En tant que cinéphile chevronné qui a résisté à d’innombrables tempêtes cinématographiques, je dois admettre que « The End » m’a fait me sentir plus comme un survivant d’un désert post-apocalyptique que comme un membre du public. Ce film n’est pas destiné aux âmes sensibles ou à ceux qui recherchent des structures narratives traditionnelles. Il s’agit plutôt d’un voyage stimulant sur la condition humaine, la culpabilité et la capacité de rationaliser nos méfaits, le tout enveloppé dans un ensemble musical mélancolique.
Dans une démarche audacieuse et sans précédent pour le cinéma documentaire, le réalisateur Joshua Oppenheimer a choisi une approche non conventionnelle avec « The Act of Killing ». Il a demandé aux sujets du film, qui faisaient autrefois partie des escadrons de la mort indonésiens, de reconstituer leurs atrocités passées devant la caméra. Pourquoi son premier film narratif devrait-il s’en tenir à une méthode de narration traditionnelle ?
En tant que cinéphile, j’envisageais « The End » comme une comédie musicale post-apocalyptique inhabituelle, se déroulant dans les limites d’un bunker souterrain où un groupe sélectionné d’individus ont stocké des œuvres d’art exquises et des vins inestimables en prévision d’un désastre qui aurait pu se produire. auto-infligé. Ce concept est né d’un documentaire sur lequel je travaillais sur une « famille riche et impitoyable » (mes mots), mais finalement, j’ai décidé de poursuivre ce projet dans une voie tout à fait unique.
Le film de près de trois heures « The End » évite le drame conventionnel et plonge plutôt profondément dans des thèmes philosophiques tels que la culpabilité et notre capacité à justifier nos actes répréhensibles, qui pourraient plaire davantage aux amateurs d’art qu’au grand public. Il est intéressant de noter que le film a été conçu avant la pandémie de COVID-19, mais il semble qu’il ait négligé le fait que le public est déjà fatigué des histoires tournant autour du confinement.
L’histoire, dans sa forme finale, aurait pu être plus engageante si elle comportait un élément de suspense ou de thriller, impliquant peut-être un danger qui affecte le petit groupe de personnages. Cependant, Oppenheimer reste fermement opposé à l’incorporation de tels éléments. En fin de compte, « The End » n’est pas autant une comédie musicale qu’on pourrait s’y attendre, mais plutôt un drame sophistiqué avec quelques chansons originales plus mélancoliques qu’on pourrait le croire. Oppenheimer a écrit ces chansons, tandis que Joshua Schmidt, un compositeur de théâtre novice en cinéma, a composé la musique.
L’histoire commence de manière modeste, mettant en scène un jeune de 20 ans (George MacKay) aux yeux écarquillés qui a du mal à se souvenir de sa vie avant l’emprisonnement, alors qu’il joue avec un diorama trop imparfait (dans lequel des Indiens, des colons et des esclaves vivent ensemble en paix). à la base du panneau Hollywood). Il pourrait rappeler Ariel de « La Petite Sirène » de Disney, perplexe face à sa myriade de particularités, fantasmant innocemment sur la vie à la surface. Au lever du jour, « A Perfect Morning » fait office de charmante chanson d’ouverture, même si la voix de MacKay, ainsi que celle du reste de la distribution, n’a pas le poli d’un chant professionnel. Il semble qu’Oppenheimer ait délibérément choisi cette qualité brute.
Connu simplement sous le nom de « Fils », ce jeune individu est né dans un abri conçu pour la fin du monde, sans aucune connaissance d’une autre existence. Malgré les récits répétés de ses parents au cours des deux dernières décennies, il n’a connaissance que de leur récit personnel des événements. Sa mère (interprétée par Tilda Swinton) se souvient souvent de son passage au Ballet du Bolchoï, mais il semble incertain si elle y a vraiment dansé. La figure paternelle (interprétée par Michael Shannon), un baron de l’énergie, se demande si notre industrie a joué un rôle dans l’augmentation des températures, suggérant qu’il nie peut-être la vérité sur le monde qu’ils ont abandonné – un monde qu’ils auraient pu détruire par inadvertance.
Dans ce sanctuaire isolé, à l’abri des troubles de l’humanité, moi, le garçon, j’ai la chance que mes parents préservent autant de vestiges de culture qu’ils peuvent, avec l’aide d’un médecin de confiance (Lennie James), d’un majordome dévoué (Tim McInnerny), d’un une femme de chambre assidue (Danielle Ryan) et une vieille amie estimée (Bronagh Gallagher) de notre passé. Ma mère consacre ses journées à réorganiser méticuleusement nos œuvres d’art inestimables qui ornent les murs – comme « La Danseuse » de Renoir, « La Femme à l’ombrelle » de Monet et de superbes et vastes paysages – et à s’inquiéter de détails mineurs comme les imperfections du plâtre.
