Revue des années : beaucoup de femmes

Les années (Almeida Theatre, Londres)

En tant qu’amoureux du théâtre depuis toujours et critique chevronné avec plus de 30 ans d’expérience à mon actif, je dois dire que les productions de Red Rose Chain et de Buxton Opera House m’ont complètement charmé !

Verdict : Beaucoup de femmes

En tant qu’amateur de théâtre chevronné avec de nombreuses années d’expérience à mon actif, je dois dire que les événements de cette semaine au théâtre Almeida d’Islington m’ont laissé à la fois intrigué et inquiet. L’arrêt soudain de leur dernière production, « The Years« , en raison du malaise de plusieurs hommes, est un événement inhabituel que je n’ai pas rencontré lors de mes nombreuses visites dans divers théâtres du monde.

Lors d’une représentation particulièrement intense d’une scène d’avortement dans un film basé sur les mémoires féministes d’Annie Ernaux (une auteure française de 83 ans, lauréate du prix Nobel), les acteurs Romola Garai, Gina McKee et Deborah Findlay ont commencé à se sentir étourdis et faibles. à mi-chemin. (Selon les rapports)

J’ai donc procédé avec prudence, emportant par mesure de précaution une bouteille du remède de secours de Bach. En effet, le récit de son avortement clandestin en 1963 est un moment déchirant dans l’histoire personnelle d’Ernaux.

Dans la même veine, Garai a laissé Almeida sans voix avec son récit. Cela était dû en partie à l’utilisation fréquente de ketchup, mais plus encore à des représentations brutales comparant une « poupée reliée par son cordon ombilical ».

Si votre constitution est suffisamment solide pour traiter de tels sujets, et si vous pouvez momentanément mettre de côté vos jugements moraux personnels, cela devient un récit intrigant, amusant et émouvant de l’histoire de la fin du XXe siècle – une perspective offerte par une Française remarquablement franche. sur son parcours de vie, de la jeunesse à la vieillesse.

Revue des années : beaucoup de femmes

On la rencontre toute petite, évoquant la libération de Paris en 1944 avant la fin de la Seconde Guerre mondiale.

Ses années d’adolescence passées dans une école conventuelle ont été remplies d’incidents humoristiques, tandis que plus tard, elle a été confrontée à des vérités dures et désagréables sur le sexe lors de son séjour dans une station de ski.

En tant que fervent admirateur regardant mon passé, je ne peux m’empêcher de me souvenir de l’impact profond que les événements ont eu sur moi. Les souvenirs d’un avortement, une décision aussi bouleversante que personnelle, refont surface. Tout aussi indélébiles sont mes souvenirs d’activisme politique, où je me suis retrouvé plongé dans le tumultueux soulèvement étudiant à Paris en 1968. Le monde semblait bouger sous nos pieds avec l’arrivée sismique de la pilule contraceptive – un moment révolutionnaire qui a changé à jamais le paysage de liberté personnelle et autonomisation des femmes.

En 1980, une situation conjugale et familiale encore vaguement définie aboutit à un divorce. Plus tard, au milieu de la vie, il y a des enchevêtrements romantiques qui rappellent les béguins d’adolescents. La peur de la ménopause menace, ainsi que le étrange fantôme de la retraite, qui persiste tout au long des années 90 et au-delà.

En tant qu’observatrice engagée, me plonger dans la perception brute et non filtrée des femmes, telle que la décrit Ernaux dans son travail, me semble incroyablement captivant. Les femmes présentes au spectacle auquel j’ai assisté cette semaine semblaient également apprécier pleinement cette exploration.

1. Ils ont pris un grand plaisir à découvrir la vie, à la fois inattendue et surtout humoristique, ainsi que les vérités cachées d’Ernaux. (Paraphrasé de votre phrase originale)

Le récit de son histoire reflète étroitement un itinéraire historique fréquemment parcouru, mais sa familiarité ne fait que renforcer sa relativité, tout comme la représentation des cinq interprètes qui incarnent les différentes étapes de la vie d’Ernaux. En utilisant le « nous », ils suggèrent que cette histoire résonne en nous tous.

