En tant que cinéphile soucieux d’authenticité et de profondeur émotionnelle, je suis profondément ému par le travail de Luca Guadagnino, en particulier par son dernier chef-d’œuvre « Queer ». L’approche du réalisateur en matière de sexe à l’écran est tout simplement révolutionnaire, le traitant comme une partie intégrante de la vie plutôt que comme un spectacle sensationnaliste. L’accent mis sur l’immersion et le réalisme permet au public de se connecter pleinement aux personnages, ressentant leur désir de compagnie et d’amour nié par la société.
Le dernier film de Luca Guadagnino, intitulé « Queer », commence par une collection de scènes – celles-ci sont comme des instantanés d’objets tels que des lunettes, des bibelots et des livres. Ces objets servent à décrire la vie des personnages principaux du film, qui sont deux hommes homosexuels échappant à leur passé et embrassant leurs désirs dans la ville de Mexico des années 1950. Ce n’est là qu’un exemple, notent les acteurs Daniel Craig et Drew Starkey, de la remarquable capacité de Guadagnino à exprimer son caractère à travers le monde physique. Cependant, il semble que cette tactique ait également une signification plus profonde.
Craig demande, assis à côté de son collègue acteur dans un studio de photographie de Manhattan : « Est-ce que ce générique d’ouverture est toujours présent ? » » s’enquiert-il, faisant référence avec humour à la suite potentielle d’une scène antérieure ou demandant métaphoriquement si quelque chose de crucial doit encore se dérouler.
« Je le pense », dit Starkey d’un ton neutre.
À mon avis, en tant que critique de cinéma, je dois admettre qu’il y avait des subtilités dans les visuels du film qui semblaient avoir été intentionnellement laissées sous silence. Craig a souligné en plaisantant qu’une autre montre pourrait être nécessaire pour détecter tous ces détails cachés. Il a fait allusion à la possibilité d’un récit plus étendu initialement prévu, mais ce qui reste ressemble à un œuf de Pâques intrigant. Quant à l’authenticité de ce supposé « extra », Craig rit et mentionna qu’il faisait partie d’une histoire complexe. Il l’a qualifié de secret bien gardé, tout comme une recette précieuse et gardée de longue date.
Plus tard, lors d’une conversation Zoom depuis Milan, Guadagnino apporte quelques éclaircissements. « Je crois que le sperme a été retiré du générique d’ouverture maintenant », explique-t-il. « Peut-être ont-ils vu une version antérieure. Il y avait effectivement une photo des draps contenant du sperme. Cependant, il est important de noter qu’il y a encore une quantité considérable de sperme tout au long du film.
Entrez dans le royaume du « Queer ». Le réalisateur Luca Guadagnino, qui avait auparavant propulsé le tennis comme symbole de passion vers de nouveaux sommets avec « Challengers » et nous avait laissé captivés par la scène intime de Timothée Chalamet avec une pêche dans « Call Me by Your Name » en 2017, est de retour avec une autre aventure audacieuse. Le film, intitulé « Queer », s’inspire de la nouvelle du même nom écrite par l’auteur de la Beat Generation William S. Burroughs en 1985. Cette œuvre était basée sur les récits personnels de Burroughs sur sa consommation de drogues, en particulier d’héroïne, et sur une romance passionnée avec un ancien militaire. (À cette époque, être gay pouvait être plus dangereux que la consommation de drogues décrite.)
Dans un nouveau film en dehors des projets James Bond ou Knives Out après sept ans, Craig incarne William Lee. Fugitif suite à une descente de drogue, Lee fréquente un bar miteux où il rencontre Eugene Allerton (Starkey), une femme belle mais distante. Au fil du temps, ils développent une relation marquée par des confessions personnelles et le partage de substances initialement montrées dans les premières scènes du film.
Le film partage des thèmes communs avec les expériences « Queer », comme le défi de la véritable vulnérabilité, tomber amoureux et faire face à l’insécurité. Cependant, il peut trouver un écho plus profond auprès d’un public gay en raison de sa représentation intrépide de la sexualité et de l’agitation intérieure qui pousse souvent les individus à utiliser le sexe comme mécanisme d’évasion. Omar Apollo, qui incarne l’un des personnages, partage ce sentiment en déclarant : « J’ai déjà été dans leur monde ». Il évoque le fait d’être dans une chambre d’hôtel avec quelqu’un, ce qui, selon lui, est une expérience familière pour lui, compte tenu de sa propre identité queer.
