Les 100 meilleurs films d’horreur de tous les temps

En tant que passionné d’horreur depuis toujours qui a bravé d’innombrables nuits glaciales et maisons hantées, je peux affirmer avec confiance que « L’Exorciste » (1973) et « The Texas Chain Saw Massacre » (1974) se démarquent comme des classiques incontestés du genre.

Les films d’horreur peuvent être considérés comme l’équivalent d’un cauchemar vivant et éveillé. Ils nous offrent une chance d’affronter nos peurs cachées de front, que ce soit pour nous amuser ou pour vraiment nous faire peur. La terreur à l’écran se présente sous toutes les formes et toutes les tailles, depuis des monstres classiques comme Frankenstein et Freddy Krueger, jusqu’à des menaces plus réalistes telles que la maladie mentale, ou même des membres difficiles de la famille (comme ceux décrits dans « Get Out »).

Lors de la création d’un classement des réalisations les plus remarquables du genre, nous avons tout pris en compte – des chefs-d’œuvre sophistiqués aux airs DIY, du pur trash aux classiques comme Hitchcock (dont « Psycho » occupait la première place dans notre liste des « Meilleurs films », mais je ne suis pas arrivé ici). Nous avons retracé ce voyage jusqu’à la naissance du cinéma. Certes, nous avons sauté les premiers instants : la rumeur veut que le public ait été terrifié en voyant arriver un train à la gare de La Ciotat dans le premier téléréalité des frères Lumière. Cependant, nous ne qualifions pas cela d’horreur, même si cela a effectivement montré la capacité du cinéma à effrayer les gens.

Au cœur de chaque conversation, la question « Qu’est-ce qui définit l’horreur ? » » a été posée, conduisant à de longs débats sur les limites exactes d’un genre qui a catapulté de nombreuses carrières. Combien de fois une de ces terreurs insomniaques vous a-t-elle si profondément troublé qu’elle réapparaissait dans vos rêves ? Si nous avons réussi, vous serez impatient de contribuer à cette discussion.

Répulsion (1965)



Dans la plupart des films d’horreur des années 1960, un personnage comme Carol, interprété par Catherine Deneuve, connaîtrait probablement une disparition prématurée en raison de sa distraction et de son style de vie solitaire à Londres. Cependant, dans le deuxième film de Roman Polanski, elle n’est ni une victime jetable ni une simple protagoniste, mais le centre d’intérêt et la source d’une empathie inconfortable. Carol est une femme tourmentée par la dureté de la vie citadine qui cherche refuge dans un appartement miteux. Pourtant, ce sanctuaire n’assure pas la sécurité ; au lieu de cela, les murs semblent prendre vie, se fissurer, suinter et finalement tendre la main pour la toucher. Le choc initial se produit environ une heure après le début du film lorsque Carol, en fermant la porte du placard, aperçoit le reflet d’un homme dans son miroir pendant un instant éphémère. Plus tard, elle a des visions cauchemardesques d’être attaquée au lit. Si ces images spectrales ne sont pas fiables, qu’en est-il des meurtres qu’elle commet ? La détérioration progressive de l’état mental de Carol a ouvert la voie à de nombreux films d’horreur psychologique qui ont suivi, tels que « The Babadook » et « Black Swan ». Les films d’horreur efficaces explorent souvent les profondeurs de notre esprit, ce qui peut être un voyage terrifiant en soi.

Suspirie (1977)



Le thriller criard et excessif sur le thème des vampires de Dario Argento offre des plaisirs superficiels et constitue une exploration trippante de l’occulte. C’est du matériel de film B – un film giallo transformé en horreur psychédélique à petit budget. L’intrigue est suffisamment mince pour être rejetée pour révision par Roger Corman, mais cela fait partie de son charme, car elle permet à « Suspiria » de devenir un film tout en style, toute la folie de l’horreur italienne : les décors qui continuent d’étonner avec leur Satan extravagant. -meets-Liberace et le thème de 14 notes de Goblin de la boîte à musique maléfique qui pourrait rester dans votre esprit pendant des années. Jessica Harper incarne une étudiante en ballet américaine qui s’inscrit dans une académie de danse allemande, ce qui s’avère être une couverture pour un clan de sorcières. Dans sa manière flamboyante, le thème matriarcal était progressiste pour son époque, étant en avance de plusieurs décennies sur son temps.

L’épine dorsale du diable (2001)



Le conte sombre et surnaturel de Guillermo del Toro, qui se déroule dans un orphelinat à la fin de la guerre civile espagnole, met en valeur son affection pour la fantaisie comme moyen d’évasion. Au milieu de ses propres luttes personnelles, del Toro décrit la vie à l’orphelinat comme sombre et troublante, symbolisée par la bombe à moitié enterrée et non explosée dans la cour. La présence fantomatique rappelle les événements cachés et non résolus du passé sinistre de l’orphelinat. Essentiellement, « The Devil’s Backbone » est une métaphore de la dévastation causée par la guerre, utilisant ses représentations brutes et sombres contrastant avec la compréhension limitée d’un enfant pour créer un impact puissant, un peu comme dans « Come and See ».

La hantise (1963)



Si vous vous êtes déjà demandé si vous saisissiez quelque chose d’étrange dans le noir, vous pourriez vous retrouver à jamais captivé par « The Haunting » de Robert Wise. Cette adaptation effrayante du roman de Shirley Jackson de 1959 « The Haunting of Hill House » est une histoire de fantômes palpitante qui rassemble un groupe diversifié pour une expérience paranormale dans un manoir inquiétant de la Nouvelle-Angleterre, débordant de nuances gothiques. Essentiellement, le classique durable de Wise incarne le contraire du terrible remake de 1999 : il est subtilement réservé et dépourvu de tactiques de choc bon marché. Au lieu de cela, il vous donne des frissons avec des portes grinçantes, des murmures menaçants et une maîtrise des ombres et de la lumière. Mettant en vedette une inoubliable Julie Harris dans le rôle d’Eleanor mentalement vulnérable, et mettant en vedette Theo de Claire Bloom, un personnage queer en avance sur son temps qui partage avec Eleanor un lien complexe qui fait allusion à une sensualité subtile, « The Haunting » se démarque parmi les films d’horreur surnaturels.

L’invasion des voleurs de corps (1978)



Le remake intelligent et méticuleusement conçu de Philip Kaufman du classique du film B de 1956 modernise les terrifiants effets spéciaux extraterrestres-légumes-de-l’enfer de l’original. Cependant, il réinvente le concept sous-jacent en le plaçant à San Francisco à la fin des années 70, une ville pleine d’excentriques et de fanatiques. Alors que l’histoire initiale était une terreur de science-fiction sur les normes sociales des années 50 qui échappaient à tout contrôle, cette version présente une représentation terrifiante des croyances rigides qui caractérisaient la vie après le mouvement contre-culturel. Donald Sutherland et Brooke Adams livrent des performances captivantes dans le rôle d’individus ordinaires luttant pour préserver leurs valeurs au milieu du chaos. Kaufman crée magistralement une atmosphère de tension palpable (vous n’en croirez pas la scène avec un chien ayant un visage d’homme), culminant dans l’une des fins les plus effrayantes de l’histoire du cinéma d’horreur : Sutherland, avec sa main accusatrice levée et sa bouche grande. ouvert, car nous comprenons que personne n’est à l’abri.

Mort vivant (Braindead) (1991)



Dans l’esprit de la série « Evil Dead » de Sam Raimi, le réalisateur néo-zélandais Peter Jackson a exploré les limites du cinéma dans les années 80 depuis son lieu éloigné. Ses œuvres, telles que la satire de l’invasion extraterrestre « Bad Taste » et la comédie musicale de marionnettes parodiant les Muppets « Meet the Feebles », étaient un goût acquis. Cependant, c’est le film éclaboussant « Dead Alive » qui a véritablement mis en valeur son potentiel, même s’il aurait pu être inattendu qu’il crée plus tard quelque chose d’aussi grand et grand public que les films « Le Seigneur des Anneaux ». (« The Frighteners » correspondait davantage à son style.) « Dead Alive » est un spectacle joyeux et exagéré, depuis le singe-rat maudit de Sumatra dont la morsure déclenche le chaos jusqu’au point culminant grandiose du film, le Grand Guignol, où le bégaiement Le protagoniste, joué par Timothy Balme, manie courageusement une tondeuse à gazon, éclaboussant du sang de zombies sur les sols et les murs après avoir perdu sa famille.

Horizon des événements (1997)



Se concentrant sur une équipe de secours chargée de sauver un vaisseau spatial possédé qui vacille sur ce qui pourrait être le bord de l’enfer, Paul W.S. Le conte d’horreur spatial d’Anderson contient une multitude de moments effrayants au cours de sa durée tendue de 97 minutes, ce qui, selon certains, est trop pour un seul visionnage. Cependant, le film accorde peu d’attention à l’exactitude scientifique, repoussant plutôt les limites de la physique à l’extrême à la recherche de sensations fortes et incroyables. Dans un premier temps, un enregistrement angoissant de l’équipage précédent sombrant dans la folie laisse présager les terreurs qui nous attendent. Anderson mélange des éléments provenant de diverses sources – telles que « 2001 : L’Odyssée de l’espace », « Hellraiser » et « Solaris » – pour imaginer un réseau tordu de couloirs et de pièces qui deviennent progressivement menaçants à mesure que le personnage autrefois raisonnable de Sam Neill se retourne contre ses camarades. . Malgré ses yeux arrachés et sa peau déchirée, le médecin dérangé continue de revenir, poussé par la folie.

Les gens des chats (1942)



Dans le premier film d’horreur de Val Lewton pour RKO Pictures, produit avec un petit budget, les suggestions, l’ambiguïté et l’utilisation intelligente des ombres s’avèrent bien plus effrayantes que la révélation du monstre. Au lieu d’un intérêt amoureux typique, le célibataire new-yorkais Oliver Reed (joué par Kent Smith) se retrouve attiré par une étrangère énigmatique, Irena Dubrovna (Simone Simon), dans un thriller inspiré du film noir. Dès le départ, certains indices suggèrent que poursuivre cette femme mystérieuse n’est peut-être pas aussi simple que ce qu’Oliver espérait : les chats s’agitent autour d’elle. Il est révélé plus tard qu’Irena se transforme en léopard lorsqu’elle est excitée, mais au lieu de montrer la transformation directement (comme dans « The Wolf Man » d’Universal), le réalisateur Jacques Tourneur la suggère grâce à une utilisation habile de l’éclairage et de la conception sonore. Des scènes comme la séquence de la piscine créent effectivement des tensions sans montrer explicitement la transformation. Le scénario introduit également une ancienne superstition, laissant beaucoup de place à notre imagination.

Le mille-pattes humain 2 (séquence complète) (2011)



En 2009, lorsque le cinéaste Tom Six a sorti « The Human Centipede (First Sequence) », un film sur un médecin allemand dérangé qui réunit trois touristes d’une manière épouvantable, il semblait que le cinéma d’horreur extrême avait atteint ses limites. Mais la suite a poussé les choses à un autre niveau, rendant l’original apprivoisé. Le protagoniste de la suite, un gardien de parking mentalement perturbé joué par Laurence R. Harvey, est un personnage effrayant, et l’histoire l’implique en train de piéger 12 personnes dans un garage de l’Est de Londres dans le but de créer une horrible connexion semblable à un mille-pattes. Vous vous demandez peut-être pourquoi « The Human Centipede 2 » relève de la catégorie des horreurs puissantes plutôt que des déchets inregardables. La raison en est que Tom Six exploite habilement non seulement notre répulsion mais aussi notre curiosité morbide, notre désir d’être témoin de l’impossible.

Mort de la nuit (1945)



De la même manière que les meilleures nouvelles de Saki laissent un impact durable, les films d’horreur sont plus troublants lorsqu’ils incluent une tournure ou une révélation surprenante, laissant souvent une marque dans nos esprits. La série « Dead of Night », composée de cinq épisodes réfléchis réalisés par quatre individus différents et encadrés dans un récit de rêve dans un rêve, est riche de ces chocs inattendus. Au cours des années suivantes, des émissions comme « The Twilight Zone » et « Tales From the Crypt » ont tenté de reproduire cela à la télévision, tandis que « Creepshow » et la série « V/H/S » ont poursuivi la tradition au cinéma. Cependant, c’est cette anthologie britannique haut de gamme qui a initialement établi la norme avec ses thèmes surnaturels et ses conclusions lamentables. Alors que de nombreux imitateurs ont la chance de produire un seul segment fort, « Dead of Night » réussit comme une œuvre complète, avec deux chapitres particulièrement efficaces se concentrant sur un miroir antique possédé par l’esprit malveillant de son ancien agresseur, et un mannequin de ventriloque d’une puissance extraordinaire. , obligeant son propriétaire à commettre un meurtre.

