience plus riche en films d’action réelle. Cependant, ce projet a été une étape importante pour moi car j’ai toujours eu envie d’explorer le travail en prise de vue réelle. Je suis constamment attiré par le fait de sortir de ma zone de confort et d’expérimenter différents médiums. Mais vous savez comment ça se passe ; l’animation prend tellement de temps qu’il peut être difficile de trouver un moment opportun pour changer. Après le succès de « I Lost My Body », il y avait de la curiosité pour mon prochain mouvement. Avec la montée en puissance, j’ai senti que ce projet nécessitait un traitement en live-action, et je pensais que Marc, avec son expérience précédente en live-action, serait un compagnon idéal pour ce voyage. Ainsi, dès la fin de la campagne des Oscars pour « J’ai perdu mon corps », j’ai commencé à écrire le scénario de ce film, avec l’intention de lui donner vie dans un format live-action.
Au fil des années que j’ai passé avec Jeremy, j’ai appris que son travail capture magnifiquement la fantaisie tirée de la réalité. Par exemple, « I Lost My Body » est un film dont la grammaire reflète l’action réelle. Il est tout à fait naturel que Jeremy envisage de représenter la vie réelle en action réelle, car c’est ce qui se rapproche le plus de l’existence réelle, et faire émerger de la fantaisie à partir de ces images semble tout à fait logique. C’était en effet la bonne histoire à raconter.
D’où est née l’étincelle qui m’a poussé à raconter cette histoire, et qu’est-ce qui m’a poussé à y incorporer ces séquences animées courtes et captivantes ?
L’inspiration pour ce scénario est venue de mon profond intérêt pour l’espace. Nous sommes attachés à la Terre, regardant continuellement les étoiles et le cosmos. Notre fascination réside dans cette étendue inaccessible. Cela revient à vivre dans le présent tout en contemplant le passé. Après tout, le passé ou le futur nous captivent parce que nous ne pouvons pas les vivre physiquement. Mon objectif était de construire un récit qui se déroule au milieu de notre monde et de notre espace, où les frontières s’estompent et où les personnages résident dans ce royaume brumeux. De plus, je voulais que des entités de l’au-delà infiltrent cette zone liminale, et l’animation servait d’outil pour créer le royaume de transition qu’elles doivent traverser, invitant les spectateurs à les rejoindre dans leur voyage.
En tant que réalisateur passant des films d’animation au live-action, j’ai trouvé difficile d’abandonner le niveau de contrôle auquel j’étais habitué. Dans le domaine de l’animation, mes personnages suivent chacune de mes commandes, la météo est toujours parfaite et les décors sont parfaitement idylliques. Cependant, dans le cinéma d’action réelle, j’ai dû m’adapter à la nature imprévisible des éléments de la vie réelle, comme les acteurs avec leurs propres nuances et les conditions météorologiques qui ne coopèrent pas toujours. C’était une courbe d’apprentissage, mais passionnante !
Phrase alternative : J’ai trouvé cet aspect passionnant car cela faisait partie du défi pour moi. Passer au live-action signifiait accepter les caractéristiques uniques de ce médium, accueillir ses éléments spontanés. En animation, j’ai un contrôle total sur mes acteurs et je peux modifier tout ce que je désire, chaque détail étant sujet à examen. Cependant, en live-action, le scénario est votre guide et après une brève répétition, vous plongez directement dans le tournage. Cela signifie faire face à des éléments naturels, à des conditions météorologiques variables et à de nombreux facteurs imprévisibles qui peuvent avoir un impact sur le processus de production.
Traduction : J’évolue fréquemment entre les projets live-action et animés. Travailler avec Jérémy Clapin sur « J’ai perdu mon corps » a été une expérience vraiment exceptionnelle car il pense et fonctionne comme un cinéaste d’animation, même en prise de vue réelle. Ce qui m’a marqué, c’est que Jérémy avait une image mentale très vivante de chaque scène avant de la tourner. C’est étonnant car il était encore en train de dessiner des storyboards la veille, détaillant précisément ce qu’il voulait pour chaque scène le lendemain. Vers 6h00, toute l’équipe disposerait de ces storyboards et ferait un travail impressionnant en adaptant la réalité à la vision de Jérémy. Toute l’équipe était très motivée car c’est passionnant de savoir exactement ce que veut un réalisateur et de pouvoir le réaliser. Cela était également vrai pour les acteurs, même s’ils ont trouvé cela difficile en raison de l’expérience limitée de Jérémy avec eux. Cependant, avec des attentes aussi claires, les acteurs savaient toujours ce qu’on attendait d’eux.
Quelles sont les similitudes et les différences lorsqu’il s’agit d’obtenir un financement pour une production d’animation sur le thème des adultes par rapport à une production d’action réelle de science-fiction ? Y a-t-il eu des pressions au sein de l’industrie pour produire un autre film d’animation après « J’ai perdu mon corps » ?
Du Pontavice : C’est dommage, mais aujourd’hui, lors de la création d’un film d’animation, il faut souvent justifier du choix de l’animation plutôt que du live-action, surtout si l’histoire n’est pas destinée aux enfants. Lorsqu’une histoire s’adresse aux adultes, il devient nécessaire d’expliquer pourquoi le choix n’a pas été fait pour le live-action. Cela devient moins difficile lorsque l’on travaille avec des genres tels que l’horreur, la science-fiction ou le fantastique. L’introduction d’éléments qui ne sont pas entièrement réalistes peut être plus facilement justifiée dans l’animation. Il serait cependant préférable de ne pas avoir à aborder du tout cette question ; cela ne devrait pas être une exigence.
Assurer le financement de films d’animation destinés au public adulte reste un défi, et encore plus dans ce cas. Malgré le désir de produire un tel contenu, il reste difficile de donner vie à ces projets. Je pense que le mélange des genres peut être bénéfique à cet égard. Pour attirer les plus jeunes au cinéma, il faut proposer une expérience inattendue. Vous devez les guider vers une destination qu’ils n’avaient pas initialement prévu de visiter. Cependant, y parvenir n’est pas toujours simple non plus.
D’après mon expérience, passer d’un film d’animation comme « J’ai perdu mon corps » à un autre aurait pu faciliter le processus de financement. C’est souvent plus simple lorsqu’on passe d’un film d’action réelle à un autre. Passer d’un média à l’autre semble toujours susciter un sentiment d’appréhension au sein de l’industrie. Cela demande beaucoup de persuasion et de clarification, mais je pense que nous avons suscité suffisamment d’intérêt avec « I Lost My Body » pour capter l’attention des gens. Le marché prospère grâce à la répétition, et chaque fois que vous essayez quelque chose de différent, vous ressentez une grande réticence. Dans le cas de ce film, mélanger les genres dans la science-fiction, passer des médiums à l’action réelle, sans mettre en vedette de grandes stars, ce n’était pas une formule pour réussir. Pourtant, nous avons trouvé un moyen de le faire fonctionner.
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2024-11-04 22:20