La version initiale du film durait environ trois heures et demie, mais le réalisateur Craig a estimé qu’il fallait le voir car il comporte plusieurs couches. Bien qu’il ait été raccourci à environ 135 minutes, « Queer » reste vaste, accueillant à la fois une représentation honnête de la sexualité masculine et des éléments de séquences oniriques bizarres. C’est un mélange unique, offrant l’une des représentations les plus directes de l’amour gay à l’écran depuis « Brokeback Mountain » (allant même au-delà de « Call Me by Your Name » de Guadagnino, qui évitait quelque peu ses scènes d’amour cruciales). Essentiellement, c’est comme vivre un voyage psychédélique à la fois poignant et joyeux.
Pour Craig, assumer le rôle dans « Queer » représente un défi important pour sa célébrité établie, car il ne s’agit pas d’un film à succès typique. En fait, c’est assez risqué. A24, qui a acquis le film plus tôt cet été avant la saison des festivals, prévoit de le sortir dans un nombre limité de salles le 27 novembre. Nous verrons combien de fans de Craig, et potentiellement d’électeurs de récompenses, décideront de l’accompagner dans ce voyage. Quant à Starkey, il a la chance de faire ses débuts dans « Queer ». Après avoir impressionné dans le rôle du rebelle Rafe Cameron dans « Outer Banks » de Netflix, c’est l’occasion pour lui de jouer aux côtés d’une star de cinéma et de démontrer qu’il peut largement suivre le rythme.
En unité, le duo a façonné un récit d’amour unique qui rappelle le trio de « Challengers », dirigé par Zendaya. Au cœur de tout cela se trouve une profonde affection les uns pour les autres, comme l’explique Starkey. « Cela transcende les mots, transcende leurs formes physiques – et même la capacité d’Allerton à l’exprimer », dit-il. En raison des normes sociétales et de leurs propres contraintes, Lee et Allerton découvrent des liens profonds et intenses, brefs mais puissants. Les scènes intimes entre eux pourraient provoquer un malaise parmi les téléspectateurs de la génération Z, qui ont exprimé leur préférence pour que les scènes d’amour soient exclues des films.
Craig répond : « Je ne le connais pas ; je ne peux pas faire de commentaire sur les préférences des jeunes générations concernant les scènes de sexe dans les films.
En réfléchissant, je ne peux m’empêcher de me demander si ce que je dis est vrai, je ris. Peut-être est-ce dû au rugissement assourdissant d’opinions qui résonnent dans le paysage numérique.
Pour les séquences passionnées de « Queer », Craig souligne : « Il est important de vérifier votre fierté dès l’entrée. Vous devez simplement vous détendre et vous abandonner. Il n’y a pas de frontières.
Starkey commente : « C’est ce que j’ai retenu de vous. » Il n’y a absolument aucune trace de fierté personnelle. Je n’ai jamais vu un acteur aussi décomplexé que toi », ajoute-t-il.
Aux premières lueurs du mois d’octobre, après la première du film au Festival du film de New York, Craig et Starkey se sont retrouvés engagés dans une conversation. La nuit précédente avait été marquée par une projection bondée, culminant par une célébration du centre-ville à l’emblématique hôtel Chelsea. Pour ajouter à son ambiance déjà intrigante, des personnalités notables telles que le dramaturge Jeremy O. Harris, Evan Ross Katz (une Cindy Adams des temps modernes) et d’autres ont honoré l’événement, tous impatients d’applaudir le film. Niché dans la salle de bal au rez-de-chaussée, le réalisateur Guadagnino a chaleureusement accueilli ses deux acteurs principaux, symbolisant leur lien fort.