Une page de folie (1926)



En tant que cinéphile plongeant dans les annales du cinéma d’horreur, je me trouve intrigué par l’énigme qu’est « Une page de folie ». Contrairement à de nombreux sous-genres d’horreur qui ont été façonnés et reproduits au fil du temps, ce film muet japonais de Teinosuke Kinugasa, qui se déroule dans un asile, se présente comme une anomalie unique, n’inspirant jamais d’imitateurs ni ne se conformant aux formules établies.

Horreur de Dracula (1958)



Parmi les nombreux films basés sur le roman de Bram Stoker, peu se rapprochent du portrait effrayant de Christopher Lee dans le rôle de Dracula, avec les crocs découverts, les yeux exorbités et le sang coulant de sa bouche. Vraiment abominable. La suite de « La Malédiction de Frankenstein » de Hammer Film Productions de 1957, la deuxième collaboration entre le réalisateur Terence Fisher et le scénariste Jimmy Sangster, est souvent considérée comme leur meilleure œuvre. Ce film prend des libertés créatives avec le matériel source, renforçant les frayeurs (et les morts) tout en atténuant certaines des capacités les plus fantastiques de Dracula. Peter Cushing incarne un Dr Van Helsing déterminé et pragmatique, un chasseur de vampires chevronné qui peut parfois réaliser une cascade. La cinématographie de Jack Asher (un habitué de Hammer) est riche et vibrante, à l’image de l’horreur intense et sensuelle du film. Cependant, c’est le Dracula de Lee qui donne au film son noyau sinistre, même s’il n’y a aucun dialogue après les 15 premières minutes. C’est une bête sauvage, un monstre élégant et grotesque.

Fête du sang (1963)



Comment Herschell Gordon Lewis, le cinéaste non conventionnel connu pour ses films d’éclaboussures, a-t-il réussi à créer ce genre ? Son intention principale n’était pas artistique mais plutôt de gagner de l’argent. Il a produit des films pour les ciné-parcs, qui pourraient être considérés comme un niveau inférieur à celui des cinémas grindhouse. Avec l’astuce d’un showman d’exploitation underground, il réalisa que plus c’était scandaleux et extrême, mieux cela attirerait le public. Il a donc conçu ce thriller absurdement à petit budget sur un traiteur égyptien nommé Fuad Ramsès, qui avait besoin de corps pour ses rituels religieux. C’est ainsi qu’est né le film éclaboussé, ainsi que le film slasher. « Blood Feast » est remarquable car malgré son apparence bon marché et brut, on y sent l’énergie brute de la création cinématographique. En utilisant des pièces de mannequin, du sang semblable à du ketchup et la partition d’orgue la plus ringarde rappelant un feuilleton de jour, Lewis a puisé dans un désir sous-jacent au sein de la psyché collective du cinéphile : une fascination morbide pour la violence qui façonnerait la culture populaire.

La disparition (Spoorloos) (1988)



Parfois, il n’est pas clair si vous regardez un film d’horreur jusqu’à la toute fin. Le thriller européen non linéaire réalisé par George Sluizer devient progressivement de plus en plus sombre. Cela commence avec une femme (Johanna ter Steege) qui disparaît dans une aire de repos sur une autoroute, puis saute en avant pour retrouver son petit ami Rex (Gene Bervoets) toujours hanté par sa disparition. Le film ne laisse pas les téléspectateurs deviner longtemps sur l’agresseur, car il (Bernard-Pierre Donnadieu) contacte Rex et, avec un calme glaçant, propose de révéler ce qui s’est passé. Ce n’est qu’à ce moment-là que Sluizer montre ce que la femme a enduré, alors que Rex est entraîné dans la même situation désastreuse, tandis que les téléspectateurs réalisent toutes les façons dont les choses auraient pu se passer différemment… et le peuvent peut-être encore. Dans une interprétation tordue d’un vieux dicton, en cherchant à comprendre le passé, le personnage de Rex se retrouve destiné à le revivre.

Village des damnés (1960)



Dans les années 1950, on craignait excessivement les invasions extraterrestres. Au début de la décennie suivante, la manifestation la plus troublante s’est produite – une grave adaptation de « The Midwich Cuckoos » de John Wyndham – car elle impliquait des enfants. Un événement cosmique inhabituel fait perdre connaissance à toute la ville, entraînant une douzaine de grossesses mystérieuses. Quelques années plus tard, la progéniture blonde super intelligente, née de ces grossesses, utilise le contrôle mental pour manipuler les autres et se protéger. L’effet yeux brillants distinctif du film a été jugé trop intense, obligeant le réalisateur Wolf Rilla à le supprimer pour la version britannique. Pendant ce temps, les téléspectateurs américains ont vu un groupe effrayant, semblable aux Jeunesses hitlériennes, affronter un malheureux individu, le forçant à se suicider en utilisant un fusil de chasse. Depuis lors, c’est devenu un film d’horreur auquel on ne peut pas faire confiance aux enfants, mais à l’époque, ils étaient considérés comme innocents et sacrés – une croyance que ce film a brisée, donnant ainsi naissance au sous-genre des « enfants démons ».

Réanimateur (1985)



Actuellement, la majorité des films de différents genres ont tendance à être retravaillés ou à répondre à des œuvres antérieures. Cependant, il convient de noter à quel point l’approche de l’horreur de Stuart Gordon était rafraîchissante et non conventionnelle lorsqu’il a produit des films d’horreur corporelle à petit budget, « plus il y en avait, mieux c’était » comme « Re-Animator » et « From Beyond » au milieu des années 80. Il a même choisi Jeffrey Combs, Barbara Crampton et une équipe similaire pour les deux projets, en utilisant un H.P. classique. L’histoire de Lovecraft comme base pour ses débuts inspirés de Frankenstein d’un personnage de scientifique fou. À ce stade, Gordon expérimentait le théâtre depuis plus d’une décennie par le biais de sa société Organic Theatre Company, basée à Chicago, dont la trilogie « Warp » a échoué à Broadway. Au départ, il souhaitait que « Re-Animator » soit sérieux, mais il n’a pas pu résister à son penchant pour le grotesque : un sérum vert brillant rappelant le liquide de refroidissement, une tête désincarnée sensible et une abondance de sang de scène.

Sonneries mortes (1988)



Le thriller de David Cronenberg dépeint magistralement une histoire effrayante centrée sur des jumeaux gynécologues, interprétés par Jeremy Irons, qui partagent une spécialité unique dans le traitement de l’infertilité. Ce film exploite une peur troublante du corps humain, en particulier de ses aspects reproductifs. Cependant, la véritable terreur ne réside pas seulement dans leurs liens physiques, mais aussi dans les dynamiques tordues et les perturbations mentales qui lient ces deux frères. L’énigmatique Elliot, connu pour ses charmes séduisants, trompe souvent ses patients, comme l’actrice Claire Niveau (Geneviève Bujold), en les conduisant avant de les confier à son frère réservé Beverly, qu’ils prennent d’abord pour Elliot. Ce jeu dangereux est non seulement contraire à l’éthique, mais entraîne également de graves conséquences juridiques. Cronenberg mélange habilement une fixation sur la reproduction et la sexualité féminine avec une représentation sombre des peurs et des actions les plus sombres des hommes. L’utilisation cauchemardesque d’outils gynécologiques ajoute à l’atmosphère inquiétante.

La petite boutique des horreurs (1960)



En tant que personne ayant passé d’innombrables heures immergées dans le royaume des films de série B et des classiques cultes, je dois dire que « La Petite Boutique des Horreurs » occupe une place particulière dans mon cœur. Ce film, réalisé par Roger Corman, est non seulement un témoignage d’ingéniosité à petit budget, mais aussi un mélange unique d’éléments d’horreur, de comédie et de musique qui le rendent véritablement intemporel. Tourné en seulement deux jours et une nuit, le film semble avoir été créé spontanément, mais cette imperfection même ajoute à son charme.

Ce qui se trouve dessous (2000)



Ce film est assez inhabituel : un film d’horreur du genre grand public, mettant en vedette des acteurs de renom et des effets spéciaux élaborés, qui parvient à être à la fois effrayant et captivant en vous prenant au dépourvu. Le thriller intelligent réalisé par Robert Zemeckis apparaît initialement comme une sorte de drame domestique, avec Michelle Pfeiffer et Harrison Ford décrivant un couple de longue date aux prises avec leur juste part de bagage émotionnel – avant même que l’apparition ne fasse son apparition. Zemeckis crée habilement des scènes de pure terreur (comme celle dans une baignoire magnifiquement cadrée et exécutée), mais ce qui terrifie vraiment dans « What Lies Beneath » est la façon dont il utilise la présence fantomatique pour éclairer les écarts cachés entre des personnes qui croyaient se connaître. l’autre intimement. Ford livre une performance étonnamment intense, semblant d’abord léthargique avant de révéler ses véritables intentions, à tel point que vous la reconnaissez comme l’une de ses performances les plus audacieuses.

L’homme aux loups (1941)



1931 a marqué le début de l’ère des films de monstres populaires d’Universal Pictures, qui les a aidés pendant la Grande Dépression, mais pas avec les coûts élevés de « Show Boat ». Cette phase d’une décennie s’est terminée avec la création du film emblématique sur les loups-garous. Des équipes aux goûts douteux ont maintenu en vie certains des monstres célèbres du studio, apparaissant même dans des comédies aux côtés d’Abbott et Costello. Le meilleur film de Wolf Man, cependant, est celui qui porte son nom, avec Lon Chaney Jr., fils de l’acteur de « Le Bossu de Notre-Dame », Lon Chaney, dans le rôle du loup-garou tragique. Contrairement à d’autres monstres universels, le personnage de Larry Talbot est un héros potentiel qui devient maudit en défendant une femme contre une attaque. Cela ajoute un aspect poignant et tragique à sa transformation – l’une des plus impressionnantes de la franchise, grâce au maquilleur Jack Pierce, dont la technique de transformation était inégalée pendant près de 50 ans, jusqu’à ce que Rick Baker travaille sur « Un loup-garou américain à Londres ».

Maison de cire (1953)



Au cours d’une carrière couvrant divers genres, Vincent Price s’est imposé comme une légende du cinéma d’horreur avec ce rôle de propriétaire d’un musée de cire où les expositions décrivent des meurtres horribles, dont certains s’avèrent réels. Sorti par un grand studio hollywoodien, « House of Wax » était le premier film en 3D et présentait de nombreux objets se dirigeant vers le public, comme un paddleball volant directement vers la caméra. Malgré l’absence de cette astuce visuelle, le film offre une performance exceptionnelle de Price, qui trouve l’équilibre parfait entre folie et contrôle en tant que propriétaire du musée de cire. Bien que le remake de 2005 soit plus célèbre, seul l’original peut revendiquer le renouveau d’une star faisant son grand retour.

Le présage (1976)



Parmi les résultats décevants provoqués par « L’Exorciste », il y avait le flot d’imitations médiocres et de suites ternes qui ont suivi. La plupart d’entre eux étaient épouvantables, à l’exception notable du somptueux remake produit par 20th Century Fox, mettant en vedette Gregory Peck et Lee Remick dans le rôle de parents qui adoptent involontairement l’Antéchrist. Ce film a non seulement capturé l’esprit de son époque, mais a également construit un cadre solide pour les prochains versements (s’étendant même jusqu’au prequel de cette année). Le jeune Damien, interprété par Harvey Spencer Stephens, incitait les autres à se sacrifier pour lui ou à précipiter la disparition de ceux qui s’opposaient à lui. La partition étrange de Jerry Goldsmith a ajouté du poids à la mise en scène sérieuse et véritablement choquante de Richard Donner. Les photographies prises des victimes préfiguraient leurs méthodes de mort, nous laissant deviner tout en donnant l’impression que les morts horribles – comme celle d’un prêtre empalé par un paratonnerre – semblaient inévitables.

Angoisse (1983)



Le film autrichien de Gerald Kargl, intitulé « Kommissar X : Einsatz in Wien », est une représentation percutante inspirée du fameux « cas Kniesek ». Contrairement à d’autres films sur des sujets similaires, ce film ne cherche pas à embellir son contenu. Au lieu de cela, il fournit une représentation sans faille d’événements réels, rendant les téléspectateurs inconfortablement complices des actions du tueur, joué par Erwin Leder. Le travail de la caméra varie entre des plans subjectifs montrant ce que vit le tueur, des angles inversés capturant les expressions faciales de Leder à l’aide d’une caméra montée sur la poitrine et orientée vers l’arrière, et des images de type surveillance à distance. Parmi les fans notables de ce film figurent Gaspar Noé (comme on le voit dans « I Stand Alone ») et Yorgos Lanthimos, qui a emprunté la technique de la plongée utilisée par le directeur de la photographie Zbigniew Rybczyński pour son film « La mise à mort du cerf sacré ».

