Revue de « Sanatorium sous le signe du sablier » : la fantaisie surréaliste en stop-motion des Quay Brothers est une bouchée, une pleine vue et un fond d'esprit

En tant que connaisseur du surréaliste et du bizarre, avec une profonde appréciation pour le monde ésotérique de l’animation stop-motion, je me trouve totalement captivé par « Sanatorium sous le signe du sablier ». Ce film témoigne de la capacité inégalée des Quay Brothers à articuler le temps, l’espace et la mortalité d’une manière qui défie la narration traditionnelle. C’est comme entrer dans un rêve, un rêve qui persiste longtemps après votre réveil.

Dans le royaume artisanal, faiblement éclairé, représenté dans « Le Sanatorium sous le signe du sablier », ni le temps, ni l’espace, ni la vie n’adhèrent aux horaires terrestres. Par conséquent, il est normal que ce fascinant voyage en stop-motion semble respecter ses règles temporelles uniques. Après près de deux décennies, ce premier long métrage des animateurs cultes des Quay Brothers ne dure que 76 minutes. Cependant, lorsque vous vous plongez dans son récit énigmatique, vous ressentez simultanément l’impression d’un voyage sans fin qui se termine avant que vous ne vous en rendiez compte – un peu comme un grand rêve qui s’efface rapidement au réveil.

La nature complexe et mystérieuse du film « Sanatorium » pourrait dérouter le public qui, une fois entraîné dans son scénario intensément sombre et gothique, se retrouve perdu dans un récit fluide mettant en vedette plusieurs personnages, des chronologies tordues et même une mort qui n’est pas définitive. Les téléspectateurs familiers avec le travail des Quays, en particulier leur court métrage influent de 1986 « Street of Crocodiles », également adapté de Schulz, seront mieux préparés aux bizarreries et aux énigmes ornées de cette dernière production. Présenté pour la première fois aux Venice Days cette année, ce film est prévu pour un large festival, une distribution art et essai limitée et un culte. Les Quays, qui ont maintenant près de soixante-dix ans et comptent des partisans notables comme Christopher Nolan, ne montrent aucun intérêt pour le succès grand public.

En tant que cinéphile, je me retrouve entraîné dans le monde énigmatique du Sanatorium Karpaty, niché au pied des Carpates en 1937 – une année qui fait écho à la publication d’un roman au titre et aux thèmes similaires. Le film se déroule dans cette atmosphère de mystère, non pas tant à travers un récit qu’à travers des thèmes communs avec l’œuvre de Kafka. Mais pour atteindre ce décor, nous parcourons d’abord un scénario complexe tournant autour d’une maison de ventes aux enchères douteuse. Ici, des objets rares sont mis aux enchères, comme les os fossilisés d’une mythique sirène de mer, l’or liquide des abeilles, et le plus pertinent pour le film, une « Maquette pour la tombe d’une rétine morte » – un diorama intrigant animé par la lumière du soleil filtrant à travers l’œil préservé de son ancien propriétaire. (Le langage grandiose du film semble servir de plaisanterie sèche, ajoutant une couche de sophistication.)

Dans Maquette, l’histoire de Joseph se déroule, racontée doucement par Andrzej Kłak, un jeune homme déterminé qui embarque pour un long voyage en train à travers une partie isolée de l’Europe de l’Est, en direction du sanatorium où réside son père malade ou décédé. Le médecin responsable, Gotard, révèle que cette institution existe dans un état décousu dans le temps, prise entre réalité et existence onirique ; Joseph pourrait découvrir son père vivant dans une certaine dimension, mais seulement grâce à une exploration atroce des couloirs complexes du sanatorium. Décrire Sanatorium comme linéaire est trompeur, car le voyage de Joseph devient de plus en plus chaotique alors qu’il est aux prises avec des souvenirs, des cauchemars et une réalité qui se confondent, tandis que les éléments narratifs et visuels du film commencent à se répéter et à se chevaucher.

Même si le scénario du film devient de plus en plus complexe, il suscite toujours un impact émotionnel effrayant. Les émotions intenses de chagrin, de peur et de nostalgie sont toutes représentées de manière vivante alors que Jozef descend dans l’abîme, vécues à travers l’animation d’une beauté oppressante : des marionnettes délicates et grêles dans des tons vieillis d’étain et de poussière, chaque cadre ressemblant à un affichage steampunk antique, en miroir. dans un miroir terni. La musique et les paysages sonores de Timothy Nelson contribuent à cet effet de berceuse fragile et envoûtante. L’éclairage tamisé et l’atmosphère semblable à une toile d’araignée exigent toute notre attention, non seulement sur l’intrigue alambiquée mais aussi sur la narration complexe et décousue. Cela ajoute à la qualité étrange du film, comme s’il s’agissait d’un mystérieux artefact provenant d’une époque ou d’un lieu inconnu.

L’animation s’entremêle parfaitement aux scènes d’action réelle, créant une expérience d’un autre monde car elles sont intentionnellement floues et déformées, rappelant les débuts du cinéma ou le contenu vintage pour adultes. On ne sait pas exactement où ces séquences s’inscrivent dans la structure narrative énigmatique du film : peut-être que les personnages humains servent de fantasmes troublants et déconnectés pour les marionnettes en bois, en argile et à plumes de « Sanatorium », qui semblent battues et blessées malgré leur construction matérielle. La nouvelle œuvre des Quays est si déroutante que la réalité semble un peu plus confuse lorsque les lumières s’allument et que nous sortons du théâtre en trébuchant, en plissant les yeux et en clignant des yeux pour revenir dans notre monde familier.

2024-09-02 16:46