Le réalisateur, né en Italie, a réuni les acteurs du film « Queer » ; cependant, ce film se déroule au Mexique. Au lieu de cela, Craig et Starkey ont préparé et filmé le projet à Cinecitta, un studio bien connu à Rome où des réalisateurs légendaires comme Fellini, Rossellini et Visconti ont créé leurs chefs-d’œuvre. Un peu plus d’un mois s’est écoulé depuis la présentation du film au Festival international du film de Venise, où il a reçu une standing ovation de neuf minutes et a catapulté Starkey dans la gloire sur Internet avant même que beaucoup aient vu le film. En gondole avec Apollo et sourires éclatants aux photographes sur le tapis rouge, l’acteur de 30 ans est devenu la nouvelle venue remarquée du festival.
Starkey remarque : « C’est incroyablement déroutant. » Il admet : « J’ai du mal à tout comprendre ; cela semble irréel et absurde. Cependant, je fais de mon mieux pour rester concentré et calme. Je vis ici et maintenant, mais tout pourrait changer radicalement d’ici un an.
Craig remarque souvent : « Je dis toujours », souligne-t-il, imitant le ton grandiose d’un acteur trop confiant. « Je dis toujours. Cette entreprise est tectonique, pas une ascension verticale. Tout bouge de côté. Je connais Luca depuis 20 ans, et il nous a fallu autant de temps pour en arriver là.
L’expérience de Lee englobe non seulement des moments de complicité, mais aussi des moments où il reconnaît que son identité va au-delà du simple simple buveur occasionnel. Curieusement, le film fait allusion à une vérité plus profonde : Lee est en fait un héroïnomane et son automédication sert à échapper à la dureté de la réalité.
Craig partage qu’il a eu des expériences personnelles avec des personnes dont la vie l’a marqué de manière spécifique, lui donnant une perspective unique. Pour décrire avec précision la dépendance dans son film, Craig a consulté un expert sur le plateau. Cependant, Craig précise qu’ils ne voulaient pas se concentrer uniquement sur le retrait de Lee ; au lieu de cela, il fait partie du récit global. Bien que Lee ne cache pas ses difficultés, l’ampleur de ses problèmes de substance surprend Eugene. Selon Craig, Lee ne cache peut-être pas activement sa dépendance, mais c’est plutôt une personne fière qui choisit de ne pas afficher ouvertement ses luttes. Dans le film, Lee devient assez désordonné, mais Craig explique que Lee aspire à la dignité et à l’élégance, gardant son sang-froid tout au long de l’histoire.
Le travail de Craig dans « Queer » offre un changement par rapport à l’habituel, potentiellement une revisite de son style d’acteur initial. Avant son rôle de star d’action dans « Layer Cake », Craig, un acteur de théâtre formé à Londres, a attiré l’attention grâce à de petits drames de personnages maussades comme le film « Sylvia » de 2003. Dans cette production, il incarne le poète Ted Hughes face à Sylvia Plath de Gwyneth Paltrow.
Actuellement, il joue le rôle d’un acteur célèbre pour avoir interprété deux personnages sophistiqués dans des films à succès. Après avoir joué dans « Logan Lucky » de Steven Soderbergh en 2017, Craig a terminé son mandat de James Bond (qui se termine avec « No Time to Die » en 2021, où son personnage de Bond prend fin) et a figuré dans trois films policiers « À couteaux tirés ». . Le troisième opus, « Wake Up Dead Man », devrait sortir sur Netflix en 2025. Dans le dernier « Glass Onion » (sorti en 2022), il a été révélé que le personnage de Craig, Benoit Blanc, est un homme gay qui mène une vie heureuse. et une vie sûre, en contraste frappant avec l’existence tumultueuse et tourmentée de Lee. Son partenaire est interprété par Hugh Grant lors d’une brève apparition.
Craig mentionne qu’ils ont eu des discussions pour éviter d’aborder certaines questions. Il explique que c’est parce que le personnage de détective conventionnel vient d’un endroit inconnu. Par exemple, Columbo a une mystérieuse épouse dont l’identité reste secrète, et Craig pense que c’est pour le mieux. Cependant, il trouvait la situation trop intrigante pour y résister. Si Hugh accepte de le faire, cela règle définitivement la question.