La goutte (1958)



Ce film est souvent considéré comme un classique campagnard, et pour cause : c’est intentionnel. La chanson titre, écrite par Burt Bacharach (« Il rampe, saute, glisse et glisse sur le sol« ), donne le ton de ce film d’horreur pour adolescents à petit budget des années 1950 sur l’atterrissage d’une météorite dans un Une petite ville de Pennsylvanie, qui libère une planète en expansion de matière gluante extraterrestre, est consciente de sa propre absurdité. Cependant, cela ne le rend pas moins agréable en tant que fantasme captivant d’invasion « Blob ». Steve McQueen, dans son premier rôle principal, porte l’intrigue qui ressemble à American Graffiti sous acide, et lorsque le Blob, une créature qui ressemble à quelque chose que l’on pourrait tartiner sur du pain grillé, s’échappe de la cabine de projection du cinéma, il contourne la logique pour frapper le un enfant aux yeux écarquillés parmi chaque membre du public.

J’ai marché avec un zombie (1943)



Un film glaçant dans le style de Val Lewton et Jacques Tourneur, connus pour leur narration subtilement inquiétante : l’image « Jane Eyre » transformée en une vision vaudou nocturne envoûtante. La protagoniste, Miss Connell (Frances Dee), est une jeune infirmière qui s’aventure sur l’île caribéenne de Saint-Sébastien pour s’occuper de Jessica (Christine Gordon), l’épouse énigmatique et catatonique d’un propriétaire de plantation de sucre (Tom Conway). Il devient vite évident que Jessica n’est pas seulement dans le coma, mais bien un zombie, suspendu entre la vie et la mort. Même si l’on pourrait s’attendre à ce que l’intrigue vaudou (avec des battements de tambour lointains et un prêtre accomplissant des rituels) soit un stéréotype racial des années 1940, le film est profondément ancré dans une compréhension de l’impact persistant de l’oppression historique. La performance exceptionnelle de Darby Jones dans le rôle de Carrefour, la sentinelle zombie décharnée et aux yeux exorbités, laisse une impression troublante qui constitue un symbole puissant des terreurs de l’esclavage.

La descente (2005)



Rien de plus terrifiant – ni de plus passionnant pour les amateurs d’horreur – est de voir un groupe d’amis subir un sort macabre. Le scénariste-réalisateur Neil Marshall dépeint un week-end de spéléologie pour femmes, qui prend une tournure désastreuse alors que les amateurs de sensations fortes se retrouvent dans des situations déchirantes au sein d’un réseau complexe de grottes. Ce film intense et rapide est une épreuve acharnée pour les claustrophobes et propose des personnages avec lesquels vous sympathisez véritablement. Marshall défie habilement les conventions et les attentes, tandis que ses héroïnes ingénieuses s’adaptent à leur environnement inconnu et prennent des décisions rationnelles. Le film atmosphérique utilise intelligemment l’obscurité et les sources de lumière stratégiques pour créer de la tension, tandis que la partition grandiose ajoute une touche de sophistication. À la fin de « The Descent », vous serez épuisé émotionnellement de la manière la plus satisfaisante possible.

Un cauchemar sur Elm Street (1984)



Le film d’horreur à petit budget de Wes Craven, « A Nightmare on Elm Street », a présenté au monde un personnage durable : le terrifiant Freddy Krueger. Interprété par le captivant Robert Englund, Freddy a acquis un statut emblématique parmi les enfants des années 80 en raison de ses caractéristiques distinctives telles que des cicatrices de brûlure, des griffes en métal, un fedora et un pull rayé. Ce qui a rendu « Nightmare » vraiment effrayant, c’est son principe innovant : Freddy vivait dans le monde des rêves, et s’il vous tuait pendant que vous dormiez, ce serait une mort sans réveil. Ce concept a donné lieu à des visuels surréalistes alors que les adolescents tourmentés de Springwood succombaient au sommeil : un sac mortuaire ensanglanté a été mystérieusement traîné sur le sol poli de l’école, une fille a été traînée de haut en bas sur les murs et le plafond de sa chambre, et un lit a explosé avec une fontaine de sang. Même si les suites ultérieures ont peut-être dilué l’impact culturel de Freddy, le « Nightmare on Elm Street » original continue de hanter nos rêves.

Du sang pour Dracula (1974)



Parmi tous les genres, l’horreur nous permet de trouver du plaisir dans des aspects apparemment étranges et rebelles tels qu’un jeu d’acteur médiocre, des intrigues invraisemblables et des effets spéciaux peu convaincants. Lancée en production après « Flesh for Frankenstein » à Cinecittà, la version X de Dracula du réalisateur indépendant Paul Morrissey repousse intentionnellement les limites en matière de bon goût. Dans cette réinterprétation provocatrice, Udo Kier, notre personnage principal, se détériore progressivement en raison d’un manque de sang vierge (qu’il prononce comme « wuhr-gin »). La disparition du comte, cependant, n’est pas causée par un pieu mais par un amant : si Dracula ne trouve pas de vierges, c’est parce que Joe Dallesandro, incarnant un paysan marxiste avec un accent new-yorkais, est trop préoccupé de les séduire. Cette production cinématographique audacieuse et underground était censée tirer profit de la renommée d’Andy Warhol, même si la célèbre figure artistique n’a eu qu’une implication minime dans sa création. Néanmoins, son nom attire toujours le public vers ce spectacle torride de style camp.

Créature du lagon noir (1954)



L’image d’un monstre berçant dans ses bras une femme sans défense remonte à loin. Mais dans les années 1950, alors qu’Universal supplantait les fables victoriennes de « Dracula » et « Frankenstein » avec son film choc en 3D sur un monstre aquatique connu sous le nom de Gill-man, les temps avaient évolué au point où ce demi-amphibien glissant, Le harceleur à moitié humain avait une présence qui était, à la manière d’une bande dessinée, étrangement libidineuse. Son look en est une grande partie : le visage renfrogné et le crâne chauve, les branchies qui ressemblent à des cheveux longs, les lèvres tendues en un regard géant. Au cours d’une expédition géologique en Amazonie, la Créature tue plusieurs assistants, mais il s’intéresse surtout à Kay (Julie Adams), la beauté en maillot de bain blanc qu’il menace alors qu’elle nage, la manquant de peu d’un coup de griffes surdimensionnées. Le film original « Creature » de Jack Arnold est standard à bien des égards, mais avec le personnage principal à l’affût, ses séquences sous-marines ont une effroi poétique.

Auberge : Partie II (2007)



En termes d’expressions qui pourraient être utilisées pour décrire un film slasher incroyablement horrible, « si réel que vous pouvez le croire » n’est généralement pas celle qui vous vient à l’esprit en premier. Cependant, le thriller ultra-violent d’Eli Roth se démarque par son réalisme troublant, tant dans sa conception que dans sa réalisation. Dans les coins sombres d’Internet, on dit souvent que tout peut s’acheter, et « Hostel 2 » explore la question : est-ce un fantasme ou une sombre réalité ? Les super-riches, selon le film, pourraient désirer commettre les meurtres les plus horribles comme forme de divertissement. Caché au cœur de la nature sauvage de Slovaquie, un immense entrepôt dissimule un donjon où les victimes sont enlevées et retenues captives. Ici, les riches pervers paient pour réaliser leurs désirs les plus sombres, impliquant violence et chaos. La mise en scène de Roth, remplie d’outils électriques et de l’inconfort de la violence amateur, crée une intensité inquiète.

Les lamentations (2016)



Le cinéaste coréen Na Hong-jin est reconnu au-delà de la Corée grâce à des films comme « Parasite » et « The Host », mais lorsqu’il s’agit d’horreur, Bong Joon Ho passe au second plan. Dans ce film, Na introduit une épidémie terrifiante et indéfinie dans un village rural tranquille. Le film partage des similitudes avec « Cure » de Kiyoshi Kurosawa (où les personnes infectées se sentent obligées de tuer les autres) et « The Happening » de M. Night Shyamalan (sur une mystérieuse vague de suicides), car il décrit la manière effrayante dont les maladies du monde réel se propagent : La panique s’accompagne de confusion, de superstition et d’opinions divergentes sur la manière de contrôler l’épidémie.

Près de l’obscurité (1987)



Au cours de mon parcours en tant que cinéaste, je me suis retrouvé dans une position difficile lors de la production de « Near Dark », un mélange défiant le genre de thèmes de cow-boy, de motard et de sangsue. Pour éviter d’être éliminé par les producteurs au début de ma carrière, j’ai conçu un film qui évitait les tropes de vampires traditionnels comme les cercueils et les chauves-souris, et je n’ai jamais prononcé le mot « vampire ». Le film était sombre, réaliste et rempli de tension, reflet des risques que je prenais.

Le sixième sens (1999)



Les fantômes sont terrifiants. Mais le chagrin et le regret ? Ces préoccupations profondément humaines qui hantent sans cesse les vivants – et, selon de nombreux films surnaturels, tourmentent également les morts – peuvent être bien plus effrayantes. Cette notion est au cœur du film pétrifiant qui a rendu le nom de M. Night Shyamalan synonyme d’horreur (et de rebondissements), a propulsé son jeune acteur Haley Joel Osment, voyant des morts, dans une célébrité temporaire et a donné à Toni Collette l’un des personnages les plus célèbres. rôles déchirants de sa carrière de mère célibataire en difficulté, toujours en deuil de la perte de sa propre mère. Mené par un Bruce Willis éthéré à travers une révélation bouleversante et sa résolution miséricordieuse, et caressé par des teintes gothiques studieuses, « Le Sixième Sens » comprend que les meilleures histoires de fantômes sont en fin de compte celles de nous tous, créatures terrestres avec des douleurs non résolues.

Possession (1981)



La dissolution d’une relation amoureuse peut être d’une complexité déconcertante. Les angoisses émotionnelles et viscérales se répandent de manière chaotique dans le chef-d’œuvre d’horreur d’Andrzej Żuławski qui défie les genres, où les scènes d’un mariage torturé sont impitoyablement exposées. Initialement interdit au Royaume-Uni, « Possession » raconte l’histoire d’un couple – Mark de Sam Neill, revenant d’une opération secrète, et Anna d’Isabelle Adjani, qui a eu une liaison pendant la guerre froide à Berlin – alors qu’ils s’affrontent dans un environnement de plus en plus violent et destructeur. des affrontements. De l’atmosphère glaciale de leur appartement délabré dans une ville sombre aux épisodes de paranoïa impliquant des couteaux à découper, des doublures de corps troublantes et des créatures terrifiantes qui se transforment, « Possession » est à la fois traumatisant et hallucinatoire, son héritage obsédant est évident dans certaines des pensées les plus réfléchies. -des films d’horreur qui provoquent aujourd’hui – notamment « La Substance » de Coralie Fargeat.

Le Babadook (2014)



La réalisatrice Jennifer Kent, qui envisageait à l’origine son scénario autour d’une mère aux prises avec son fils en difficulté, a trouvé un parallèle étrange dans l’événement tragique d’un père de Melbourne jetant sa fille de 5 ans d’un pont. Cette sinistre coïncidence a éveillé son intérêt pour la transformation psychologique qui pousse quelqu’un, en particulier un parent, au bord de la monstruosité – un thème qui, selon elle, était central dans son film. Son premier album acclamé par la critique en 2014, intitulé d’après sa créature grotesque, présente un être dégingandé et rauque rappelant les personnages des films d’horreur expressionnistes allemands. Cependant, c’est le portrait effrayant d’Essie Davis en tant que mère célibataire endurant les exigences incessantes de son enfant difficile qui a laissé le public fasciné et de nombreux critiques affirmant que c’était l’un des films les plus effrayants qu’ils aient jamais vu. Certaines femmes qui ont vu le film ont trouvé du réconfort en reconnaissant qu’elles n’étaient pas seules dans leur expérience.

L’incroyable homme qui rétrécit (1957)



Les films d’horreur des années 1950 présentaient souvent des éléments devenus excessivement grands ou minuscules. Dans l’adaptation cinématographique réalisée par Jack Arnold du roman de Richard Matheson, le protagoniste Scott (joué par Grant Williams) se retrouve dans un brouillard déroutant qui déclenche son rétrécissement. Cette transformation fait de lui une figure médiatique sensationnelle ; sa terreur personnelle devient une fascination pour les tabloïds du monde entier. Le film est un mélange excentrique d’effets spéciaux de pointe, mettant en scène la vie de Scott dans une maison de poupée ou combattant une araignée colossale pour sa survie. Cependant, ce qui lui donne un sentiment poignant de terreur dans la culture pop, c’est sa ressemblance avec Kafka rencontre Hollywood, servant de parabole de l’homme de l’ère atomique se sentant insignifiant par rapport au monde qui l’entoure, disparaissant progressivement dans le néant.

Terreur planétaire (2007)



Contrairement à « Death Proof » de Quentin Tarantino, qui est souvent au centre des discussions sur « Grindhouse », « Planet Terror » de Robert Rodriguez se démarque comme un thriller zombie unique à petit budget qui donne l’impression d’avoir été réalisé à la fin des années 70. ou au début des années 80. Le film, rempli de zombies qui jettent du faux sang de Jell-O à la framboise lors du tournage, est une reconstitution si précise d’un type spécifique de film de zombies au rythme lent, c’est comme si Rodriguez avait créé l’équivalent à petit budget de « Far From Heaven ».