Sous la direction de la cinéaste norvégienne-néerlandaise Eline Arbo, le récit d’Ernaux se déroule dans une série d’épisodes magistralement arrangés. Pour commencer chaque épisode, ils recréent une photographie ancienne sur fond blanc, qui sert ensuite de nappe et est marquée de vin, de sang et de diverses taches. Finalement, ce tissu souillé est accroché au fond de la scène circulaire, agissant comme un symbole poignant de mortalité.

Harmony Rose-Bremner dépeint les versions juvéniles d’Ernaux comme un enfant maladroit et ajoute des scènes musicales, comme le yodel trouvé dans The Great Gig In The Sky de Pink Floyd des années 70.

Adolescente, Anjli Mohindra explore et crée de manière ludique des exercices physiques uniques pour se satisfaire, qui peuvent être assimilés à une interprétation athlétique du Kama Sutra. Plus tard, le récit passe à Garai, qui introduit une phase plus troublante.

McKee introduit une touche légère à la phase insouciante mais mélancolique de la quarantaine, renouant avec une nouvelle libération sexuelle. Plus tard, Findlay conclut par une réflexion poignante lors de sa retraite.

En collaboration, ces cinq femmes présentent un acte ouvert, inquiétant et contemplatif qui pourrait à juste titre être qualifié de « quête policière pour la femme ».

Les raisins de la colère (Lyttelton, National Theatre, Londres)

Verditc : Travail d’amour

Le puissant roman américain de John Steinbeck, Les Raisins de la colère, a toujours été l’expression d’une profonde affection. Sa lecture exige la même ténacité et la même résilience que la famille Joad, qui a été forcée de quitter sa ferme de l’Oklahoma et a cherché une terre d’abondance promise en Californie pendant la Grande Dépression des années 1930.

Pour la famille Joad, dans l’adaptation scénique importante du roman de Frank Galati, cela se traduit par un voyage de 2 000 milles avec 13 voyageurs, qui comprend les grands-parents, la mère (Ma), le père (Pa), une fille enceinte et un ex. – un fils condamné qui retrouve un ancien pasteur en cours de route. Enfermés dans une vieille voiture branlante, ils éprouvent des difficultés telles que la faim, l’embarras, la désillusion et l’agressivité.

L’excellente mise en scène de Carrie Cracknell réduit considérablement la durée de la représentation de trois heures et 20 minutes initiales à seulement deux heures et 45 minutes (avec un entracte). S’il faut remercier cette abréviation, il est essentiel de noter que la production reste quelque peu répétitive en raison de thèmes récurrents sur la Californie, de l’histoire du fils emprisonné et, parfois, de dialogues trop dramatiques.

Le casting de Cracknell fait preuve d’une détermination inébranlable semblable aux personnages (qui rencontrent parfois leur disparition) dans le décor scénique perpétuel d’Alex Eales, semblable à un purgatoire, qui fait écho au ton sombre du film de John Ford de 1940.

Il convient particulièrement de noter le portrait de Tom par Harry Treadaway, le fils très tendu en liberté conditionnelle, et Cherry Jones offre une performance louable dans le rôle de Ma Joad, offrant des paroles de sagesse au milieu de l’adversité. De plus, Natey Jones séduit par son charisme de prédicateur désillusionné qui croit encore en l’humanité.

Dans certains cas, des moments profondément tristes ressortent ; les conditions actuelles dans les camps de migrants sont souvent évoquées ; et la conclusion bien connue continue d’être aussi troublante qu’auparavant. Entrecoupé de ces scènes, un quatuor country joue de la musique folk américaine, apportant un sentiment de joie avec leur performance animée.

Ayant passé des années à travailler sans relâche et avec diligence, je peux affirmer avec certitude que cet endroit ne semble peut-être pas attrayant pour passer un bon moment à l’observateur occasionnel. Mais pour ceux qui possèdent l’éthique de travail protestante, cela ne décevra pas. J’ai découvert que le travail acharné, le dévouement et la persévérance sont souvent récompensés de la manière la plus inattendue, et cela reste vrai même dans ce contexte particulier. La satisfaction d’accomplir une tâche bien faite, de voir des progrès réalisés et de savoir que ses efforts ont été utilisés à bon escient peut être incroyablement enrichissante. Ainsi, pendant que d’autres passent par là à la recherche de loisirs, je trouve de la joie et un but dans la poursuite constante et inébranlable de mes objectifs.