Glass Onion », similaire à des films tels que les suites « Top Gun » et « Avatar » de cette année-là, avait le potentiel de ramener le public dans les salles de cinéma après la pandémie en raison de son succès précédent. Le film initial « A couteaux tirés », distribué par Lionsgate en 2019 a généré un revenu mondial au box-office de 312 millions de dollars. Cependant, la plateforme de streaming a opté pour une brève sortie en salles, ne le projetant que pendant une semaine.
En tant que passionné de cinéma, j’espère certainement que le prochain chapitre de ma série préférée bénéficiera d’une plus longue diffusion en salles. Je croise les doigts pour que Netflix prolonge un peu sa date de sortie, afin que les familles puissent se réunir et en faire l’expérience ensemble sur grand écran. C’est tout ce qu’ils demandaient : s’immerger dans la magie du cinéma. On croise les doigts pour que cela arrive !
« ‘Glass Onion’ est sorti », dit Starkey.
« Ouais, limité. Mais oui. Craig semble légèrement coupé lorsqu’il se souvient de la course d’une semaine.
« Oh, quoi? » » dit Starkey, incrédule.
En tant que critique de cinéma en herbe, je dois admettre que le jeune acteur dont je parle navigue dans les complexités de Tinseltown comme un marin chevronné parcourant des eaux inexplorées. Au départ, même Netflix, le géant du streaming, semblait constituer un obstacle sur son chemin. C’était après avoir décroché un rôle sous la direction du réalisateur Guadagnino. Cependant, des complications sont survenues lorsqu’il s’est retrouvé mêlé à la production de « Outer Banks », dont les producteurs ont initialement refusé de lui accorder l’autorisation de tourner « Queer ».
Starkey a ri : « Nous étions contre la montre », a-t-il déclaré. Mais Luca est resté confiant, nous assurant à plusieurs reprises : « Cela va arriver. Nous pouvons y parvenir.
« Luca ne va pas », dit Craig. « Il tire très vite et termine à temps. »
La carrière de Guadagnino n’a cessé de s’accélérer depuis sa romance de Tilda Swinton en 2009, « I Am Love », et elle a pris encore plus d’ampleur avec « Call Me by Your Name ». Cependant, cette année s’apparente au moment marquant de Steven Soderbergh pour Guadagnino. Toute son énergie accumulée est réunie dans un double long métrage sans précédent. En 2000, Soderbergh avait la vedette de Julia Roberts, « Erin Brockovich », et le drame dramatique sur le monde de la drogue, « Traffic » ; Cette année, Guadagnino propose « Challengers », un film mettant en vedette Zendaya (initialement prévu pour l’année dernière mais heureusement retardé à 2024 en raison de grèves), ainsi que le drame du monde de la drogue « Queer » en hiver. Pour ajouter à cela, il a également travaillé avec Roberts sur le thriller « After the Hunt », tourné à Londres cet été. Sa sortie est prévue l’année prochaine.
Depuis un certain temps, Guadagnino nourrissait le désir de donner vie au « Queer ». Il se souvient : « J’ai lu le livre quand j’avais 17 ans ; je me sentais perdu à Palerme, en Sicile, et dans un sens, ce livre m’a trouvé. » Dès le début de son parcours cinématographique, Guadagnino s’est efforcé d’adapter le travail de Burroughs. Cependant, admet-il, « j’avais une mauvaise approche. J’écrivais le scénario seul, en essayant d’obtenir les droits auprès des éditeurs américains, mais ils se moquaient de mes demandes au téléphone parce que mon anglais n’était pas à la hauteur à l’époque.
Après de nombreux faux pas décrits par Guadagnino, une avancée décisive a finalement eu lieu. Alors que « Challengers » était en préparation pour le tournage à Boston en mai 2022, Guadagnino a découvert que le scénariste Justin Kuritzkes partageait sa vision créative et lui a donné la nouvelle à lire. Selon Guadagnino, Kuritzkes s’y est tout de suite penché et ils se sont vite retrouvés à discuter de son adaptation. Le producteur Lorenzo Mieli, un ancien collaborateur, a rapidement obtenu les droits, réalisant ainsi le prochain projet de « Challengers » Guadagnino.