Dr Jekyll et M. Hyde (1931) 



Il est le monstre par excellence en tant que métaphore : une pure projection freudienne de la civilisation polie et du ça bouillonnant et insatiable en dessous. La nouvelle de 1886 de Robert Louis Stevenson a été transformée en dizaines de films sur les côtés clair et obscur, les bons et les mauvais de la nature humaine. Mais jamais avec autant de puissance que dans la première version sonore de Rouben Mamoulian. Réalisé avant le Code de production, il a une qualité bouillonnante et déchaînée, ainsi qu’une performance puissante de Fredric March dans le rôle du gentil médecin victorien de Londres qui prend un médicament expérimental qui le transforme en un sociopathe simien moqueur. Hyde, dans sa convoitise et sa violence terroristes, se lie d’amitié avec une chanteuse de bar, Ivy (Miriam Hopkins), et il n’est pas exagéré de dire qu’elle devient sa victime de violence domestique. En même temps, il semble presque narguer le trop distingué Jekyll. Les scènes de transformation, une décennie avant celles de « The Wolf Man », étaient révolutionnaires dans leur expression viscérale de la bête intérieure.

Gremlins (1984)



Il n’y a pas que les films d’horreur destinés aux spectateurs adultes ; certains peuvent laisser des impacts durables même à un jeune âge, façonnant votre paysage psychologique d’une manière dont vous vous souviendrez peut-être très bien. Au début des années 80, avant que les magnétoscopes domestiques et la télévision par câble ne permettent aux enfants de regarder facilement des films que leurs parents auraient évités au cinéma, Steven Spielberg a produit une série de films d’horreur adaptés au visionnage en famille. Deux ans après avoir sorti « Poltergeist », un film de banlieue choquant sur une maison possédée, il a participé à la production de cette comédie d’horreur édifiante, réalisée par Joe Dante, qui a également réalisé « The Howling ». Dans l’esprit de Noël, papa ramène à la maison un animal de compagnie inhabituel nommé Mogwai, avec des oreilles de chauve-souris et une fourrure pie. Ignorant les instructions d’entretien (comme ne pas les mouiller ou les nourrir après minuit), le chaos éclate à l’écran, le rendant trop intense pour les jeunes téléspectateurs, conduisant à la création de la classification PG-13 par la MPAA.

Bonbon (1992)



Le thriller surnaturel en question a été influencé par la nouvelle de Clive Barker « The Forbidden ». Contrairement aux films slasher typiques, cette production plonge dans des thèmes plus profonds au-delà du simple décompte des cadavres. Tony Todd livre un portrait effrayant du personnage central, connu sous le nom de Candyman – un homme dont les origines remontent aux années 1800, où il est né d’une relation interracial entre un esclave et une femme blanche. Sa punition a été horrible : sa main a été coupée, il a été attaqué par des abeilles qui l’ont tué et son corps a été brûlé.

Jeux drôles (1997)



Au 21e siècle, alors que le genre de l’horreur gagnait en popularité et en reconnaissance, certains cinéastes cherchaient à remettre en question ce qu’ils percevaient comme un style nihiliste. Le thriller effrayant du chat et de la souris de Michael Haneke peut être vu simplement comme une version glaciale des films d’invasion de domicile, où des intrus sadiques tourmentent leurs victimes. Cependant, cela peut aussi être interprété comme une critique plus approfondie des films d’exploitation en général. Dans ce contexte, « Funny Games » suscite une réflexion sur les raisons pour lesquelles nous aimons regarder des inconnus se faire terroriser. Le moment charnière qui révèle l’intention du film se situe juste après que la mère prend le contrôle, s’empare d’un fusil de chasse et tue l’un de ses bourreaux ; le complice du défunt prend alors la télécommande et rembobine la scène, permettant à ces deux méchants de manipuler le résultat. Si cette tournure vous met en colère, alors Haneke a atteint son objectif, obligeant les téléspectateurs à remettre en question l’accord entre le cinéaste et le public en violant les règles tacites qui viennent d’être enfreintes.

Qu’est-il arrivé à Baby Jane ? (1962)



La bande-annonce du film de Robert Aldrich, une représentation crue de deux sœurs autrefois célèbres vivant dans un manoir hollywoodien, a averti les téléspectateurs de se rappeler qu’il ne s’agissait que d’un film. Cependant, étant donné l’animosité de longue date entre les stars Bette Davis et Joan Crawford, cela semblait peu probable. En fait, Davis avait déclaré : « Le meilleur moment que j’ai jamais passé avec Joan Crawford, c’était quand je la poussais dans les escaliers » lors de leur bataille acharnée dans cette horreur psychologique. Crawford, jouant un personnage paraplégique, s’est préparé pour une scène où Davis la traînait sur le sol en utilisant des pierres dans ses poches. Il est intéressant de noter que c’est Crawford qui a proposé cette collaboration, estimant que leur réelle animosité pourrait générer des profits – et elle avait raison. Rempli de combats terriblement méchants (comme servir des rats pour le dîner), ce classique du camp toujours populaire mijote un ressentiment brut envers une industrie qui se débarrasse de ses stars lorsqu’elles ne sont plus rentables.

Brut (2016)



Dans « Raw », ce ne sont pas seulement les scènes de cannibalisme qui sont effrayantes, même si la consommation enthousiaste par Justine (Garance Marillier) du bout du doigt coupé de sa sœur est indéniablement troublante. Ce qui nous fait vraiment froid dans le dos, c’est la pression intense des pairs décrite dans le conte unique de Julia Ducournau sur le passage à l’âge adulte. Nous nous tortillons alors que ce personnage timide, Justine, sort de son filet de sécurité familial et rejoint un nouveau groupe social bruyant où ses pairs se livrent à des rituels d’initiation extrêmes. Alors qu’elle s’aventure hors de sa zone de confort, elle ne sait pas comment agir, et une seule erreur, comme mordre la lèvre de son colocataire lors d’une fête, peut considérablement modifier la façon dont les autres la perçoivent. Semblable à son film « Titane », lauréat de la Palme d’Or, Ducournau invite les spectateurs à sympathiser avec le monstre, qui découvre encore ses propres capacités.

voyeur (1960)



1960 voit la sortie de « Psycho », un film mettant en vedette un tueur psychotique qui aimait regarder ses victimes. Cependant, contrairement au succès immédiat d’Alfred Hitchcock, « Peeping Tom » de Michael Powell – une représentation crue et vivante de l’esprit troublé d’un voyeur – n’a acquis son statut d’icône qu’après des critiques ultérieures. En fait, la violence graphique représentée dans ce film a failli mettre fin à la carrière de Powell en raison des réactions négatives qu’il a reçues à sa sortie. Le film suit un observateur (Carl Boehm) qui trompe les femmes et les filme à leur insu avant de les assassiner avec une arme symbolique. En tant que l’un des premiers films slasher raconté du point de vue du tueur, « Peeping Tom » implique le public dans la violence en la présentant du point de vue du meurtrier.

La mouche (1986)



Le célèbre film d’horreur corporelle de David Cronenberg combine des éléments de répulsion et de romance. Dans ce film, Jeff Goldblum incarne le scientifique Seth Brundle, qui repousse les limites avec son expérimentation sur un dispositif de téléportation, fusionnant par inadvertance son ADN avec celui d’une mouche. Cela le transforme progressivement en une combinaison révoltante des deux, au grand désarroi de sa partenaire, interprétée par Geena Davis. Au départ, Brundle éprouve une vitalité accrue et un désir sexuel accru, agissant sur des impulsions primaires. Cependant, à mesure qu’il commence à avoir des cheveux et à perdre des dents, son humanité disparaît parallèlement à ses attributs physiques. Goldblum livre une performance exceptionnelle, incarnant un mélange d’ambition, d’arrogance et de dépravation. Davis offre un contraste avec son portrait profondément émotionnel. Alors que la transformation de Brundle en insecte se déroule grâce aux effets spéciaux, la perspective de Davis sur sa descente offre un mélange effrayant d’horreur et de tristesse.

Le Cabinet du Dr Caligari (1920)



Le film d’horreur allemand muet révolutionnaire de Robert Wiene peut parfois paraître quelque peu rigide, mais c’est indéniablement une symphonie effrayante d’émotions qui a ouvert la voie à de nombreux chemins déformés. Essentiellement, c’était le premier film de zombies, le premier film de tueur psychopathe, le premier film « Oh mon Dieu, tout était dans sa tête », et la première – peut-être la dernière – production à être filmée dans une perspective déformée, la vie. est une maison de fous, des décors expressionnistes peints à la main qui ressemblent à quelque chose de « L’hypnotiseur homicide au chapeau » du Dr Seuss. Dans ce film, Caligari (interprété par Werner Krauss) se présente comme une attraction de carnaval centrée sur Cesare, un somnambule qu’il manipule pour se déchaîner meurtrier. Cependant, malgré son rôle, Cesare, interprété par Conrad Veidt, fait preuve d’un sens inattendu de compassion, un peu comme Rudolf Noureev ressuscité pour mener une tournée nostalgique guidée par The Cure.

Laissez entrer le bon (2008)



Le film de vampire poignant de Thomas Alfredson s’impose comme un chef-d’œuvre magnifique et douloureux du genre, faisant ses débuts à une époque où il perdait de son mordant à cause de la surproduction. Le film explore le thème du passage à l’âge adulte à travers un délicat mélange de tendresse et de solitude, qui cohabitent à proximité d’une violence brutale. Dans cette histoire, un adolescent victime d’intimidation (Kåre Hedebrant) se lie d’amitié avec une voisine plus âgée (Lina Leandersson), dont il découvre sans le savoir qu’elle est une créature douce mais assoiffée de sang confinée par son père. Le film présente à la fois un charme attachant et une férocité impitoyable, tandis que son récit froid est méticuleusement construit, mais conserve une imprévisibilité explosive qui jaillit de son calme figé.

Tête de gomme (1977)



Le film surréaliste captivant et au rythme lent de David Lynch était son premier long métrage (il a passé six ans à le perfectionner), et chaque scène et chaque son portent le poids de son attention méticuleuse sur l’atmosphère et les détails. Jack Nance, avec une coiffure qui semble se dresser à cause de la tension, incarne le personnage principal qui sillonne un décor industriel post-attentat à la bombe avant de devenir père célibataire d’un bébé qui ressemble à une tête de veau gélatineuse. (C’est aussi troublant que tout ce qui se passe dans « Alien ».) Ce film est sans précédent pour évoquer la sensation de rêve. Le tempo lent, la bande-son ambiante au bruit blanc et les images bizarres comme la Femme dans le radiateur chantant « In Heaven Everything Is Fine » – tout cela crée un état hypnotique, mais uniquement parce que Lynch, le conteur tordu, est un maître de beauté déformée.

Sang et dentelle noire (1964)



Mario Bava a débuté son parcours cinématographique avec des récits d’horreur conventionnels et surnaturels, mettant en vedette trois exemples puissants dans le film d’anthologie de 1963 « Black Sabbath ». Cette compilation effrayante a marqué ses débuts dans le cinéma couleur et a servi de précurseur aux teintes vibrantes de « Blood and Black Lace », un mystère de meurtre macabre se déroulant au milieu du monde impitoyable de la mode de Rome. Du générique d’ouverture saisissant à une scène pleine de suspense où un tueur masqué poursuit sa victime modèle, Bava a embrassé sans réserve l’essence du genre giallo – une approche révolutionnaire du style slasher émergent, où l’extravagance (en termes de apparence, sanglant et pervers) a été utilisé pour dissimuler un contenu douteux. Les normes morales de l’époque avaient protégé les spectateurs du niveau de violence décrit ici, comme en témoigne une scène de torture où l’antagoniste presse le visage d’une femme contre une fournaise ardente. Par contre, l’éclairage ! Le public était censé se concentrer sur ces détails, car Bava était le fer de lance d’un mouvement qui combinait avec élégance art et dépravation.

Irréversible (2002)



D’une manière saisissante et glaçante, le film de Gaspar Noé nous plonge dans un monde d’activités grotesques et malveillantes, donnant l’impression que les scènes se déroulent sous nos yeux. La descente dans les profondeurs infernales d’un sex-club donne le ton d’une atmosphère chargée de violence qui culmine avec un meurtre effroyable, l’une des scènes les plus troublantes jamais filmées. Ce qui rend le tout encore plus terrifiant, c’est l’implication selon laquelle la victime a volontairement participé. Noé peut être considéré comme une fusion de Kubrick et de Sade, taillée pour l’ère de la pornographie underground et réaliste. Mais il se présente aussi comme un moraliste. « Irréversible » se déroule comme un récit de viol et de représailles raconté en séquence inversée, et la représentation graphique de l’agression sexuelle, qui dure neuf minutes atroces (la performance de Monica Bellucci est tout simplement héroïque), est profondément troublante d’une manière qui transcende la surface. niveau. « Irréversible » est un véritable film d’horreur qui devrait porter une étiquette d’avertissement. C’est un film puissant, mais une fois vu, on ne l’oubliera jamais.