La promesse (Théâtre Minerva, Chichester)

Verdict : peu prometteur

À la fin de l’année dernière, la dernière pièce de Pau Unwin, « The Enfield Haunting », a malheureusement reçu un mauvais accueil dans le West End de Londres : une finale peu festive pour les fêtes de fin d’année.

Dans son dernier ouvrage intitulé « The Promise », il raconte la remarquable réussite du Labour après-guerre : une majorité qualifiée de 146 sièges qui lui a conféré un immense pouvoir pour lutter contre les injustices sociales. Cette autonomisation a conduit à la nationalisation des industries du charbon, de l’acier et des chemins de fer, à la transformation des systèmes éducatifs et à la création du National Health Service (NHS).

Après le portrait passionné de Nye Bevan par Michael Sheen au National Theatre et la performance révolutionnaire de Keeley Hawes d’un médecin généraliste d’après-guerre devenu député à l’entrepôt Donmar cette année, Unwin met désormais en avant Clare Burt comme la députée travailliste au tempérament fougueux de Jarrow, Ellen. Wilkinson.

Femme de Manchester, profondément engagée dans la lutte contre la classe ouvrière, Wilkinson était à la fois asthmatique et fumeuse. Sa vie, écourtée par sa mort prématurée, aurait pu servir de base à la pièce d’Unwin, mais son histoire poignante est éclipsée par la foule de personnages improductifs de Westminster.

De mon point de vue d’admirateur dévoué, Clement Attlee, Premier ministre selon Andrew Woodall, est une figure légendaire souvent associée aux convenances formelles. Ernie Bevin, ministre des Affaires étrangères dans ce contexte, est un sentimental originaire du West Country. Hugh Dalton, chancelier de la même époque, est connu pour sa colère latente et son attitude raide, tandis que Nye Bevan, ministre de la Santé de l’époque, est souvent décrit comme un Gallois plutôt arrogant, rappelant un Dalek par sa persévérance et sa rigueur.

Dans son rôle de ministre de l’Éducation, Burt’s Ellen appelle au courage de tous ceux qui l’entourent, même si elle gère diplomatiquement les avances coquettes du vice-premier ministre, Herbert Morrison, interprété par Reece Dinsdale.

Au lieu de cela, l’héritage d’Unwin pourrait se transformer en divagations ivres incohérentes, suivies d’un séjour à l’hôpital et d’une disparition prématurée à 55 ans en raison d’une surdose involontaire d’amphétamine.

La production de Jonathan Kent ne semble pas avoir profité à sa performance. Bien qu’un problème technique soit survenu lors de la soirée d’ouverture, il a été précédé et suivi par le bruit désagréable des accessoires déplacés dans les coulisses.

Dans une configuration scénique quelque peu inhabituelle et encombrante, la conception de Joanna Parker intègre des plates-formes en bois mécanisées qui transportent à la fois les acteurs et les accessoires, comme un meuble entier avec des chaises aux pieds bancals, autour de la scène.

À une conclusion inattendue, Martyn Ellis fait son apparition sur scène, incarnant Winston Churchill, se moquant de Red Ellen (sur le point de mourir), qui est à bout de souffle sous le projecteur central, entouré d’un arrangement spécialement conçu de pétales de rose.

Qu’est-ce que tout cela veut dire? Il y a peu de preuves que quelqu’un ait posé cette question.

Le Songe d’une nuit d’été (Théâtre dans la forêt, Sutton Hoo, Suffolk)

Verdict : Mendous

Mon rêve était une nuit d’été, une nuit douce, pas détrempée, et par une magie féerique, nous l’avons réalisé pour cette production en plein air enchanteresse et imaginative à Sutton Hoo, lieu de sépulture d’un roi anglo-saxon il y a 1 500 ans, dans la campagne du Suffolk.

Dans ce décor réel, une « forêt effrayante » si vous préférez, une scène a été aménagée et la comédie chérie de Shakespeare s’est déroulée sous un impressionnant et imposant châtaignier. Alors qu’Oberon chantait : « Je connais une banque où pousse le thym sauvage », nous nous sommes retrouvés là.

La scène est absolument idéale – et non seulement cela, mais les interprètes sont aussi exceptionnels ! Nous avons sept artistes polyvalents et talentueux qui assument les vingt rôles, passant harmonieusement de l’un à l’autre sans jamais perdre le rythme. Il s’agit en soi d’une démonstration impressionnante d’énergie et de créativité.