Guadagnino s’est exclamé avec étonnement car il a fallu près de 30 ans pour que le film soit réalisé, mais une fois le processus commencé, trois mois seulement se sont écoulés avant qu’il ne soit terminé. Entre le moment où il a donné le livre à Kuritzkes et celui où les caméras ont commencé à tourner, une année à peine s’est écoulée – une chronologie aussi rapide peut être attribuée à l’heureux alignement du casting.
Bryan Lourd, qui représente à la fois Guadagnino et Craig, a suggéré Craig pour le rôle de Lee. Craig a dévoré le livre en une soirée. « Je pensais », dit-il, « C’est une histoire d’amour, de quelqu’un qui s’ouvre à quelqu’un d’autre. Et si Luca est dans cette idée… ? Et c’est ce avec quoi il m’a frappé dès notre rencontre : C’est une histoire d’amour. Craig était prêt à s’inscrire.
Ayant rencontré Craig pour la première fois il y a environ vingt ans, captivé par son jeu dans le petit film d’art « Love Is the Devil », Guadagnino a ensuite exprimé une grande enthousiasme. « Il fait partie des rares acteurs et célébrités qui peuvent véritablement incarner le terme ‘iconique' », a fait remarquer Guadagnino.
Guadagnino a ajouté : « Nous avons tous deux compris que c’était une histoire d’amour. » Cela lui paraissait étrange mais réconfortant que nous semblions partager la même origine – un matériau issu du même morceau de tissu.
Guadagnino gère ses plateaux de tournage de manière particulièrement collaborative, ce qui correspond à sa quête d’individus partageant les mêmes idées. Comme Craig se souvient : « Deux jours après le tournage, le chauffeur de Drew m’a approché et m’a dit : ‘Le scénario est incroyable.' » Starkey rit à ce souvenir. « Luca lui donnerait le scénario », poursuit Craig. « C’est son style – ‘Qu’en pensez-vous ? Qu’en pensez-vous ? Qu’en pensez-vous ?’ Il valorise l’opinion de chacun. Cela rend le processus moins hiérarchique et plus inclusif.
Pendant les répétitions, Guadagnino s’est déplacé autour des acteurs pour décider de l’emplacement des caméras. Une fois le tournage lancé, il a été décisif dans ses choix. Apollo, discutant de la scène intime avec Craig, a déclaré : « Quand il a pris sa décision, c’était instantané – ‘boum’ ! Nous pouvions souvent l’entendre crier de loin. Pendant la scène où Daniel me rapproche, il a crié : » Allons partez !' » En souvenir de ce moment, l’exclamation d’Apollon fait écho à Zendaya à la fin de « Challengers », qui crie : « Allez ! » alors qu’elle regarde ses deux personnages enfin s’embrasser.
Guadagnino est peut-être connu pour sa collaboration, mais il est également réputé pour nourrir les talents. Il était tellement déterminé à confier à Starkey le rôle que, malgré une première audition fragile (comme le dit Starkey, « Ce n’était pas la couleur qu’il avait imaginée »), le réalisateur lui a permis de reprendre le rôle. « Quel privilège », dit Starkey, « Nous avons rarement de telles opportunités.
Le réalisateur a d’abord rencontré Starkey lors d’une audition auto-enregistrée pour un autre film. En le voyant, le réalisateur a pensé : « Cet homme est incroyablement attirant, je ne peux pas dire s’il joue ou non. » Il ne s’agit pas de drame ; il s’agit de ne faire qu’un avec le personnage.
Le duo s’est rencontré à deux reprises à Los Angeles : d’abord en tête-à-tête, puis avec Jonathan Anderson, un célèbre créateur de mode dont le travail englobe Loewe et la conception de costumes pour « Challengers » et « Queer ». Guadagnino a déclaré : « J’ai instinctivement senti que Starkey était destiné à devenir Eugène. Cependant, juste pour jouer l’avocat du diable, j’ai demandé à ma directrice de casting, Jessica Ronane, de mener des auditions pour le personnage. Sur environ 300 candidats, aucun n’a réussi à partir. une impression durable tout comme Drew.