Onibaba (1964)



Dans l’histoire de fantômes japonaise « Kuroneko » de 1968, réalisée par Kaneto Shindō, une femme et sa belle-fille sont brutalement tuées par des soldats, pour ensuite revenir sous forme de chats cherchant à se venger. Il s’agit d’un conte plus surnaturellement explicite que la fable d’horreur d’art et d’essai antérieure de Shindō, « Onibaba ». Dans Onibaba, les personnages principaux sont une mère (Nobuko Otowa) et la femme de son fils (Jitsuko Yoshimura), qui survivent pendant la guerre en attirant et en tuant des samouraïs pour leurs provisions, en les jetant dans une fosse profonde. Ce sombre scénario reflète les compromis que les citoyens ordinaires auraient dû faire pendant la Seconde Guerre mondiale. Shindō combine des éléments contemporains, comme des plans nocturnes de champs éclairés par la lune, avec des aspects traditionnels, comme les techniques du théâtre Nô. La femme plus âgée vole un masque et une cape Hannya tordus pour tenter d’effrayer son compagnon et l’inciter à se comporter bien. Cependant, elle finit par devenir l’incarnation de ce qu’elle imite – une « sorcière démoniaque » rongée par la jalousie.

La sorcière (2015)



Le film d’horreur folklorique de la Nouvelle-Angleterre de Robert Eggers intensifie les thèmes d’horreur traditionnels tels que la peur du féminin et la sexualité. « La Sorcière » semble hantée à chaque coin de rue, depuis ses personnages puritains exilés jusqu’au meurtre explicite d’enfants qui anime l’intrigue, qui est révélée au début du film. Il rejette le mystère et le remplace par un sentiment de catastrophe imminente, associé à des gros plans inquiétants d’animaux. Anya Taylor-Joy a d’abord été reconnue pour son rôle de Thomasin, la fille adolescente de la famille qui fait face à la tentation de « vivre délicieusement », une sinistre proposition qui contredit tout ce qu’elle comprend et croit. Le film laisse une impression indélébile avec ses visuels terrifiants, une impression qui persiste au plus profond de vous, un peu comme une expérience cinématographique surnaturelle.

Les oiseaux (1963)



Pour être vraiment effrayé par l’exploration du suspense techniquement impressionnante mais quelque peu absurde d’Alfred Hitchcock, il faudrait probablement déjà avoir une peur des oiseaux. Cependant, même si vous ne le faites pas, regarder ce film peut changer votre point de vue sur des images courantes comme les corbeaux sur les lignes électriques, car Hitchcock transforme avec brio ces scènes ordinaires en sources d’effroi. Le film présente de nombreuses difficultés logistiques pour tout réalisateur, notamment la représentation de la méchanceté de créatures incapables de communiquer verbalement. Pourtant, Hitchcock n’était pas un cinéaste ordinaire et insuffle habilement à ce récit édifiant écologique inexpliqué des décors mémorables, comme la scène où Tippi Hedren passe nerveusement devant un terrain de jeu grouillant d’oiseaux menaçants. Hitchcock a notamment choisi de renoncer à l’aide du compositeur Bernard Herrmann (qui a joué un rôle crucial dans « Psycho »), créant plutôt une tension grâce à une conception sonore innovante – une stratégie qui est depuis devenue un incontournable du genre.

Godzilla (1954)



Godzilla, l’un des monstres les plus remarquables du cinéma, existe dans un mélange unique d’absurdité à couper le souffle. Il est à cheval sur deux extrêmes, incarnant un étrange mélange de merveilles kitsch. Se tenant au-dessus des paysages urbains, des trains et des lignes électriques, il les détruit comme s’il s’agissait de simples jouets (une pensée qui me vient maintenant à l’esprit), avec une peau semblable à de la fourrure, un dos orné de plaques en forme d’arbre et des yeux si petits qu’ils bordent sur chiot. Cette bête radioactive qui a ravagé Tokyo est un symbole de la tragédie nucléaire vécue par le Japon pendant la Seconde Guerre mondiale. En tant que tel, il constitue l’une des horreurs les plus marquantes du XXe siècle à l’écran. Pourtant, on nous rappelle constamment que nous assistons à un spectacle de marionnettes apocalyptique astucieusement ringard, car il est joué par un homme en costume de dinosaure. Le film Godzilla original reste le plus captivant, offrant un spectacle grandiose de destruction teinté de solennité.

La chose (1982)



Créer quelque chose d’entièrement nouveau et terrifiant pour les fans d’horreur, en particulier un type unique de monstre, peut s’avérer un véritable défi. Le premier grand projet de studio de John Carpenter était en fait un remake (du thriller de science-fiction des années 1950 « The Thing From Another World »), mais il a reçu des critiques mitigées. Ce qui distingue vraiment son histoire effrayante qui se déroule en Antarctique, c’est un prédateur extraterrestre qui imite ses victimes, adoptant les caractéristiques de diverses espèces qu’il a rencontrées à travers la galaxie. Chaque fois que nous rencontrons cette créature, elle apparaît sous une nouvelle forme grotesque : une combinaison de tentacules, de dents, de muscles et de pattes d’araignée, fusionnés avec tout ce qu’elle a assimilé de sa dernière victime. Rob Bottin, un maître des effets pratiques (« The Howling »), était responsable de la création de chacune de ces créatures menaçantes, allant d’une tête décapitée ressemblant à un crabe à une bête ressemblant à un chien qui se transforme à l’envers. Ce qui rend cette créature encore plus troublante, c’est sa capacité à se fondre dans la masse une fois transformée, ce qui la rend presque impossible à détecter.

L’homme invisible (1933)



Dans une tournure surprenante, Claude Rains a dépeint le personnage le plus séduisant parmi les monstres universels, mais il est ironique que les téléspectateurs n’aperçoivent pas son visage avant la scène finale de « The Invisible Man ». C’était son premier rôle, où en tant que Dr Jack Griffin, il apparaît d’abord caché sous des bandages et des lunettes noires. Après avoir été provoqué par les clients d’une taverne, il enlève ce déguisement pour ne rien révéler du tout – un effet créé en recouvrant les parties « invisibles » de l’acteur de velours noir et en filmant sur un fond complètement noir, puis en superposant le reste sur la scène. Contrairement à de nombreux récits de monstres ou de super-héros, « The Invisible Man » saute la partie où Griffin acquiert ses pouvoirs, se concentrant plutôt sur la façon dont le sérum lui vole la raison. Une anecdote intéressante : le rire maniaque de Rains a servi d’inspiration pour la performance de Mark Hamill dans le rôle du Joker dans la série animée « Batman ».

Chasseur d’hommes (1986)



Le portrait emblématique d’Hannibal Lecter se trouve dans « Le Silence des agneaux » de Jonathan Demme, mais cinq ans auparavant, le réalisateur Michael Mann avait adapté le premier roman de Thomas Harris de Lecter, « Red Dragon », en un thriller policier effrayant. Brian Cox joue magistralement Lecter, ouvrant la voie à l’interprétation d’Anthony Hopkins. Cependant, c’est la performance de Tom Noonan dans le rôle de Francis Dollarhyde qui brille vraiment. En tant que meurtrier familial avec une lèvre cicatrisée et un psychisme enragé caché derrière la voix bégayante d’un drone de bureau, il est peut-être le tueur en série le plus authentique à l’écran. Sa poursuite par Will Graham, l’agent du FBI de William Petersen, crée une expérience tendue et troublante qui offre un étrange sentiment de libération à travers son atmosphère inquiétante.

Vampire (1932)



Les vieux films d’horreur classiques conservent généralement une élégance raffinée, presque surannée, même s’ils mettent en scène des démons inquiétants. Cependant, l’étrange film de vampire de Carl Theodor Dreyer s’écarte de ce modèle, car il a été produit au début de l’ère sonore, mais présente un dialogue minimal et un manque de cohérence narrative qui pourrait au premier abord ressembler à un défaut. Mais si vous abordez ce film de 73 minutes non pas comme une histoire conventionnelle mais comme une symphonie éthérée de peur et d’appréhension refoulée, il peut progressivement paraître étonnamment contemporain. L’histoire des vampires est présentée sous forme de riches fragments de terreur obsédante et à moitié oubliée. Dans une scène particulièrement marquante, le protagoniste, interprété par Julian West au regard perçant, vit une expérience hors du corps où il se voit transporté dans un cercueil de verre et enterré. Aucun film d’horreur n’a jamais rendu la mort aussi vivante.

28 jours plus tard (2002)



En tant que cinéphile, je trouve que les films d’horreur les plus captivants ne font pas que nous effrayer ; ils mettent en lumière nos craintes les plus profondes concernant l’existence contemporaine. Dans le domaine du film de zombies révolutionnaire de Danny Boyle, la peur imminente d’une maladie contagieuse, en l’occurrence le « virus de la rage », préfigurant le COVID-19 de près de deux décennies, se propage à une vitesse impitoyable. La représentation traditionnelle des « morts-vivants » ou du processus de transformation interminable est ici rejetée. Au lieu de cela, tout se passe à un rythme effréné, un fait que Boyle et le scénariste Alex Garland soulignent à partir du moment où Naomie Harris est obligée de tuer brutalement un ami infecté, quelques instants seulement après avoir reconnu son état. Cette scène effrayante surprend le personnage stupéfait de Cillian Murphy. Filmé avec des caméras Mini DV compactes et adaptables, le film place les spectateurs carrément dans un Londres post-apocalyptique, préfigurant étrangement le confinement de 2020.

Les Diables (1971)



Dans les années 1970, le cinéaste britannique Ken Russell, connu pour son approche non conventionnelle, a créé des films qui dépassaient souvent les frontières, allant des représentations de compositeurs classiques (« The Music Lovers », « Mahler ») et d’opéras rock (« Tommy ») aux opéras rock (« Tommy »). thèmes sensuels dans les œuvres de D.H. Lawrence (« Women in Love »). Cependant, son film le plus provocateur était « The Devils », une adaptation de la pièce de John Whiting sur une chasse aux sorcières catholique romaine au XVIIe siècle. Russell a transformé cela en une représentation choquante et grotesque d’une sexualité réprimée explosant de fureur. Oliver Reed jouait le rôle du prêtre condamné et se pavanant, tandis que Vanessa Redgrave incarnait l’abbesse bossue qui était amoureuse de lui. Poussée par la jalousie, elle a suscité une vague de passion sexuelle parmi les religieuses, qui a également conduit à de fausses accusations qui ont dégénéré en peur et en obscurité. En observant attentivement, on peut discerner une essence humaine troublée palpitant sous la représentation horrible de la sauvagerie de Russell.

La fiancée de Frankenstein (1935)



Le film, qui est une suite de la série Universal Monsters, présente le réalisateur James Whale abordant de manière ludique l’une des énigmes persistantes de l’horreur : ressusciter un méchant qui a été vaincu à la fin du film initial. Dans cet épisode, le Dr Frankenstein (Colin Clive) et son monstre (Boris Karloff) survivent miraculeusement à l’enfer du moulin à vent et même à l’explosion d’un laboratoire qui s’ensuit. Semblable à son prédécesseur, le film comprend des moments touchants de connexion humaine, comme lorsque le monstre noue un lien avec un ermite aveugle (O.P. Heggie), qui le perçoit de manière unique. Comme Bill Condon l’a expliqué dans « Dieux et Monstres », Whale était secrètement gay à une époque où de telles identités n’étaient pas ouvertement discutées, et il y a un sentiment de mélancolie dans la vaine quête de compagnie du monstre. Le film propose également une scène électrisante lors de la création de la mariée condamnée (Elsa Lanchester), complétée par une mèche de cheveux blancs provenant d’un éclair.

Kwaidan (1964)



On pourrait s’attendre à ce que les films d’horreur aient un style particulier : sombre et inquiétant, rempli d’ombres profondes et pleines de suspense. Cependant, le réalisateur japonais Masaki Kobayashi a choisi une approche unique pour sa compilation de trois heures de quatre histoires de fantômes classiques, souvent saluée comme l’un des plus beaux films jamais réalisés. Ce film, en particulier son troisième chapitre, qui met en scène un homme chauve dont le corps est couvert d’écritures calligraphiques (à l’exception de ses oreilles, qui sont des points vulnérables), a un côté surréaliste, presque onirique, qui suggère qu’il pourrait provenir d’une réalité alternative. Il convient de le mentionner : de « Ugetsu » à « Pitfall », les films japonais du milieu du siècle exploraient les histoires de fantômes de manière plus artistique que leurs homologues occidentaux. Néanmoins, l’élégance visuelle que Kobayashi a apportée à ces contes ne ressemblait à rien de ce que le public avait jamais vu auparavant.