Depuis environ deux décennies maintenant, ils sont enfermés dans un bunker autonome, le concept de normalité devenant de plus en plus lointain et hors de propos. Ils célèbrent fidèlement chaque fête avec de petites cérémonies particulières. En dehors de ces événements, chaque jour semble impossible à distinguer du précédent, alors que Swinton chante de manière poignante vers la barre des deux heures lors de son solo déchirant (bien qu’aigu) « Dear Mom ». Leur routine quotidienne consiste en des cours de natation et des exercices d’urgence, la survie étant leur plus grande préoccupation – pourtant, on ne peut s’empêcher de remettre en question son importance.
L’histoire suggère qu’il aurait été plus sage de prévenir l’apocalypse plutôt que de la planifier. La fin du film ressemble à la longue note mélancolique d’un trombone dans un film catastrophe, où sept personnages survivent tandis que tous les autres périssent. Cependant, après l’apocalypse, les parents ont élevé leur fils pour qu’il devienne un historien de leur récit déformé, et en même temps ils l’ont mis en garde contre les étrangers.
Plus tard, un personnage nommé « Girl », joué par Moses Ingram, apparaît. Elle avoue ses regrets d’avoir quitté ses proches, suscitant de profonds sentiments parmi ceux qui ont enduré d’énormes difficultés au cours des premières étapes de l’apocalypse. Son fils, autrefois plein de foi, lui demande désormais : « Maman, as-tu vu des gens essayer d’entrer à l’époque ? » Ces enquêtes ne provoquent pas seulement un malaise au sein de la famille, mais mettent également en évidence le fossé générationnel qui se creuse dans l’Amérique contemporaine, alors que les jeunes adultes ont du mal à pardonner à leurs parents leurs actes passés.
Mère a fermement décidé de ne pas accueillir cet inconnu dans leur cercle. « Nous devons établir des limites », déclare-t-elle. Il y a des siècles, de telles transgressions avaient de graves conséquences, comme en témoignent les cicatrices portées par le majordome. Pourtant, après deux décennies d’isolement, on aspirait à obtenir des informations au-delà de leurs murs. Avec appréhension, ils autorisent la Fille à accéder à leur monde isolé. Parmi le casting, Ingram est le seul individu qui respire l’espoir. Les autres apparaissent comme des restes desséchés de l’humanité, conservant les apparences du mieux qu’ils peuvent. Les membres du public pourraient trouver des parallèles entre leurs expériences pendant la pandémie et l’arrivée de cet intrus, mais Oppenheimer l’aborde avec un optimisme prudent.
Aux côtés de la décoratrice de « Melancholia », Jette Lehmann, Oppenheimer présente un bunker élégamment modeste niché dans une mine de sel, mais conçu pour le confort, un peu comme la base inspirée d’Elon Musk représentée dans « Un meurtre à la fin du monde » de l’année dernière. Ce projet transmet efficacement ses concepts intellectuels à travers des éléments de genre. Oppenheimer aurait pu bénéficier d’une stratégie similaire ; cependant, sa réticence à le faire fait que « The End » est qualifié de grand art (tout en sacrifiant potentiellement l’attrait commercial).
Quels téléspectateurs regarderont finalement « The End » ? Ce film, présenté pour la première fois au Telluride Film Festival, semble à la fois voué à l’échec et salué par la critique et les spectateurs qui apprécient l’importance de prendre des risques. L’audace d’Oppenheimer (et de ses financiers) mérite d’être reconnue, mais son portrait d’un type particulier de folie ne peut s’empêcher de paraître insensé en soi. Avant qu’une comédie musicale n’atteigne Broadway, elle subit de nombreux ateliers et tests pour garantir son succès. Cette production semble avoir contourné ces étapes essentielles, privilégiant la vision du réalisateur plutôt que les besoins du public.
« Peut-être qu’aucun autre film n’est comparable à « The End », ce qui le rend unique en soi, et même si tous ceux qui y sont associés espèrent attirer plus de téléspectateurs, il semble être un message énigmatique subtilement voilé, prêt à être découvert par ceux assez audacieux pour le faire. découvre-le. »
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2024-09-01 03:47