Dans un e-mail, Anderson fait l’éloge de Drew en disant : « Drew était exceptionnel en raison de son talent inné. » Il exprime en outre qu’il y avait un charme unique dans le lien de Drew avec Allerton, qui constituait une base solide pour leur travail.
Les costumes d’Anderson ont été conçus pour transmettre le sentiment d’un « changement crucial alors que la mode masculine a considérablement évolué », comme il l’a expliqué. Pendant ce temps, Starkey s’est concentré sur l’authenticité en identifiant une époque spécifique du milieu du siècle où le physique masculin idéal est passé d’être musclé (associé à la créatine) à plus mince et plus tonique (en mettant l’accent sur la gymnastique). « J’ai réussi à perdre du poids grâce à ça », a-t-il déclaré. « Cette modification a affecté mes mouvements et ma respiration, ce qui a été une expérience rafraîchissante : mon corps ne ressemblait à rien de ce que j’avais jamais connu auparavant. Cette transformation s’est avérée bénéfique. » Starkey a perdu 30 livres en passant de l’haltérophilie au yoga, un choix motivé par son appréhension de paraître inexpérimenté dans un studio. Au lieu de cela, il a pratiqué le yoga tout en répétant à Rome via YouTube.
«Cela informe votre mouvement – d’une certaine manière, je me sentais plus insaisissable. Je pourrais en quelque sorte reculer », dit-il. Eugene est glissant, flexible comme Starkey ne l’avait jamais été alors qu’il échappe aux tentatives de Lee de le connaître plus profondément. Pour entrer dans la peau du personnage, Starkey a parcouru des dizaines de lunettes pour trouver la paire qui faisait ressortir le côté sérieux du personnage. Il ressemble presque à Clark Kent. Quand on compare Eugene à l’alter ego de Superman, Starkey rit. « Ouais, c’est l’Americana. Écoutez, Eugene est en fait une histoire d’origine de Superman. C’est l’Homme d’Acier lui-même.
Cependant, DC Comics pourrait trouver le parallèle quelque peu embarrassant. Le portrait d’Eugene d’un garçon entièrement américain est également marqué par une physicalité vorace et un fort désir de satisfaction. Les scènes de sexe, à la fois graphiques et révélatrices, dépeignent la tension et le désir d’une aventure d’un soir qui évolue vers quelque chose de plus profond. Selon Starkey, un coordinateur de l’intimité était présent, mais la plupart des discussions sur l’ambiance de ces scènes avaient lieu entre lui, Daniel et Luca. Ils auraient une conversation sur leurs préférences avant de se lancer.
Au cours des deux dernières décennies, depuis « Brokeback Mountain », il y a eu un changement notable dans la mesure où les acteurs hétérosexuels sont devenus plus ouverts à la représentation de personnages LGBTQ. Cependant, même « Call Me by Your Name », sorti en 2017, a rencontré des difficultés de casting en raison de l’appréhension de certains hommes de premier plan à l’idée de jouer des scènes d’amour gay dans un film d’art et d’essai indépendant. Finalement, Guadagnino a choisi de lancer les carrières de Timothée Chalamet et Armie Hammer, plutôt que de s’appuyer sur des stars confirmées. (Craig plaisante : « Eh bien, ça a payé » à propos de ce film.)
Lors des auditions, il n’a pas demandé de détails sur nos préférences sexuelles personnelles, comme l’a déclaré Starkey.
Craig hésite, mais admet qu’il n’a pas pleinement vécu le film. Il fait confiance au réalisateur et au processus de réalisation du film en raison de ses thèmes vastes et pertinents. Cependant, il croit fermement que le film n’est pas uniquement défini par ces éléments ; d’autres peuvent le percevoir différemment, c’est leur prérogative.
Guadagnino trouve à peine le sujet du roman. « Je tourne du sexe à l’écran depuis que j’ai réalisé mon court métrage ‘Qui’, à 22 ans. Je me suis toujours dit : si tu commences à donner à cette scène un niveau de conscience ou d’alarme, elle va devenir ce qu’elle est. ne devrait pas l’être. Pour le réalisateur, toute insistance particulière sur le sexe comme autre chose qu’une réalité de la vie fait sortir les spectateurs du moment présent. « La qualité signifie amener le public à s’abandonner à ce qu’il voit », dit-il, « sans le juger, sans en ressentir le caractère faux, mais en le croyant complètement ».