Monstres (1932)



Si « Dracula » a pu être le plus grand succès commercial du réalisateur Tod Browning, son film « Freaks » (produit par MGM) a un impact plus effrayant. L’histoire se déroule au sein d’une communauté d’artistes du carnaval, célébrant leurs identités uniques au lieu de les cacher. Alors que les studios Universal connaissaient le succès avec leurs films de monstres, Browning a proposé une perspective alternative dans laquelle les seuls vrais monstres étaient la cupide Cléopâtre (Olga Baclanova) et son amant homme fort Hercule (Henry Victor). Leur projet impliquait d’épouser et d’assassiner une petite personne nommée Hans (Harry Earles). Plutôt que d’être décrits comme de simples curiosités, les compagnons de Hans se sont regroupés pour le protéger. Au départ, Browning avait l’intention de repousser les limites plus loin, mais le public test a trouvé les personnages et leurs actions dérangeants (ils ont mutilé Hercule !), ce qui a conduit à un recoupage du film en studio. Après des années de popularité culte, il apparaît désormais prophétique, préfigurant les récits de la belle dans la bête vus dans « La forme de l’eau » et « Un homme différent ».

Rouge profond (Profondo Rosso) (1975)



Dans le slasher italien chic de Dario Argento, le public est surpris dès la scène d’ouverture, avec des chants d’enfants accompagnant un horrible coup de couteau de Noël. La musique, fournie par les icônes du rock progressif Goblin, devient de plus en plus funky et complexe, tout comme le récit. David Hemmings incarne un pianiste anglais qui tombe sur un meurtre et se sent obligé de percer le mystère, malgré le danger apparent que cela lui fait courir face à un ou plusieurs tueurs impitoyables. Argento a introduit une telle tournure bien avant que « Scream » ne devienne populaire. Au sommet du genre giallo qu’il a contribué à peaufiner, le réalisateur italien se livre à des excès de style : des gants noirs, des poupées inquiétantes, un manoir menaçant et de nombreux traumatismes crâniens alors que la tête des victimes est lacérée, fracassée, voire écrasée par un excès de vitesse. voiture. Les passionnés de Gore seront satisfaits du sang abondant, vif comme de la peinture, alors qu’Argento repousse les limites graphiques.

Héréditaire (2018)



En termes plus simples, le thriller surnaturel effrayant d’Ari Aster, « Hereditary », apparaît initialement comme une histoire d’horreur typique sur une famille hantée par des esprits. Cependant, il se démarque par son atmosphère inquiétante et pleine de suspense (Toni Collette livre une performance émotionnellement intense comparable à Liv Ullmann). Le protagoniste du film, Charlie (Milly Shapiro), éprouve des visions spectrales qui ressemblent aux personnages d’une suite de « Smile ». Le récit se concentre ensuite sur Peter (Alex Wolff), le lycéen mélancolique de la famille, vous faisant comprendre que le surnaturel envahit la réalité présente. La finale est une scène à couper le souffle qui vous donne l’impression d’être entré à travers un miroir dans un autre monde.

L’invasion des voleurs de corps (1956)



Dans le chef-d’œuvre intemporel du film B de Don Siegel, les extraterrestres apparaissent sous la forme de gousses ressemblant à des légumes, envahissant une paisible ville californienne sans que personne ne s’en aperçoive. Ce qui est intrigant, c’est que personne ne peut distinguer les substituts ! Souvent considéré comme une allégorie du maccarthysme, le thème sous-jacent de ce film transcende la politique et plonge dans le comportement social. Le film, malgré ses effets spéciaux rudimentaires, explore le conformisme des années 1950 – une époque caractérisée par une convenance immaculée qui rendait de plus en plus difficile la perception des émotions humaines brutes qui se cachaient en dessous. Vers le point culminant, lorsque le médecin paniqué de Kevin McCarthy regarde droit dans la caméra et crie : « Ils sont déjà là ! Vous êtes le prochain ! », il parle des extraterrestres – pourtant symboliquement, ils ont toujours été en nous.

Evil Dead 2 : Mort à l’aube (1987)



Le chiffre « 2 » dans le titre peut vous tromper : la suite audacieuse de Sam Raimi de son chef-d’œuvre gore à petit budget « The Evil Dead » est en fait une « re-quel », même si elle est sans vergogne ringarde. Cela explique pourquoi le personnage de Bruce Campbell, Ash (qui a péri dans le premier opus), réapparaît miraculeusement, conduisant des victimes sans méfiance vers une cabane isolée où les attendent leurs disparitions macabres. Un texte ancien laissé sur les lieux est chargé d’invoquer diverses formes de chaos surnaturel lors de son ouverture. Initialement armé d’une hache puis d’une tronçonneuse, Ash affronte ses visiteurs démoniaques, dont les transformations extraordinaires sont désormais réputées grâce à Greg Nicotero et à l’ancien collaborateur de Raimi, Tom Sullivan. Alors que « The Evil Dead » avait ses adeptes dévoués (dont Stephen King), son redémarrage plus extrême s’est transformé en un classique culte visionné tard dans la nuit, inspirant d’autres réalisateurs d’horreur (comme Peter Jackson) à repousser les limites de leur créativité. visions aussi loin qu’ils l’ont osé.

M (1931)



Le film de Fritz Lang, « M » (1931), qui se déroule à Weimar en Allemagne, est une critique expressionniste de la vie urbaine et de ses dangers. Dans la ville animée, la méchanceté peut se cacher inaperçue, s’attaquant aux plus faibles. Le public apprend assez tôt qui est le criminel, interprété par Peter Lorre ; Malgré ses actes odieux, notamment le fait de cibler des enfants, le film suscite également un sentiment de sympathie alors que la foule cherche à se venger d’un personnage aussi pitoyable. Dans le passage des films muets au son, Lang et Hitchcock partageaient des instincts similaires pour la composition et le suspense, dérangeant souvent les spectateurs avec des angles inhabituels, des ombres lourdes et des travellings innovants. Les parties les plus effrayantes du film sont laissées à notre imagination – pas seulement les meurtres, mais aussi le spectre imminent de l’idéologie nazie croissante, une préoccupation pour Lang alors qu’il anticipait son impact néfaste sur la société allemande.

La Nuit du chasseur (1955)



Bien qu’il ne soit pas généralement classé comme un film d’horreur, le premier film de Charles Laughton, La Nuit du chasseur, présente l’un des méchants les plus effrayants du cinéma à travers le portrait de Harry Powell par Robert Mitchum. Ce personnage malveillant, fraîchement sorti de prison, élabore un plan pour épouser et assassiner la veuve de son compagnon de cellule (Shelley Winters). Vêtue de noir, la silhouette imposante du personnage à la voix grave de Mitchum jette une ombre sur les autres personnages, mais particulièrement sur les deux orphelins. La séquence la plus unique et la plus fréquemment imitée du film se produit lorsque ces enfants tentent de s’échapper de manière surréaliste, flottant en aval avec le « prédicateur » de Mitchum à leur poursuite. Ce voyage apparaît comme un cauchemar éveillé pour les enfants. C’est un film qui serait déstabilisant même pour les spectateurs adultes, laissant le public hanté par des images spécifiques, comme les jointures de Powell portant les mots « AMOUR » et « HAINE ».

Ringu (1998)



S’inspirant du roman à succès de Koji Suzuki, le thriller surnaturel effrayant de Hideo Nakata « Ringu » a marqué le début de l’engouement pour le J-horror au début des années 2000 avec son concept unique et flexible. Le film, sur une cassette VHS maudite qui provoque la mort de quiconque la visionne en une semaine, a été remarquablement refait par Gore Verbinski en 2002 sous le nom de « The Ring » et a donné naissance à plusieurs suites et adaptations anglaises comme « The Grudge » et « One Missed Call ». , » inspiré de « Ju-On ». Le film original mélange habilement une atmosphère inquiète et une terreur existentielle, notamment représentée par l’image obsédante d’une jeune fille spectrale aux cheveux longs sortant d’une télévision. Structurellement complexe et destiné à provoquer plutôt qu’à offrir des frayeurs passagères, « Ringu » a déclenché une époque brève mais marquante de l’horreur du 21e siècle.

Yeux sans visage (1960)



Le film le plus mélodieux jamais créé, explorant les aspects sinistres de la chirurgie esthétique, est le chef-d’œuvre d’horreur français à la fois troublant et élégant de Georges Franju. Dans cette œuvre, le Dr Génessier, chirurgien plasticien à Paris (joué par Pierre Brasseur), déploie des efforts extraordinaires pour restaurer le visage défiguré de sa fille Christine (Édith Scob) après un accident de voiture. Il enlève et anesthésie une séquence de jeunes femmes, enlevant chirurgicalement leurs visages pour les transplanter sur le visage endommagé de Christine. Cependant, aucun des visages transplantés ne s’installe – ils sont rejetés par son corps, comme dans le cas d’une transplantation cardiaque ratée, ce qui nécessite la répétition de l’horrible procédure. Franju utilise des masques, comme celui troublant porté par Christine qui reproduit ses traits, pour instiller une profonde horreur par implication, tout en conservant juste assez de détails chirurgicaux graphiques pour laisser une impression durable.

Le Fantôme de l’Opéra (1925)



Une scène inoubliable de certains films d’horreur captive le spectateur, comme la scène de la douche dans « Psycho ». Cependant, le film d’horreur muet classique de Rupert Julian a étonné le public comme aucun autre avec un seul plan. C’est la scène où le Fantôme de l’Opéra, jouant de son orgue au cœur des catacombes de l’Opéra de Paris, se révèle à Christine, sa protégée bien-aimée. Alors qu’elle passe la main autour de sa tête pour le regarder, il enlève son masque et, dans un accès de fureur atroce, il crie, exposant son visage défiguré. Ce visage, avec ses cheveux tombants cachant une tête en forme de crâne, ses yeux enfoncés et son sourire de fou, est l’une des images les plus obsédantes jamais filmées. Lon Chaney, connu pour maîtriser le maquillage grotesque, a véritablement fait honneur à son surnom « l’homme aux mille visages » avec ce portrait particulièrement effrayant. Le film lui-même fait un travail exceptionnel pour donner vie à cette histoire, un conte qui a été refait à plusieurs reprises, y compris à Broadway, mais aucun n’a atteint la note émotionnelle brute de l’original.

L’homme en osier (1973)



En tant que cinéphile dévoué, j’aimerais partager mon appréciation pour un film qui s’impose comme un chef-d’œuvre singulier du genre de l’horreur : « The Wicker Man ». Contrairement à tous les films antérieurs ou ultérieurs, il a laissé une marque indélébile sur le cinéma lors de sa sortie. Malgré de nombreuses tentatives d’imitation, il reste sans égal.

Dracula (1931)



Parmi tous les personnages d’horreur hollywoodiens, le portrait du vampire de Bram Stoker par Bela Lugosi se démarque de manière unique comme étant à la fois mort-vivant et plus grand que nature, en particulier dans le film de Tod Browning. Bien qu’ils semblent quelque peu théâtraux aujourd’hui, le silence étrange et le château chargé de toiles d’araignées dégagent un enchantement durable qui captive dès la première note du « Lac des Cygnes » dans le générique d’ouverture. Le visage semblable à une gargouille et le jeu d’acteur troublant de Lugosi, qui ont transformé sa maladresse linguistique en quelque chose d’un autre monde, solidifient encore davantage ce sombre conte de fées sur le grand mal.

Les Innocents (1961)



Dans une brillante réimagination du « Tour de vis » d’Henry James, le réalisateur Jack Clayton livre un portrait troublant de Deborah Kerr dans le rôle de Miss Giddens, une gouvernante assidue qui se retrouve dépassée lorsqu’elle est chargée de s’occuper de deux enfants sans père. Cette mission la conduit dans un manoir inquiétant situé dans un domaine anglais isolé, qui pourrait très bien être hanté. Les talentueux acteurs, dont Kerr, font allusion à des courants sous-jacents troublants derrière le comportement apparemment poli des enfants. Cependant, le véritable génie du film réside dans sa nature énigmatique, laissant planer un doute sur la question de savoir si des forces surnaturelles influencent les enfants ou si leurs actions conduisent Miss Giddens au bord de la folie. Quoi qu’il en soit, « Les Innocents » dérange avant tout sur le plan psychologique, offrant une poignée de moments à couper le souffle (comme le visage à la fenêtre). Le classique intemporel de Clayton a préparé le terrain pour de nombreux films ultérieurs, dont « The Others » et la mini-série Netflix de Mike Flanagan « The Haunting of Bly Manor ».

Cri (1996)



Wes Craven a habilement utilisé la conscience de soi des années 90 pour créer cette méta-horreur magistrale : un film slasher mettant en vedette des personnages qui connaissent eux-mêmes bien le genre. Défiant les hypothèses du public en assassinant le personnage principal attendu, Drew Barrymore, dans la scène d’ouverture, « Scream » a systématiquement bouleversé les attentes. Le jeune casting attrayant était à la fois intelligent et ingénieux, le méchant pouvait être temporairement vaincu lors des batailles et l’énigme était résolue grâce à la fascination des personnages pour les films d’horreur et leurs tropes. Craven a ingénieusement redéfini les horreurs du genre en les reconnaissant et en surprenant les téléspectateurs qui étaient trop avisés pour se laisser prendre aux astuces traditionnelles d’Hollywood. Non seulement « Scream » a introduit un costume d’Halloween emblématique sous la forme de Ghostface, mais il a également insufflé une nouvelle vie au genre ; Le scénario de Kevin Williamson a démontré qu’au-delà des morts d’adolescents et du gore, les films d’horreur pouvaient être pleins d’esprit et résonnant émotionnellement.