Vincent Moisy joue un rôle exceptionnel dans le rôle de Bottom, aux côtés de Demetrius et Mustardseed. Pendant ce temps, Ailis Duff brille de mille feux dans les rôles de Peter Quince, Helena et Peaseblossom. Les marionnettes extraordinaires créées pour les fées ont laissé une impression durable.

Malgré les thèmes récurrents du Songe d’une nuit d’été sur la dureté et l’imprévisibilité de l’amour humain, qui sont comparés à la nature espiègle de Cupidon, la pièce se caractérise principalement par ses éléments comiques et son esprit jovial.

Joanna Carrick est une réalisatrice innovante connue pour son approche unique de la narration, mêlant habilement le respect des éléments traditionnels à ses touches personnelles distinctives. Même si certains pourraient trouver excessif le recours aux apartés, aux improvisations et aux intermèdes musicaux, la réponse enthousiaste du public en dit long sur son appréciation.

Il semble peu probable que « You Were Always On My Mind » d’Elvis Presley ou la « Zorba’s Dance » de Grèce fassent partie des œuvres originales de Shakespeare, mais si on lui en avait donné l’occasion, je pense qu’il aurait trouvé ces pièces agréables et peut-être même les aurait incorporées. dans ses pièces.

Depuis vingt-cinq ans maintenant, The Red Rose Chain présente ses spectacles d’été à proximité de son siège à Ipswich ; une étape remarquable pour un théâtre communautaire à petit budget. En attendant de nombreuses autres saisons réussies !

RÉVISÉ PAR TONY RENNEL

Les Gondoliers et les Pirates de Penzance (Opéra de Buxton)

Verdict : Deux trésors nationaux ramenés à la vie

En tant que connaisseur du style de vie et de la culture, permettez-moi de partager mon point de vue sur Les Gondoliers – le grand opus d’Arthur Sullivan en partenariat avec W.S. Gilbert. Cette œuvre se démarque parmi leurs collaborations par son abondance de musique, ce qui en fait un véritable témoignage des prouesses musicales de Sullivan. Le final de l’acte 1 est particulièrement remarquable, laissant une marque indélébile sur l’expérience théâtrale. De plus, la partition superpose mélodie sur mélodie, créant une symphonie enchanteresse qui résonne longtemps après la fermeture du rideau final.

En tant que passionné d’opéra chevronné avec des années de représentations à mon actif, je peux affirmer avec confiance que la production de la National G&S Opera Company au Festival G&S de cette année à Buxton est à ne pas manquer. Ayant été témoin de l’extraordinaire Merry Widow à Glyndebourne et d’autres productions, je peux attester que l’interprétation de la National G&S Opera Company établit un équilibre impressionnant entre les touches ludiques et la fidélité à l’essence de la musique.

Butteriss lui-même joue le duc de Plaza-Toro, Gaynor Keeble est sa duchesse, tandis que Kelli-Ann Masterson dans le rôle de leur fille Casilda et Sam Marston dans le rôle du batteur Luiz sont l’un des trois couples d’amoureux. Le ténor David Webb et le baryton Charles Rice sont remarquables dans le rôle des gondoliers Marco et Giuseppe, associés de manière séduisante à la soprano Ellie Neate dans le rôle de Gianetta et à la mezzo-soprano Meriel Cunningham dans le rôle de Tessa. Le Grand Inquisiteur, Don Alhambra, est interprété avec délectation par Toby Stafford-Allen.

En tant qu’admirateur inconditionnel, je dois dire que l’interprétation de Butteriss des Pirates de Penzance au Festival est tout simplement revigorante ! Son interprétation du général de division douteux respire à la fois une prestation impeccable dans les chansons rapides et une profonde résonance émotionnelle. David Webb apporte une profondeur touchante à Frederic, tandis que Rebecca Bottone dans le rôle de Mabel présente une gamme impressionnante de notes aiguës qui font vraiment envie dans « Poor Wand’ring One ». Charles Rice est attachant dans le rôle du Roi Pirate, même si le rôle semble légèrement minimiser ses prouesses vocales.

Le festival se termine le 10 août, mais les opéras, ainsi que « HMS Pinafore » et « Trial By Jury », devraient être joués dans les théâtres de Malvern du 5 au 7 septembre.

RÉVISÉ PAR TULLY POTTER

2024-08-02 04:05