Complètement immersif et global, le film « Queer » plonge dans un royaume émotionnel profond. Les moments intenses et frénétiques partagés par les personnages au lit offrent un contraste saisissant avec la camaraderie et l’affection qui leur ont été refusées par une société indifférente et insensible. Guadagnino a pu tourner rapidement grâce aux liens forts qui unissent les acteurs et leurs rôles. Comme il l’explique : « Daniel et Drew ont compris que nous devions représenter l’amour. Et comment démontrer l’amour sinon par des actions, comme la façon dont les corps bougent ensemble, les visages expriment leurs émotions et les lèvres se touchent ? Ces acteurs remarquables étaient incroyablement engagés. , désireux de montrer leur passion pour le théâtre.
Starkey rejette l’idée selon laquelle les scènes explicites du film pourraient susciter la controverse. Il affirme : « Nous pouvons facilement accéder à ce type de contenu sur nos téléphones en visitant divers sites Web. Daniel et moi rions tous les deux, reconnaissant cela. Cependant, en tant que société, nous sommes trop sensibles à ce type de contenu. » Le film, poursuit-il, « est né d’un lieu sincère qui transcende les images éphémères.
Craig admet qu’il a joué dans des films avec des scènes d’amour gênantes. Il pense que ce qu’il faut, c’est un réalisateur capable de faire preuve d’empathie et de représenter de telles scènes de manière authentique, quelqu’un qui saisit vraiment – pour parler franchement – l’essence du réalisme. C’est le devoir sur le plateau de rendre la scène aussi authentique que possible.
Au lieu de cela, ils le font certainement. Cependant, les téléspectateurs qui s’attendent à un type spécifique d’ouverture physique pourraient être surpris par la vulnérabilité émotionnelle brute représentée à l’extérieur de la chambre. En plongeant dans le film, les personnages se rencontrent d’une manière inédite sous l’emprise d’hallucinogènes ; les créateurs ont réfléchi à la façon de décrire cette expérience de manière authentique à l’écran sans qu’elle paraisse peu attrayante : « Notre préoccupation était la suivante : Comment pouvons-nous décrire un voyage sous l’ayahuasca de manière convaincante sans le rendre ennuyeux ? »« , se souvient Craig. Guadagnino a proposé l’idée de faire participer les personnages à une danse synchronisée ; pendant les six premières semaines de tournage, les acteurs ont consacré leur temps libre à répéter cette routine de danse.
Un aspect important impliquait que nous nous révélions maladroitement notre manque de compétences en danse. Nous avons fini par comprendre cela à propos de nous-mêmes. Il semble qu’un moyen efficace d’établir une connexion consiste à nous humilier mutuellement, et c’est exactement ce que nous avons fait pendant plusieurs semaines », note Starkey.
Au lieu de provoquer de manière habituelle, Starkey vise à créer une distraction inhabituelle qui pourrait momentanément détourner certains spectateurs du contenu principal du film. Ayant grandi parmi quatre frères et sœurs dans l’ouest de la Caroline du Nord, il entretient des liens étroits avec sa famille et a hâte qu’ils voient le film. Il plaisante sur la façon dont les rôles seront inversés lors de leur visionnage ; il avait l’habitude de se couvrir les yeux pendant certaines scènes où ils regardaient des films ensemble, mais maintenant ce sera lui qui protégera les yeux de ses parents de sa performance dans ce film.
Grooming (Craig): Nicole Elle King/The Wall Group; Hair (Craig): Daniel Erdman; Clothing (Craig): Suit: Dries Van Noten; Shoes: Loewe; Styling (Starkey): Warren Alfie Baker/The Wall Group; Grooming (Starkey): Melissa DeZarate/A Frame; Clothing (Starkey): Sweater: The Frankie Shop; Pants: Officine Generale; Boots: Saint Laurent
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2024-11-04 22:24