Le projet Blair Witch (1999)



À la fin des années 90, le genre de l’horreur avait perdu sa valeur choc au profit des films slasher. Les téléspectateurs pouvaient prévoir chaque scène sanglante jusqu’à ce que trois acteurs s’aventurent dans les bois avec seulement un scénario de 35 pages et aucune idée de leur sort. Ce qui a suivi n’était pas un film typique de pauvres images trouvées, généralement rempli de travaux de caméra fragiles. Au contraire, ce film témoigne de l’art de la tension et de l’anticipation. Tout comme les personnages à l’écran, nous avons du mal à voir au-delà du prochain obstacle, ce qui nous tient en haleine. Fait intéressant, en 1999, 11 % de tous les internautes avaient visité le site Web du film, et le monologue sincère de Heather Donahue est immédiatement devenu une sensation sur Internet. Cependant, son jeu largement improvisé est considéré comme l’une des plus grandes performances de l’histoire de l’horreur. Lors de votre prochain visionnage, considérez-le comme le rêve terrifiant d’une femme cinéaste luttant pour se faire une place dans l’industrie.

L’aube des morts (1978)



Dix ans après « La Nuit des morts-vivants », George A. Romero revisite l’horreur et le genre zombie dont il a été le pionnier, proposant cette fois un thème complètement nouveau. La suite, produite avec plus de ressources et présentant davantage de sang, présentait des couleurs vives pour le sang (aussi vives que des crayons fondus) et un maquillage gris terne sur les morts-vivants (tous deux de Tom Savini).

Carnaval des âmes (1962)



Un joyau cinématographique exceptionnellement étrange et unique avec un budget restreint. Réalisé par Herk Harvey, un cinéaste industriel, pour seulement 33 000 $ à Lawrence, Kansas, « Carnival of Souls » véhicule une appréhension brute et pré-numérique et possède une qualité étrange qui en fait un choix parfait pour un visionnage de fin de soirée à la télévision. L’histoire tourne autour d’une femme nommée Mary (jouée par Candace Hilligoss), qui survit à un accident de voiture et déménage plus tard à Salt Lake City où elle trouve du travail comme organiste d’église. Cependant, elle est inexorablement attirée par un pavillon abandonné au bord du Grand Lac Salé, servant de décor envoûtant à ce film surréaliste venu d’un autre monde. L’ambiance expressionniste tendue du film combine des éléments de Bergman et d’Ed Wood, se transformant en une cacophonie de visages effrayants, aboutissant à une tournure qui vous laissera étonné.

Dimanche noir (1960)



Mario Bava, souvent considéré comme le maître de l’horreur italienne, a considérablement influencé le genre connu sous le nom de giallo. Bien que son style ait évolué au fil du temps vers des expressions plus élaborées, violentes et ornées, aucun de ses films n’a égalé l’impact de ses débuts. Intitulé « La Maschera del Demonio » en Italie (« Le Masque du Démon »), le titre captivant de ce film fait allusion à sa scène d’ouverture effrayante où une sorcière, interprétée par Barbara Steele aux yeux obsédants, reçoit un masque de bronze avec une pointe dessus. l’intérieur avant son exécution. L’histoire se déroule ensuite comme une histoire de vengeance, se déroulant deux siècles plus tard, qui se déroule comme un rêve dans les limites brumeuses d’un studio. Le masque à pointes réapparaît pour semer la terreur, tandis que Bava évoque une force d’horreur rare dans les années 1960 : la puissante fureur de la vengeance féminine.

Sortez (2017)



Jordan Peele transforme habilement un concept apparemment ordinaire – un homme noir (Daniel Kaluuya) rencontrant la famille aisée de sa petite amie blanche (Allison Williams) – en un commentaire humoristique, courageux et troublant sur la race et l’identité en Amérique. Au départ, le film ressemble à une critique acerbe du racisme quotidien, mais à mesure qu’il progresse, la façade de politesse s’estompe, révélant la profondeur de la terreur créée par Peele. Ce qui a commencé comme une satire mordante se transforme en une exposition intense, mettant en vedette des personnages monstrueux étrangement familiers et humains. Peele a continué à explorer l’horreur comme métaphore dans « Us » et « Nope », mais aucune de ses œuvres ultérieures n’a égalé l’intensité et l’impact de ses débuts, pour lesquels il a reçu à juste titre un Oscar du scénario original pour son récit innovant et stimulant. . Le film séduit un large public tout en abordant un problème profond : le sectarisme persistant parmi les Américains blancs, qui parvient à survivre malgré les progrès sociétaux.

La Momie (1932)



Dans une formulation différente :

Le brillant (1980)



Malgré des réponses mitigées, y compris des critiques de la part de l’auteur Stephen King, l’adaptation effrayante de « The Shining » de Stanley Kubrick est si complexe, bizarre et troublante qu’elle invite à de multiples visionnages. Cela a donné naissance à de nombreuses théories et à des analyses intenses depuis des décennies. Dans ce film, Jack Torrance, interprété par Jack Nicholson, et sa femme Wendy (interprétée par Shelley Duvall), sont embauchés pour gérer l’hôtel Overlook, isolé et hanté. Leur fils, Danny Lloyd, navigue dans les couloirs de l’hôtel tandis que la santé mentale de Jack s’effondre sous l’influence des habitants fantomatiques de l’hôtel. Duvall et Nicholson livrent des performances captivantes. Cependant, c’est l’hôtel Overlook lui-même qui vole la vedette, car un sentiment de terreur inexplicable se cache à chaque coin de rue : des ascenseurs remplis de rivières de sang, des jumelles effrayantes, un invité mort dans la salle de bain verte, et bien plus encore avant même que Nicholson ne brandisse son hache. Kubrick imprègne chaque image d’une peur oppressante, offrant une masterclass de narration visuelle et de rythme, laissant le public nerveux en attendant les terrifiantes surprises à venir.

Diabolique (Les Diaboliques) (1955)



Chose intrigante, il n’y a qu’en France que l’épouse et la maîtresse d’un homme pouvaient collaborer à un acte aussi effrayant, ouvrant la voie au chef-d’œuvre captivant d’Henri-Georges Clouzot, « Les Diaboliques ». Lors de ce thriller en noir et blanc, Véra Clouzot (ma contemporaine de l’époque) et Simone Signoret noient le personnage de Paul Meurisse dans une baignoire et jettent son corps dans une piscine scolaire. Cependant, au lieu d’être retrouvé là-bas comme ils l’avaient prévu, le cadavre disparaît, entraînant le déroulement d’événements étranges et invraisemblables. Quelques instants après cette tournure choquante, un message d’avertissement apparaît à l’écran : « Évitez d’être diabolique », exhorte-t-il, encourageant les téléspectateurs à réserver la surprise aux autres. Rassurez-vous, nous respectons ce souhait, sauf pour dire que ce qui rend ce film si convaincant encore aujourd’hui, c’est que son public reste incertain de ce dont il est témoin. Est-ce un meurtre mystère ? Une histoire de fantômes ? L’attrait d’Alfred Hitchcock pour l’adapter était indéniable, mais Clouzot l’a devancé.

Halloween (1978)



En tant que cinéphile dévoué, je ne peux m’empêcher de repenser à mon expérience avec la vague de films slasher qui a inondé le paysage cinématographique des années 1980 – des films que Roger Ebert a qualifiés avec dérision de « films d’adolescents morts ». C’était décourageant de voir autant de mauvaises imitations de classiques comme « Black Christmas », surtout après que le gore brutal de « Friday the 13th » ait pris d’assaut le genre.

Ne regarde pas maintenant (1973)



Le chef-d’œuvre effrayant « Don’t Look Now », réalisé par Nicolas Roeg, regorge de montages étranges et troublants, mettant en valeur le talent exceptionnel de Roeg en tant que réalisateur qui manipule habilement le temps et la mémoire au cinéma. À l’époque, les protagonistes, Donald Sutherland et Julie Christie, étaient considérés comme incroyablement sexy, mais en les regardant maintenant, ils incarnent plus fidèlement leurs personnages : un couple de classe moyenne à la fois attrayant et ordinaire, toujours aux prises avec la mort tragique et accidentelle de leur jeune fille. Le film se déroule à Venise, où le personnage de Sutherland, un restaurateur d’art, reconstruit une vieille église, et Roeg dépeint Venise comme une ville d’esprits, ce qui en fait la force cachée du film – créant une atmosphère troublante et inquiétante qui imprègne chaque canal jusqu’à ce qu’elle se matérialise. et vous prend au dépourvu. En adaptant la nouvelle de Daphné du Maurier, Roeg introduit le premier gothique cinématographique de l’ère moderne, décrivant un royaume surnaturel dont l’existence semble incongrue. Un sentiment omniprésent de peur enveloppe « Don’t Look Now », mais le film parle de quelque chose de plus que de simplement vous effrayer (même s’il le fait exceptionnellement bien au point culminant, qui pourrait être l’archétype des frayeurs de saut). Il plonge dans une faille cosmique.

Nosferatu : Une symphonie d’horreur (1922)



En 2021, « Winnie-the-Pooh: Blood and Honey » aurait peut-être découvert un moyen de contourner les réglementations sur les droits d’auteur, permettant à ses créateurs de dénaturer des personnages bien connus de manière non originale. Cependant, les imitations éhontées sont loin d’être uniques dans le genre de l’horreur. Il y a plus d’un siècle, le réalisateur allemand F.W. Murnau a présenté l’exemple le plus notable de cette pratique avec son film « Nosferatu », dans lequel il a simplement modifié certains noms tout en empruntant largement au « Dracula » de Bram Stoker. Les producteurs ont négligé d’acquérir les droits nécessaires, ce qui a conduit à un litige avec la succession de l’auteur. Néanmoins, ce qui distingue vraiment « Nosferatu », ce sont les aspects innovants qu’elle introduit. Avec rien d’autre que le langage corporel, l’acteur muet Max Schreck a donné vie à un personnage effrayant, s’appuyant sur la silhouette pour susciter la peur : ses oreilles pointues, ses yeux exorbités, ses épaules voûtées et ses longs doigts osseux enroulés comme des serres suffisaient à semer la terreur. Maintenant que « Nosferatu » fait partie du domaine public, d’autres sont libres d’utiliser cette figure emblématique.

Le silence des agneaux (1991)



Dans l’exceptionnel thriller psychologique réalisé par Jonathan Demme, Hannibal Lecter n’est pas le tueur en série recherché ; ce titre appartient au personnage de Ted Levine, Buffalo Bill. Cependant, cela en dit long sur la représentation du psychiatre criminel fou par Anthony Hopkins qu’il semble encore plus sinistre que l’antagoniste mentalement perturbé reconstituant un costume humain à partir de la peau de ses victimes. Jodie Foster livre une performance exceptionnelle dans le rôle de l’agent vert du FBI chargé de recruter l’aide d’un psychopathe, malgré son personnage qui semble à la fois fort et visiblement intimidé par le défi. Bien qu’il soit confiné dans une vitre pare-balles, Lecter exerce un immense pouvoir sur toutes les personnes impliquées, manipulant même son compagnon de cellule pour qu’il se suicide. Hopkins imprègne habilement son personnage effrayant d’un sentiment de danger si raffiné que ses jeux psychologiques semblent prédestinés dès le départ – et ils le sont en effet, car il garde toujours une longueur d’avance, finissant par échapper à la captivité à la fin.

King Kong (1933)



Un film intitulé « Kong » dépeint un gorille géant monstrueux mais innocent qui est transporté de son ancien habitat vers la ville animée de New York pour une exposition spectaculaire. Malgré sa nature effrayante, Kong évoque également un sentiment de tristesse et d’empathie alors qu’il se retrouve dans une situation tragique. Les scènes du film se déroulant sur l’île Skull remplie de dinosaures mettent en valeur les techniques révolutionnaires de stop-motion de Ray Harryhausen, captivant toujours les spectateurs par leur magie. Lorsque Kong enlève la reine des cris originale, Fay Wray, et escalade l’Empire State Building pour combattre les avions attaquants, le film devient un voyage émotionnel inoubliable sur une créature mystérieuse et redoutable venue d’un autre monde.

Extraterrestre (1979)



Deux ans après que « Star Wars » ait offert un avant-goût familial de la science-fiction, le réalisateur Ridley Scott a radicalement changé le ton, présentant le voyage spatial comme un concept sombre et menaçant d’une manière jamais vue auparavant. Initialement, le scénariste Dan O’Bannon a conçu le scénario d’un film de série B à petit budget intitulé « Star Beast », mais la Fox a montré un grand intérêt, conduisant à une expérience de science-fiction sans précédent : un film monstre à gros budget et classé R, réalisé par un réalisateur de publicités télévisées relativement inexpérimenté. Avec un seul long métrage à son actif, Scott possédait le don de créer une atmosphère et partageait l’appréciation d’O’Bannon pour les créations troublantes de l’artiste suisse H.R. Giger. Ainsi, la créature la plus terrifiante jamais représentée à l’écran a émergé, apparemment tirée de notre subconscient collectif, encore humide de liquide amniotique toxique. Le film présentait également une frayeur de saut mémorable (l’éclatement de la poitrine) et un rôle principal féminin robuste (Sigourney Weaver), redéfinissant ainsi à jamais le genre d’horreur de science-fiction.

Carrie (1976)



Un pur bonheur d’horreur de conte de fées. En adaptant le premier roman de Stephen King, sorte de Cendrillon qui va au bal et prend un bain de sang, Brian De Palma a réalisé un film empêtré dans le suspense, mais il s’est aussi pleinement connecté au côté humain de l’histoire dans une manière qui est rare pour lui. Carrie de Sissy Spacek, la giroflée grinçante du lycée qui souffre d’une sorte de SSPT d’une scène à l’autre aux mains de sa mère fondamentaliste en colère (sans parler des méchantes filles de l’école), est si touchante dans sa vulnérabilité de geek aux taches de rousseur que le film de Spacek. la performance est transportante. Ce qu’elle et Piper Laurie, en tant que maman psychopathe, jouent n’est rien de moins que « La Ménagerie de Verre » avec des « oreillers sales » et des couteaux volants. Et la séquence culminante du bal de promo est imprégnée d’une romance si chancelante que lorsqu’elle se transforme en massacre, le public a l’impression de fusionner avec les démons de la vengeance télékinésique de Carrie. Le choc final a effectivement mis en place la fin de « Halloween » et c’est la fin la plus effrayante de tous les films d’horreur.

Salò, ou les 120 journées de Sodome (1975)



En tant que cinéphile, je peux affirmer avec assurance qu’aucun film ne m’a jamais laissé aussi perturbé et intimidant que le dernier opus de Pier Paolo Pasolini, « Salò ou Les 120 journées de Sodome ». Situé dans la sinistre villa du lac de Garde, lieu autrefois occupé par le tristement célèbre Mussolini au cours de ses derniers jours, ce film constitue une critique mordante du fascisme et du néo-capitalisme. Entre les mains de Pasolini, les corps humains deviennent des marchandises, reflétant les aspects déshumanisants de la société moderne.

Frankenstein (1931)



Le film de monstres ultime et parfait. N’oublions pas qu’au début des années 30, la créature de Boris Karloff, aujourd’hui l’icône par excellence du vieux Hollywood d’horreur, était une image de pure terreur défigurée, avec des yeux morts incrustés dans une tête qui n’était qu’un bloc carré de chair, et un physique imposant qui était meurtrier presque par hasard. En adaptant le roman de Mary Shelley de 1818, le réalisateur James Whale a réalisé un drame de science-fiction gothique faustien qui est un chef-d’œuvre de la narration (il se passe tellement de choses dans le film… et il ne dure que 69 minutes). La performance de Colin Clive dans le rôle du médecin fou, possédé par son désir de redonner vie à ce qui est mort, est animée par une hystérie à la fois craquelée et respectueuse (« It’s vivant ! »). Et le génie de Karloff, sous tout ce maquillage, était de donner à la créature une vulnérabilité blessée sans jamais vraiment lui rendre conscience.

Audition (1999)



Ce n’est un secret pour personne : de nombreux films d’horreur sont ancrés dans la représentation de la rage masculine contre les femmes. On ne voit pas trop souvent l’inverse, mais il ne serait pas exagéré de dire que le thriller ultraviolent de Takashi Miike est le « Citizen Kane » des fantasmes de vengeance féministes sadiques et visionnaires. Le film nous attire avec une ruse retenue, car il évoque une sympathie pour Shigeharu (Ryo Ishibashi), un veuf dont l’ami producteur de films lui organise une simulation d’audition pour un casting afin qu’il puisse trouver une nouvelle épouse. Il rencontre Asami (Eihi Shiina) et pense avoir trouvé le partenaire idéal. Mais ne jugez pas une femme geisha à sa couverture. Asami est une victime déformée dont la mission est de soumettre les hommes aux tortures des damnés. Miike met en scène le film comme un grand opéra de banlieue se déroulant dans un enfer douloureux. Vous en resterez bouche bée d’horreur, mais « Audition » n’est pas un film d’exploitation. Il s’agit d’un drame cathartique dans lequel la performance de Shiina évoque une image terrifiante du côté obscur de l’autonomisation.

La Nuit des morts-vivants (1968)



De Dracula à Frankenstein en passant par (le malade du monde réel) Jack l’Éventreur, bon nombre des monstres les plus redoutables d’Amérique étaient d’origine européenne. Mais pas le zombie. Malgré des liens de nom avec le vaudou des Caraïbes, la notion de cadavres en état de mort cérébrale sortant de leurs tombes – telle que présentée dans le classique qui définit le genre de George A. Romero – est une peur aussi locale que le cinéma d’horreur a à offrir, et comme le Contagion vaguement définie présentée dans « La Nuit des morts-vivants », elle a engendré des hordes d’imitateurs. Un film choc en noir et blanc, à petit budget (sorti à une époque où près des deux tiers des films américains étaient réalisés en couleur), l’original reste le plus puissant : le monde tel que nous le connaissons est devenu incontrôlable. , et le seul endroit où se cacher est une ferme vulnérable, où les restes carnivores de nos concitoyens se sont retournés contre nous. En mettant l’acteur noir Duane Jones dans le rôle principal, Romero a donné au public des commentaires sociaux supplémentaires à lire dans un film né à une époque de tensions raciales et de troubles civils.

Le bébé de Rosemary (1968)



À la fin des années 1960, la croyance selon laquelle le mal existait dans le monde n’était pas totalement incroyable. Le thriller glaçant de Roman Polanski est profondément enraciné dans une représentation effrayante de la grossesse, faisant preuve de compréhension envers les femmes mêmes qu’il pourrait terrifier. Cependant, cela fait subtilement allusion à une société qui se sent de plus en plus à l’aise avec la fin des temps. Il s’agit de l’un des films les plus intimes jamais réalisés sur Satan. Mia Farrow, arborant une coupe de cheveux Vidal Sassoon qui se transforme en une représentation obsédante du style camp de la mort, offre une performance inoubliable dans le rôle de Rosemary, l’épouse innocente d’un acteur de théâtre ambitieux (John Cassavetes). Ils concluent un accord avec le culte des adorateurs du diable vivant à côté, qui promettent d’invoquer Satan pour imprégner Rosemary, en échange du succès professionnel souhaité par son mari. Ruth Gordon, incarnant l’acolyte manipulatrice du diable chargée de prendre soin de Rosemary, incarne la nature ordinaire du mal, et le film crée une paranoïa et un suspense si intenses qu’il constitue l’un des derniers exemples remarquables de cinéma classique à émerger du Nouvel Hollywood. .

Mâchoires (1975)



Un bon film d’horreur donne au public quelques très bonnes secousses. Cela pourrait même les motiver à dormir avec les lumières allumées cette nuit-là. Mais rares sont ceux qui ont modifié le comportement humain de manière aussi fondamentale que « Les Dents de la mer » l’ont fait, obligeant des millions de personnes à éviter l’eau. Bien sûr, les requins ont toujours fait peur, mais le blockbuster chaotique à réaliser (mais finalement très réussi) du jeune Steven Spielberg a donné aux gens normaux des raisons de craindre qu’ils ne soient attaqués dans les endroits les plus improbables : dans les lacs, les piscines et les plages où aucune nageoire n’avait jamais été aperçue. La scène d’ouverture – une baignade malheureuse à minuit – faisait allusion à ce qui pourrait se cacher sous la surface, tandis que la décision de filmer depuis le point de vue du requin (plus le score accélérant le pouls de John Williams) a laissé notre imagination faire le travail. Au moment où le requin géant attaque le bateau à la fin, le public avait investi l’espèce préhistorique d’un pouvoir presque surnaturel. Le danger était peut-être exagéré, mais la menace semblait réelle.

Psycho (1960)



Le chef-d’œuvre d’Alfred Hitchcock, « Psycho », constitue une étape sans précédent dans le cinéma d’horreur, ce qui peut sembler inconcevable compte tenu de sa réception initiale en 1960 – il était considéré comme une entreprise divertissante mais à petit budget, semblable à une salle de spectacle miteuse. Cependant, six décennies plus tard, la signification de chaque élément et symbole de « Psycho » – tels que les oiseaux, les égouts, les yeux, les essuie-glaces, les escaliers, les marécages, les violons hurlants, la tête victorienne de Mme Bates, entre autres – n’est rien. moins qu’intemporellement emblématique. Hitchcock a transformé son équipe de télévision en créant un mystère gothique de terreur primale caché dans une trappe, nous obligeant à examiner notre propre peur tout en regardant le film. Dans sa scène la plus célèbre (78 plans d’une mort prolongée et atroce), il a subtilement tiré le rideau de douche en plastique, nous laissant remettre en question non seulement la sécurité de Marion Crane, mais aussi l’existence même de la protection divine : une préfiguration effrayante qu’aucune bonté ne serait assez pour protéger n’importe qui. A partir de ce moment, nous sommes complètement captivés par le savoir-faire du Maître. Plus on regarde « Psycho », plus on reconnaît la performance d’Anthony Perkins comme une incarnation intemporelle de la ruse et de la terreur.

L’Exorciste (1973)



Avant l’adaptation par le réalisateur William Friedkin du roman de William Peter Blatty, la possession à l’écran était avant tout un truc de fête : une forme d’hypnose glorifiée où les yeux d’un individu crédule s’éblouissaient et suivaient les ordres de quelqu’un d’autre. Cependant, Blatty a puisé dans quelque chose de beaucoup plus ancien, un phénomène que même les experts en religion ont du mal à comprendre. Cinquante ans plus tard, la puissance du chef-d’œuvre de Friedkin (supposément provoquant l’évanouissement) captive toujours parce que toutes les personnes impliquées ont tout donné pour que la possession démoniaque semble authentique. Alors que le personnage de Linda Blair, Regan, s’enfonce encore plus dans l’obscurité, Ellen Burstyn dépeint le désespoir parental d’une mère incapable de comprendre ce qui ne va pas chez son enfant. Sa recherche inébranlable d’explications rationnelles renforce l’impact des événements surnaturels qui s’ensuivent, de telle sorte qu’une simple artériographie semble aussi déchirant que les vomissements de Regan. Le mal dans cette histoire semble extrême, mais aussi plausible. Dans le monde d’aujourd’hui, feriez-vous confiance à l’Église catholique pour gérer cette situation ?

Le massacre à la tronçonneuse au Texas (1974)



Peu de films d’horreur parviennent à capturer l’essence d’un véritable cauchemar – cette terreur obsédante et surréaliste qui vous donne l’impression que le cauchemar se produit réellement. En 1974, le simple fait de mentionner « le massacre à la tronçonneuse » pouvait vous faire peur. Les mots « Texas. Chain. Saw. Massacre. » eux-mêmes semblaient jouer le film dans votre esprit, comme un film macabre à priser sorti d’une maison pour chauves-souris. Cependant, alors que de plus en plus de gens le regardaient, l’aspect le plus surprenant de « The Texas Chain Saw » était sa qualité exceptionnelle de chef-d’œuvre terrifiant. Tobe Hooper a habilement réalisé ce film effrayant avec une qualité lyrique pleine de suspense qui rappelle un grindhouse existentiel d’Hitchcock. Il a transformé l’histoire de cinq adolescents post-hippies voyageant dans une camionnette à travers la nature sauvage du Texas en une descente dans les profondeurs les plus sombres de l’Amérique.

Le motif visuel principal de ce film est un personnage massif, muet et handicapé mental nommé Leatherface, qui porte un masque fait de chair humaine et utilise des outils électriques comme instruments mortels. Il est un pionnier parmi les tueurs masqués qui terrorisent le genre slasher (comme Michael Myers et Jason Voorhees), mais ce qui le distingue, c’est sa motivation : il n’est pas motivé par la rage, comme eux. Au contraire, il peut être décrit comme un abatteur, éliminant systématiquement les gens avec une brutalité qui rappelle l’abattage du bétail. On pourrait appeler cela l’annihilation de la compassion.

Au cours des cinq dernières décennies, « Massacre à la tronçonneuse » a laissé une marque indélébile sur le genre de l’horreur, tout comme « Psycho » ou « L’Exorciste ». Au lieu de simplement créer de la peur, cela a créé une mythologie effrayante qui semble plus pertinente aujourd’hui que jamais. Le film a capturé la détérioration de l’esprit américain, un sentiment que nous pouvons ressentir à notre époque. En fin de compte, ce qui rend « Chain Saw » si inoubliable et inquiétant, c’est sa représentation de la folie comme force motrice de l’univers : Leatherface, brandissant sa tronçonneuse sur fond de soleil levant, sa danse frénétique de la mort servant non seulement de rituel mais comme une terrible prophétie – cet ordre s’effondrera. Ce mal se cache au coin de la rue.

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2024-10-09 16:31